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CROOKED FINGERS . Breaks In The Armor

2012-01-27T20:30:00.000+01:00

inserito 13/12/2011

Crooked Fingers
Breaks In The Armor
[Merge 2011]

Se mai doveste fare mente locale su quali dischi di questi anni 2000 tramandare ai posteri, non dimenticatevi di almeno due titoli a nome Crooked Fingers, creatura musicale di Eric Bachmann, uno dei tanti - ma non uno dei soliti - artisti indipendenti genialoidi di questi ultimi anni. Anche il nostro sito ha decantato le lodi di album comeRed Devil Dawn (2003) e Dignity and Shame (2005), probabilmente quello che avrebbe prodotto Bob Dylan se si fosse mosso da Duluth nel 2000 per recarsi ad Athens invece di proseguire verso New York. Album che si barcamenavano tra normalità ed eccentricità, con il risultato forse di non aver mai veramente incantato nessuno, visto quanto sono stati dimenticati dai più. Bachmanm d'altronde ci ha messo del suo per rimanere nell'ombra, consegnando nel 2008 uno strano prodotto "pop" come Forfeit/Fortune, opera indecifrabile che noi stessi non abbiamo avuto la forza di ragionare e digerire, tanto che alla fine abbiamo deciso di lasciare al tempo il compito di confermarci l'impressione di esserci trovati di fronte ad un vero passo falso.

Altri tre anni sono passati e Bachmann ammette implicitamente il fallimento di quella svolta irrisolta, se è vero cheBreaks In The Armor tira il freno e fa decisamente marcia indietro, recuperando il suono elettroacustico dei suoi anni migliori. Una mossa doverosa forse, anche se probabilmente forzata, visto che la sensazione è che per al prima volta nella sua lunga carriera Bachmann ci abbia messo più mestiere che anima nel confezionare la parte strumentale di questi undici brani. Niente di male, intendiamoci, il talento resta considerevole, ma per la prima volta il nostro eroe si è fatto prendere la mano dall'emotività solo a livello di testi. Ne esce così un disco cupo nelle liriche, che parlano di malattie senza ritorno (Bad Blood), solitudine (Heavy Hours), ricerche senza speranza (Went To The City), laceranti addii (The Hatchet). Il tutto realizzato con molta - forse troppa - precisione grazie ai suoni confezionati da Matt Yelton (lo si ricorda al lavoro per i Pixies), e con il contro-canto della amica Liz Durrett come unico accorgimento stilistico a rompere il dialogo voce-chitarre.

Probabilmente è stato anche il riformare la sua vecchia band degli anni 90 (gli Archers Of Loaf, vero e proprio simulacro cult dell'era pre-indie rock) che gli ha ridato la voglia di ripercorre sentieri già battuti, seppur contaminati da un pessimismo che raggiunge in Your Apocalypse la vera apoteosi. Sarà dunque solo il prossimo capitolo a confermarci se questo è l'inizio di quella matura normalità (detta anche "l'era del solito disco") che prima o poi colpisce qualunque artista del globo, oppure si tratta solo di un rigenerante periodo di transizione.
(Nicola Gervasini)

www.crookedfingers.com

CESARE CARUGI - Here's To The Road

2012-01-18T22:53:00.004+01:00

Perchè un ragazzo - ormai neanche più tanto ragazzo - di Cecina decide di investire tempo, neuroni e energia nel produrre un disco in pieno 2012, destinato a perdersi nel mare magnum del iper-produttività di questi anni 2000? Per compiacere sè stesso, certo, per piacere agli amici e conoscenti, certo, per scoprire che al di là del muro di casa esiste qualcuno che condivide la stessa passione per un rock americano che suonava nuovo alla fine degli anni 70, quando un disco così serviva a far esordire uno Steve Forbert o un Willie Nile al grido "abbiamo il nuovo Springsteen o il nuovo new Dylan!". Certo. Quante copie potrebbe vendere Here's To The Road? Quanta storia può scrivere oggi una Caroline, la ballatona che ancora mancava nel perfetto songbook del blue-collar loser, o una Too Late To Leave Montgomery che ruba un incipit a Lucinda Williams ma poi riesce a trovare una strada tutta sua per diventare uno dei vostri tormentoni quotidiani se solo gli concedete più di un ascolto? Quante citazioni potrebbe guadagnarsi fra vent'anni un disco come quello di Cesare Carugi? E quanti, come lui, hanno imparato in anni di ascolti e passione un verbo (qui è quello del più puro rock americano) e ora lo sanno parlare alla perfezione, proprio quando sono rimasti però in pochi a capirlo? Già, perchè ascoltando Here's To The Road si hanno due obbligatorie reazioni: la prima è "cazzo, ma sta roba è tutta già sentita!". La seconda invece è "cazzo, ma 'sto tipo però è bravo". Già, il Carugi canta bene, sa come si scrive una canzone, e nei limiti di una autoproduzione casalinga, ha saputo anche registrarle. Poi ci pensi, e realizzi che se un Jimmy Iovine dei tempi d'oro avesse prenotato la casa per le vacanze a Marina di Cecina, e alla sera, tra una finocchiona e un ragù di cinghiale, avesse dato un paio di dritte al Carugi per rendere più potente una There Ain't Nothin' Wrong With Goin' Nowhere (grande brano e grande titolo...), se il Michael McDermott che passa in visita di cortesia in Dakota Lights & The Man Who Shot John Lennon (grande brano e grande titolo...) fosse ancora seguito dall'entourage da major che confezionò così bene il suo lontano esordio, se lo stesso Carugi si rendesse conto che se sa tirar fuori un piccolo gioiello come London Rain (pare un pezzo di Shawn Phillips, sempre che ci si ricordi chi diavolo fosse Shawn Phillips...), allora forse può anche andare oltre certi schemi da raduno di springsteeniani, insomma, se questo album fosse uscito 30 anni fa e fosse stato registrato a New York invece che a Bagno a Ripoli....allora....forse....il discorso lo sapete. Insomma, se questa è per la strada, allora che rimanga alla strada, ma un tempo questa roba la si dava prima in pasto alla storia, e non è colpa del Carugi se ora il rock and roll è solo questione di files sul desktop da passare sull'ipod e non più di radio che lanciano colonne sonore agli avvenimenti umani. Le sue canzoni sono le stesse che avremmo amato trent'anni fa, magari facendole passare per importanti, per cui che importa se oggi lo saranno solo per quei quattro gatti che avranno tempo per ascoltarle. Ci sono, e sono davvero sulla strada. Questo è il bello. (Nicola Gervasini)

KD LANG - Sing it Loud

2012-01-17T20:33:00.002+01:00

Fin dal 1984 i suoi dischi rappresentano il perfetto riassunto di decenni di musica canadese, eppure k.d.lang resta un personaggio poco riconosciuto, che ancora usa firmarsi in caratteri minuscoli nonostante abbia anche venduto parecchio. A dispetto del titolo del suo nuovo album (Sing It Loud, Nonesuch), lei è infatti una che non ha mai urlato, neppure la sua dichiarata omosessualità (resta memorabile il servizio fotografico che ritraeva Cindy Crawford intenta a rasarle la barba) o le sue lotte contro l’industria della carne. Consigliamo invece di dimenticare il personaggio ed ascoltare queste dieci canzoni sofisticate e finemente costruite, che fanno sempre più a meno della musica rurale nordamericana e si avvicinano più al jazz, al pop, e ad un gusto teatrale e melodrammatico decisamente europeo. (Nicola Gervasini)

COWBOY JUNKIES - The Nomad Series Vol. 3 - Sing In My Meadow

2012-01-15T11:41:00.000+01:00

inserito 11/11/2011

Cowboy Junkies
The Nomad Series Vol. 3 - Sing In My Meadow
[Latent/Proper Records 2011]

Continuano le pulizie di primavera nel solaio di casa Timmins, dove si trovano ancora interi bauli di progetti abbandonati, tante canzoni non sviluppate accumulate in quasi trent'anni di onorata carriera che stanno dando vita ad una serie di dischi (The Nomad Series) teoricamente destinati solo ai fans più stretti. Se il primo volume aveva dato davvero la sensazione di un mero disco di outtakes, il secondo (un tributo all'appena scomparso Vic Chesnutt) era apparso come un interessante opera unitaria. Più difficile inquadrare invece questo Sing In My Meadow, che potremmo definire come il loro "tutto ciò che non suona come una canzone dei Cowboy Junkies ma sono pur sempre i Cowboy Junkies", vale a dire un insieme di esperimenti psichedelici e distorti che rappresentano il lato meno conosciuto e celebrato della band canadese, solitamente citati come esempio supremo di sonnecchiante e fascinoso folk da camera per orecchie sensibili al troppo rumore.

Registrato in quattro giorni utilizzando materiale di recupero e qualche brano già noto (Hunted era uno dei pezzi forti di Pale Sun Crescent Moon), il disco ha un approccio live e decisamente blues fin dall'iniziale Continental Drift, splendida performance caratterizzata da una armonica che sembra provenire dagli inferi e dalla agghiacciante interpretazione di una Margo Timmins che abbandona i toni caldi in favore di un canto freddo e impenetrabile. Basterebbe questo inizio a spazzare via l'intero decennio scorso della loro produzione, se non fosse che anche questi quaranta minuti alla fine tradiscono la propria natura sperimentale, visto che in altri episodi il gioco a "cercare di non sembrare i Cowboy Junkies" mostra qualche segno di cedimento (Late Night Radio meritava un arrangiamento più caratterizzante) o qualche esagerazione (i troppi effetti usati per rendere It's Heavy Down Here più sinistra possibile o la fin troppo confusa A Bride's Price).

Quando però la chitarra inacidita di Michael Timmins si intreccia con l'armonica i risultati sono esaltanti, con momenti tesi e taglienti come 3rd Crusade o la stessa Sing In My Meadow, fino all'apoteosi del lungo assolo della conclusiva I Move On, dove persino la voce di Margot viene sovrastata dal baccano, finendo per una volta relegata a semplice strumento di accompagnamento. Resterà dunque uno strano oggetto non identificato questo volume tre, che potrebbe paradossalmente scontentare qualche vecchio adepto, ma conquistarne di nuovi, magari quelli che distrattamente non si erano mai accorti che questi Cowboy Junkies esistevano già nelle pieghe di tutte le loro opere precedenti.
(Nicola Gervasini)

www.cowboyjunkies.com

SCOTT H BIRAM - Bad Ingredients

2012-01-12T14:33:00.000+01:00

inserito 22/11/2011

Scott H Biram
Bad Ingredients
[Bloodshot 2011]

Inventarsi uno stile personale e un tocco inimitabile è già un grande risultato per un artista, ma ben più difficile è saperlo mettere a frutto nel tempo. PrendeteScott H Biram ad esempio, uno che nel 2000, dopo aver fatto gavetta con una punk-band e un suo progetto bluegrass a largo numero di partecipanti, si è inventato il personaggio di "The Dirty Old One Man Band", chitarrista blues a metà tra Hendrix e Jon Spencer, capace di infiammare il palco in completa solitudine. La sua formula ha scatenato entusiasmi tra tutti quelli che hanno avuto la fortuna di vederlo in azione, mentre i suoi dischi (con Bad Ingredients siamo arrivati al settimo album) hanno sempre destato più curiosità che vera ammirazione. La difficoltà sta nel fatto che il suo stile chitarristico, capace di coprire da solo tutte le frequenze del vostro stereo, appare come ingabbiato quando viene ascoltato tra le mura domestiche, laddove oltre a qualche numero pirotecnico richiediamo anche canzoni di spessore e motivi per arrivare alla fine dei 45 minuti senza avere voglia di ascoltare altro.

Il suo problema è sempre stato quello di aggiungere nuovi elementi e idee conservando però la propria natura di autarchico one-man-band e resistendo alla tentazione di chiamare qualche session man in più o qualche ospite famoso per infarcire la torta. Che, come recita il titolo di questa sua nuova fatica, continua ad essere cucinata con gli elementi base del più tipico blues rauco, sporco, brutto e cattivo del mondo alternativo americano, sia esso acustico (Just Another River), da garage-band (Dontcha Lie To Me Baby) alla White Stripes in gita sul delta (Victory Song) o classicamente alla John Lee Hooker (Born In Jail) o Muddy Waters (I Want My Mojo Back). L'ingrediente a sorpresa è un nuovo tocco da cantautorato texano, se è vero che Open Road o Broke Ass potrebbero ricordare l'epica (e la "fine" dialettica…) di Calvin Russell, ma quando poi si arriva alla stracotta e stra-coverizzata Have You Ever Loved a Woman? di Lightin'Hopkins si capisce che l'autonomia creativa continua ad essere di breve durata.

Divertitevi dunque senza troppo pensarci, magari negli episodi più esplosivi come Wind Up Blind dove Scott da sfogo alle proprie distorte fantasie sul blues o con il travolgente rock&punk di Killed A Chicken Last Night, episodi che non rivoluzionano nulla, ma uniscono l'irriverenza di Mojo Nixon e Skid Roper al tagliente self-made rock di Hammell On Trial. E se anche i paragoni tirano in ballo nomi oscuri e minori come quest'ultimi, che solo chi segue il mondo della canzone americana da tempo può riconoscere, allora davvero Bad Ingredients conferma, nella sua genuina e amabile irruenza, che la carriera di Biram è destinata a rimanere nella serie B.
(Nicola Gervasini)

www.scottbiram.com

DEVON WILLIAMS - EUPHORIA

2012-01-11T00:55:00.002+01:00

DEVON WILLIAMS

EUPHORIA

Slumberland Records

***

Piccoli indipendenti crescono: Devon Williams è ancora un nome poco noto nel firmamento della musica, dopo l’esperienza in band rimaste oggetto di culto per pochi come gli Osker, Fingers-Cut, Megamachine e Lavender Diamond. Nel 2008 aveva esordito con Carefree, piccolo gioiellino di indie-music che non ha fatto però il giusto rumore nel fracasso generale di mille piccole produzioni, ma potrebbe essere la volta buona con il secondo tentativo, il fin dal titolo e copertina colorato Euphoria, una variopinta tavolozza di stili che dal folk minimale di base si estende al pop e a quello stesso amore per gli arrangiamenti complessi dei Fleet Foxes più recenti. Ricetta non nuova ma sempre affascinante la sua, forte di una voce che sa davvero molto di new wave di primi anni 80, ma con lo stesso gusto per i vocalizzi eterei alla Bon Iver. Euphoria è infatti un disco che si appella ad un ben preciso periodo storico del rock, che passa da una title-track che potrebbe davvero essere appartenuta ai Cure meno drammatici di metà anni 80, fino a pop orchestrali come Sufferer, che avremmo potuto anche trovare tranquillamente in un disco del Lloyd Cole che fu. Sicuramente Williams contribuisce al rilancio generale di certe soluzioni degli eighties che erano forse state sepolte con troppa fretta nei ruggenti novanta, come se si potesse far risorgere lo spirito degli Echo & The Bunnymen aggiornati per i nuovi palati legati al freak-folk più recente, anche se le tastiere di Tower Of Thought sono davvero le stesse di quegli anni. Al disco manca forse il guizzo che faccia la differenza, tentato con una Right Direction che prova la via di un jingle-jangle pop che ancora una volta sta dalle parti dei Cure (ma stavolta quelli di Wish), o con una All My Living Goes To You che in tema di sovra-orchestrazioni cerca di fare concorrenza ai Beach Boys. Ma la finale La La La La, che filtra batterie e chitarre in mille effetti, comincia a far pensare che Devon avrebbe voluto nascere nei tempi in cui produttori come Steve Lillywhite confezionavano questi suoni per i nomi più alla moda e le produzioni erano imposte dall’alto. Tutte cose che lasciano il dubbio se Euphoria sia solo un disco moderno con un lieve gusto retrò, o molto probabilmente il risultato di un nuovo feticismo da studio di registrazione. In attesa di capire cosa farà lui da grande, il gioco riesce anche a divertire.

Nicola Gervasini

THE DUKE & THE KING

2012-01-09T16:42:00.001+01:00

THE DUKE & THE KING

Deve aver pensato che era giunto il momento di dare il colpo di grazia ai propri fratelli il buon Simone Felice, e così, mentre i Felice Brothers arrancano affannosamente in una modernizzazione senza troppo futuro (ascoltate il recente e deludente Celebration, Florida), lui prova a lucidare il repertorio dei suoi The Duke & The King nella speranza di rendere ben chiaro chi ci ha guadagnato di più nella separazione. Il progetto del Duca e del Re (personaggi presi da Mark Twain) è giunto al terzo disco ormai, un album senza titolo che è in verità una sorta di “The Best” dei primi due lavori (l’ottimo esordio Nothing Gold Can Stay e il più incerto ma variegato Long Live), pensato e ideato per il mercato americano, visto che le due prime pubblicazioni hanno riguardato solo l’Europa. L’occasione è dunque quella di ripartire da zero e considerare che il progetto di Simone e del suo partner Robert "Chicken" Burke ha tutte le credenziali per produrre in futuro ottime cose, visto quanta grazia già ci offrono i questi solchi. Se non le conoscete, scoprite allora brani come If You Ever Get Famous o The Morning I Get To Hell, che nulla hanno da invidiare all’applauditissimo John Grant, oppure l’irresistibile folk-pop di Shaky (come si fa a resistere ad un ritornello che canta “The Jackson 5 grew up so fast, Cmon baby, Just come and shake that country ass”?), o la bella No Easy Way Out cantata dalla violinista Simi Stone. Il riferimento a John Grant può aiutare per capire lo stile: folk americano e pop inglese qui s’intersecano alla perfezione, con in più qualche inserimento percussivo un po’ obliquo, logico contributo di Burke, un nato alla scuola per deejay di George Clinton (anche il batterista Nowel Haskins viene dal giro dei Parliament). Ma quello che piace, anche risentendo questa panoramica che si divide quasi equamente tra estratti dei loro primi due lavori, è proprio la scrittura delle canzoni, malinconica ma mai autoindulgente, con un’attenzione particolare alla melodia senza però scadere nell’ovvio (sentite anche una semplice folk-song come O’Gloria). Come sempre accade in questi casi la scelta delle canzoni non collima perfettamente con quella che avremmo operato noi (ad esempio dal secondo album avremmo evitato la pesante Just You And I), e dal primo album manca all’appello qualche titolo fondamentale, ma in attesa di verificare la positiva evoluzione del duo, The Duke & The King è un consigliatissimo cd per essere aggiornati su una delle migliori nuove realtà della canzone americana.

Nicola Gervasini

JOSH ROUSE - Josh Rouse and The Long Vacations

2012-01-08T19:47:00.000+01:00

Josh Rouse
Josh Rouse and The Long Vacations
(Bedroom 2011)

Gli album di Josh Rouse sono come i titoli di testa dei film di Woody Allen: sempre uguali da anni. Canzoni brevi, durate complessive sempre sotto i quaranta minuti (qui siamo poco sopra i 25...) e una generale attitudine al modesto, il leggero, il soffice e sussurrato. Una ricetta che nei primi anni ha sorpreso e regalato, se non capolavori, perlomeno titoli come Dressed Up Like Nebraska, 1972 o Nashville che ancora oggi meritano di essere rivisitati di tanto in tanto. Da qualche anno però la formula è caduta in una stanca ripetitività, e l'aver puntato sul taglio autobiografico fin dal precedente El Tourista (lui ora vive in Spagna, dove ha trovato nella bella Paz Suay l'amore di una vita) ha spostato solo il target stilistico dal country/folk con vaghe tinte soul dei primi anni, verso il mondo dei ritmi latini, ma senza cambiare poi troppo il succo del discorso. Josh Rouse and The Long Vacations inizia là dove finiva lo sforzo precedente, da 9 piccoli brani che si muovono lascivamente tra percussioni e sfumature jazz, strizzatine d'occhio al beach-pop alla Jack Johnson e pochi brani di sostanza. Tanta classe, suoni perfettini, una matematica precisione che fa si che tutta la seconda parte del disco sia composta da brani che durano esattamente 3 minuti e dieci secondi, e dunque tanta noia fortunatamente di breve durata.
(Nicola Gervasini)

www.joshrouse.com

DIEGO GARCIA - Laura

2012-01-07T17:15:00.000+01:00

Diego Garcia
Laura
(Nacional 2011)

Prova la carta del disco solista votato ad un tenue folk(-pop?) Diego Garcia, leader degli Elefant, paladini negli primi anni 2000 di un ritorno alle atmosfere dark dei primi anni 80, e forse per questo piccoli anticipatori del revival del decennio di questi ultimi mesi. Prodotto, arrangiato, ma soprattutto interamente suonato da Jorge Elbrecht, leader dei Violens, Laura è un disco che cerca i toni autunnali insistendo molto su una sezione archi ottenuta sovra-registrando più parti suonate da Daniel Bensi, unico session-man accreditato nell'album. L'effetto è sicuramente suggestivo, ma basta anche solo ascoltare la sinuosa e melodicaNothing To Hide per capire come questi toni foschi si scontrano un po' con una scrittura (e anche degli impasti vocali) che restano comunque ancorati ad alcuni clichè pop di trent'anni fa. E' probabile che secondo lui Laura sia un ottimo omaggio ai cantautori degli anni 60, magari contando sul fatto che tutti riconosciamo nell'arpeggio di Separate Livesun'eco della Everybody's Talking di Harry Nilsson, o magari ci aspettiamo di scoprire che la title-track possa anche essere stata una vecchia hit di Nancy Sinatra, così come è facile cercare segni di Scott Walker nella tragedia di Stay, ma alla fine il risultato sa più di esercizio di stile, che non va oltre l'aggettivo "curioso".
(Nicola Gervasini)

diegogarcia.posterous.com

THE BEST OF 2011

2011-12-28T16:32:00.008+01:00

Non si tratta di omologazione, solo di livellamento generale. E' una regola matematica: se fate la media tra 5 valori il risultato potrebbe essere molto lontano dalla mediana, più i valori in gioco aumentano, più la media sarà vicina al valore equidistante tra quello più basso e quello più alto. Insomma, per farla breve, escono tanti (troppi) dischi, e chiunque oggi è in grado di produrre qualcosa di decente anche nello sgabuzzino di casa, ergo nella top 50 la distanza tra il primo (Walkabouts) e il cinquantesimo (Tom Waits) non è certo abissale. Per cui largo anche alle simpatie, o meglio all'antipatia verso chi lavora ormai solo di mestiere (Waits, Ry Cooder, Paul Simon,Lucinda Williams, purtroppo ormai anche Joe Henry, Ryan Adams) e sa fornire ancora grandi canzoni ma non più grandi dischi, per cui eccoli presenti (la classe non si perde, il genio sì però), ma nelle zone basse. Menzione d'onore al vero disco dell'anno, LULU di Lou Reed con i Metallica, talmente cannato nel risultato da risultare geniale. Ha uno spessore che nessun'altro disco uscito negli anni 2000 può vantare, tanto da finire ad essere esagerato, prolisso fino alla nausea, con momenti meravigliosi e altri al limite del ridicolo, e non solo per colpa degli improbabili Metallica. Il suo voto è da zero a dieci, a seconda del tempo insomma. Per il resto, it's only rock and roll....

IL PODIO

1) WALKABOUTS Travels in the Dustland

The Dustlands http://www.youtube.com/watch?v=yl00IooVpsk&feature=related

Every River Will Burn http://www.youtube.com/watch?v=PmjHAfIW8XI&feature=related

Soul Thief http://www.youtube.com/watch?v=JUpxRQZlAfA&feature=related

2) ISRAEL NASH GRIPKA Barn Doors and Concrete Floors

Louisiana http://www.israelgripka.com/

(da ascoltare sul suo sito…ovvero come fare un banale pezzo plain e mainstream e uscirne alla grande)

Goodbye Ghost http://www.youtube.com/watch?v=UHxqO-FhbcI&feature=related

3) WILCO The Whole Love

Art Of Almost http://www.youtube.com/watch?v=uz6UrYvacQk

Born Alone http://www.youtube.com/watch?v=wTqEB0MyGdY

IN TOP 10

4) BILL CALLAHAN Apocalypse

America http://www.youtube.com/watch?v=dMQ0CeXYd54

5) OKKERVIL RIVER I Am Very Far

Rider http://www.youtube.com/watch?v=w7rZyaJ9CIw

6) WOODEN WAND Briarwood

Big Mouth USA http://www.youtube.com/watch?v=rrbzuio8VHY

7) SOCIAL DISTORTION Hard times and Nursery Rhymes

California http://www.youtube.com/watch?v=r9xvnIZmSSs

8) BLACK JOE LEWIS & THE HONEYBEARS Scandalous

You Been Lyin (purtroppo solo versione live) http://www.youtube.com/watch?v=7SwO6rpWy7w

9) JONATHAN WILSON Gentle Spirit

Desert Raven http://www.youtube.com/watch?v=V4PiINa5Im8

10) AMOS LEE – Mission Bell

Jesus http://www.youtube.com/watch?v=1sJaf5eViKk

Windows Are Rolled Down http://www.youtube.com/watch?v=F4xY__FoDzY

DISCHI CALDISSIMI

11) WATERBOYS An appointment with Mr. Yeats

Sweet Dancer http://www.youtube.com/watch?v=DYrIksirlLo

12) JOHN HIATT Dirty Jeans & Mudslide Hymns

Don't Wanna Leave You Now Ma manca video per cui seconda scelta per

Adios California http://www.youtube.com/watch?v=xBaTTB0o4oY&feature=related

13) DAWES Nothing is Wrong

Million Dollar Bill http://www.youtube.com/watch?v=Hf3co_Rz2hk

14) IRON & WINE Kiss Each Other Clean

Big Burned Hand http://www.youtube.com/watch?v=3OLrH75BpHU&feature=fvwrel

15) SEAN ROWE Magic

Jonathan http://www.youtube.com/watch?v=XFGWyVhnxR4

16) GRAYSON CAPPS The Lost Cause Ministrels

Lorraine’s Song http://www.youtube.com/watch?v=HDMg9PE_urU&feature=related

17) JESSE SYKES AND THE SWEET HEREAFTER Marble Son

You Own Kind http://www.youtube.com/watch?v=fQr89Rus9Hg&feature=relmfu

18) JOHN DOE Keeper

Don’t Forget How Much I Love You http://www.youtube.com/watch?v=s4CkqPeqvSw

19) ROBERT ELLIS Photographs

Photographs http://www.youtube.com/watch?v=klHlro2t3Wg

20) LAURA MARLING A Creature I Don't Know

Sophia http://www.youtube.com/watch?v=j-TMl5oCRjk

MERITEVOLI (21-50 ordine vago)

21) SARAH MACDOUGALL - The Greatest Ones Alive

Sometimes You Lose, Sometimes You Win http://www.youtube.com/watch?v=-I5QWGul4Kk

22) COWBOY JUNKIES Demons Vol 2

COWBOY JUNKIES The Nomad Series Vol. 3 - Sing In My Meadow

Flirted With You All My Life http://www.youtube.com/watch?v=3Y4V7sJY0M8

Continental Drift http://www.youtube.com/watch?v=jUtUR_4b_5E

23) CASS MCCOMBS – Humor Risk

The Same Thing http://www.youtube.com/watch?v=QUfLXvH4fN4&feature=player_embedded

24) DECEMBERISTS The King Is Dead

Rox In The Box http://www.youtube.com/watch?v=-Waz7PMZHeg

25) BOCEPHUS KING Willie Dixon, God Damn!

Cowboy Neal http://www.youtube.com/watch?v=nkfLk-nWS0E

26) BURLAP TO CASHMERE Burlap to Cashmere

The Other Country http://www.youtube.com/watch?v=xR-CZYDXLmM

27) JASON ISBELL & THE 400 UNIT Here We Rest

Go It Alone http://www.youtube.com/watch?v=x9iYAJ-wVKQ

28) THE BASEBALL PROJECT Volume 2: High and Inside

1976 http://www.youtube.com/watch?v=h4yLOelaW_M

29) DAVE STEWART The Blackbird Diaries

Gipsy Girl And Me http://www.youtube.com/watch?v=_Vfl4zOhWW0

Beast Called Fame http://www.youtube.com/watch?v=8Z3N9VC7aFs

One Way Ticket To The Moon http://www.youtube.com/watch?v=9rDqJv0XiDc

30) RYAN ADAMS Ashes & Fire

Dirty Rain http://www.youtube.com/watch?v=VJC9xOXM0Yk&feature=related

31) ANNA CALVI Anna Calvi

Blackout http://www.youtube.com/watch?v=lo267BTLnZk

32) DAVE ALVIN Eleven Eleven

Murietta’s Head http://www.youtube.com/watch?v=Yl7A6kDZcZs

33) JAYHAWKS Mockingbird Time

Tiny Arrows http://www.youtube.com/watch?v=p_pK3IrYQ6w

34) FEIST Metals

The Bad In Each Other http://www.youtube.com/watch?v=hnj8_aDBJT8&feature=results_main&playnext=1&list=PLB4AD7AC3F8CBE850

35) GARLAND JEFFREYS The King Of In Between

Coney Island Winter http://www.youtube.com/watch?v=d-Ur3wi97tk

36) MARIANNE FAITHFULL Horses and High Wheels

Love Song (by Elton John) http://www.youtube.com/watch?v=tUDFC_cGzZw

37) BLITZEN TRAPPER American Goldwing

Astronaut http://www.youtube.com/watch?v=jLgXtKG3hPE&feature=related

38) THE HORRIBLE CROWES Elsie

Ladykiller http://www.youtube.com/watch?v=fxZS17IE_n8

39) TOM RUSSELL Mesabi

Mesabi http://www.youtube.com/watch?v=7D6EocyCiZM

40) PJ HARVEY Let England Shake

The Last Living Rose http://www.youtube.com/watch?v=zh41ANc_tMc&feature=relmfu

41) ABIGAIL WASHBURN City of Refuge

Chains http://www.youtube.com/watch?v=z36tit5-On8

42) PAUL SIMON So Beautiful Or So What

So Beautiful Or So What http://www.youtube.com/watch?v=6t4luubKRFw&feature=related

43) GILLIAN WELCH The Harrow And The Harvest

The Way It Goes http://www.youtube.com/watch?v=AiS37_EULj8

44) RY COODER Pull Up Some Dust And Sit Down

Lord Tell Me Why http://www.youtube.com/watch?v=idF4ycTPS2U

45) DONALD & JEN MACNEILL w. LOWLANDS – Fathers & Sons

http://www.youtube.com/watch?v=RhEZIOy_G50

46) STEVE EARLE I'll Never Get Out Of This World Alive

Gulf Of Mexico http://www.youtube.com/watch?v=J5GG6FE0Qqs&feature=related

47) JOE HENRY Reverie

Odetta http://www.youtube.com/watch?v=9TMZ6pa76zc

48) JC BROOKE & THE UPTOWN SOUND – Want More

I am trying to break your heart http://www.youtube.com/watch?v=ZK6VILyHVDE

49) LUCINDA WILLIAMS Blessed

Seeing Black http://www.youtube.com/watch?v=xqMWXV5Dkog

50) TOM WAITS Bad As Me

Back In the Crowd http://www.youtube.com/watch?v=ZCbPkr9AEG4&feature=relmfu

Fuori Lista

Singoli da ricordare (video compreso)

KENNY WAYNE SHEPHERD Never Lookin Back

http://www.youtube.com/watch?v=EsSaObejUuo

THE CUBICAL Dirty Shame

http://www.youtube.com/watch?v=6Ik4avmcnzY

RAPHAEL SAADIQ Stone Rollin

http://www.youtube.com/watch?v=wHyalVRUXrA

BLACK KEYS - Lonely Boy

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=a_426RiwST8#t=0s

DISCHI ITALIANI ASCOLTATI E RIASCOLTATI

Impossibile ascoltare tutti, questi sono amici o no che hanno fatto prodotti che guardano i 50 dischi di cui sopra negli occhi...a loro i miei complimenti. I non citati non sono finiti nel mio lettore non per scelta ma per necessità...

CESARE CARUGI Here's To The Road

DAVIDE BUFFOLI Prices

GIULIA MILLANTA Dropping Down

MOJO FILTER – Mrs Love Revolution

VERILY SO – Verily So

RED WINE SERENADERS – D.O.C.

MATT WALDON – Amnesia

“NON MI ENTRANO”: 5 DISCHI CHE SONO PIACIUTI A TUTTI MA - SEPPUR BELLI - MI HANNO LASCIATO FREDDO

GIRLS Father, Son, Holy Ghost

FLEET FOXES Homelessness Blues

BON IVER Bon Iver

MIDDLE BROTHER Middle Brother

KURT VILE Smoke Rings for My Halo

3 DISCHI CHE SONO PIACIUTI SOLO A ME

(fuori concorso per devozione verso l’artista)

LOU REED & METALLICA – Lulu

ROBBIE ROBERTSON How To Become Clairvoyant

BRUCE COCKBURN Small Source of Comfort

3 GRANDI DELUSIONI

DRIVE BY TRUCKERS Go Go Boots

LOW ANTHEM Smart Flesh

FELICE BROTHERS Celebration, Florida

PREMIO SPECIALE DELLA GIURIA “CAGATA DELL’ANNO”

1) SUPERHEAVY SuperHeavy

2) RYAN ADAMS - III/IV

3) BEN HARPER - Give Till It's Gone

4) MATTHEW RYAN - I Recall Standing As Though Nothing Could Fall

PREMIO SPECIALE “AVREI VOLUTO ESSERCI” - LIVE ALBUM DEL 2011

JJ GREY & MOFRO Brighter Days

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=1zkJtaCqZbU

CONCERTO DELL'ANNO DA RACCONTARE

- John Mellencamp - Vigevano - da raccontare soprattutto a quelli di Udine

JIM BIANCO - Loudomouth

2011-12-26T09:38:00.001+01:00

Jim Bianco
Loudmouth
(Jim Bianco 2011)

Capita che durante un happening estivo di vari musicisti tenutosi a Pusiano, tra nomi più o meno noti, ad un certo punto sia apparso un certo Jim Bianco, un ragazzone che ha catturato l'attenzione di tutti con un breve set acustico, tra pezzi originali e una Kiss di Prince in versione folk. Capita così di scoprire un artista indipendente newyorkese che ha appena pubblicato il suo terzo album, 34 minuti auto-prodotti che dimostrano un autore davvero particolare e una fantasia di soluzioni davvero invidiabile per un indipendente. Loudmouth è un piccolo gioiellino che sarebbe davvero un peccato perdersi, probabilmente il disco che Dirk Hamilton non è più capace di fare (e But I Still Want You è la ballata soul che aspettiamo invano da lui ormai da tanto tempo), semplicemente perché forse non si è degnato di ascoltare Paul Thorn (Home) o Jackie Greene (Talented), per sparare due nomi del decennio scorso che possono essere ritrovati in questi solchi. Quello che però è Jim Bianco al 100% è il vocione baritonale, apparentemente sgraziato, ma ben utilizzato sia nelle slow-song con tocco soul (frequente l'uso dei fiati) come Take You Home, Slaughter o Ok, I Suppose, sia nello splendido scioglilingua di Elevator Operator. Da tenere d'occhio.
(Nicola Gervasini)

www.jimbianco.com

TOM WAITS - Bad As Me

2011-12-22T20:51:00.001+01:00

Tom Waits

Bad As Me

(ANTI)

Ubriacone, simpatica canaglia, irriverente buffone o romantico storyteller: questo è il personaggio Tom Waits che tutti conosciamo e amiamo. E sono anni che lui recita questa parte con convinzione, fin da quando, agli inizi degli anni settanta, era un piccolo folksinger fallito che s’inventò la perfetta reincarnazione musicale dello sregolato moscone da bar alla Bukowski, prima come stiloso jazz-crooner da squallido pub, poi, a partire dagli anni 80, come genialoide creatore di arzigogolati e percussivi arrangiamenti brechtiani. Nel corso degli anni Tom si è calato talmente bene in questi panni da non riuscire più a dismetterli, come quegli attori che restano imprigionati a vita in un ruolo e sono destinati a fallire quando provano a mutare immagine (gli esempi sono tanti, dallo Schwarzenegger attore di commedie alla Meg Ryan versione sex-symbol), finendo per forza di cose a ripetere all’infinito le proprie mosse e sperando di venire a noia il più tardi possibile. Persino il mondo del cinema ha bussato spesso alla sua porta chiedendogli sempre e solo di essere Tom Waits, senza che nessuno abbia mai provato a vestirlo con abiti diversi. E visto che il genio è un dono che si possiede solo per brevi momenti della vita, oggi il nostro eroe appare come una simpatica macchietta impegnata in reiterate repliche di sé stesso più che la punta di diamante dell’avanguardia rock. Non è necessariamente un male, visto che Bad As Me (ANTI), il suo nuovo album, è probabilmente il suo titolo migliore da dieci anni a questa parte, e critica e fans gli hanno subito tributato l’immancabile scroscio di applausi. A voler essere pignoli, però, la sensazione che si prova ascoltandolo è quella di un performer che si sente costretto a dover rifare queste canzoni solo perché nessuno accetterebbe da lui qualcosa di diverso. Sarà per questo che il menu è davvero il solito, un affascinante mix di ballate romantiche e blues distorti, frullati attraverso il suo vocione rauco e la solita accolita di amici di bevute (Keith Richards, Marc Ribot, Charlie Musselwhite, David Hidalgo) che vengono a trovarlo per rifare le stesse battute di vent’anni fa. Che fanno ancora ridere, ma cominciano ad avere un pericoloso retrogusto da ritirata senile.
Nicola Gervasini

DEX ROMWEBER DUO - IS THAT YOU IN THE BLUE?

2011-12-18T14:11:00.001+01:00

DEX ROMWEBER DUO
IS THAT YOU IN THE BLUE?
(Bloodshot, 2011)
***1/2

Potrebbe essere scambiato per uno dei nuovi artisti dediti all’antiquariato sonoro a cui siamo ormai abituati in questi ultimi anni (Pete Molinari, per dirne uno), ma a dispetto di un nome davvero poco conosciuto, Dexter Romweber strapazza accordi rockabilly fin dai primi anni 80 (con i Flat Duo Jets), figlio dunque del primo grande rivoluzionario rock and roll revival che generò nomi ben più noti come Stray Cats e Blasters. Da qualche anno Dexter ha ritrovato la possibilità di rilanciare la propria carriera grazie ad un contratto con la Bloodshot ed un nuovo sodalizio artistico con la sorella Sara, che nel frattempo aveva perso la pelle delle mani suonando i tamburi per i Let’s Active tra gli altri. Si potrebbe definirli una versione vintage dei White Stripes, vista la formazione a duo chitarra-batteria (e dietro al progetto c’è comunque lo zampino di Jack White), progenitori rigenerati dal revival per la musica anni cinquanta innescato dalle colonne sonore dei film di Quentin Tarantino (lo strumentale Gudjeff Girl sarebbe ideale per un sequel di Pulp Fiction), anche se Derek e Sara non sembrano tanto votati alla nostalgia, quanto ad una semplice constatazione: ok, le vie del rock saranno anche finite ormai, allora perché non ripartire per un nuovo giro visto che il primo ci è tanto piaciuto? Is That You In The Blue? è tutto qui quindi, serve a rispondere alla domanda “cosa produrrebbe un gruppo creativamente attivo se fossimo ancora negli anni 60?”. Rockabilly tribali come Jungle Drums forse, ballate malate alla Beasts Of Bourbon come Nowhere, pop-songs da passare a Nancy Sinatra alla prima occasione (The Death Of Me), beat inglese da Swingin’ London (I Wish You Would), ma potremmo tirare in ballo mille altri riferimenti (Homicide ad esempio sembra uno degli scherzi roots del duo Mojo Nixon-Skid Roper). Trovateci pure anche il Nick Cave quando gioca a fare il crooner (la title-track), le schitarrate di Duane Eddy o Link Wray (Climb Down), perfino la rauca irriverenza di Jon Spencer, il surf di Dick Dale e via discorrendo. Ciliegina sulla torta qualche divertissement percussivo con una versione da cantina del mega-classico Brazil di Ary Barroso, trasformato in una samba per ubriachi che Rio De Janeiro l’hanno vista solo in cartolina. Tutto già fatto, già detto, già sentito, già scritto. Allora perchè mai questo disco suona così moderno?
Nicola Gervasini

LEE MELLOR - Lose

2011-12-14T22:41:00.000+01:00

inserito 02/12/2011

Lee Mellor
Lose
[Lee Mellor 2011]

Ci era piaciuto Ghost Town Heart, il disco d'esordio di Lee Mellor uscito sul finire del 2007. Non uno di quei dischi che segnano una stagione, ma pur sempre un convincente saggio indipendente di buon songwriting e produzione di classicissimo cantautorato country-roots. Penna felice con le parole, ma senza particolare genio nella costruzione delle canzoni, Mellor si rifà finalmente vivo con questo Lose, album che conferma pregi ma soprattutto difetti del predecessore, in più con lo svantaggio di non poter avere il bonus "new kid in town" che garantisce più accondiscendenza nei voti verso gli esordi ben riusciti. Il video di Suzy Blue Eyes confonde non poco le idee sul reale contenuto del disco, visto che il nostro si presenta con un look che fa tanto Jeff Bridges in Crazy Heart (ma con molti anni e molte bottiglie in meno del protagonista del noto film di Scott Cooper ) e con un singolo che segue gli schemi della Nashville-country song senza uscire neanche per un attimo dal seminato.

Peccato, perché senza troppo sconvolgere gli steccati tra gli stili, Mellor anche in questo caso osa molto di più di questa semplice canzonetta country ligia e quadrata, come ad esempio lo splendido reggae-folk di Nevada The Cruel o la toccante novella di A Favorite Whore ("una storia di infatuazioni non reciproche senza speranza" la definisce lo stesso Mellor). E sta proprio in questa contraddizione il vero limite di Lose, quello di mostrare un autore dottissimo per senso letterario nel raccontare storie, che troppo spesso scade nello scolastico in fase di realizzazione e arrangiamenti, sia quando transita nel puro blue-collar da pub del venerdì sera (Texas Anarchist Radio), sia quando affronta una ballata di frontiera come Firebird che tanto ricorda molti simili episodi di Joe Ely.

Un numero che gli riesce bene al secondo tentativo con l'epica Refugees, duetto da brividi con la profonda voce diTrish Robb, così come piace il bluegrass ardito di Something's Gonna Change, ma troppo spesso il nostro piccolo amico canadese si accontenta di un tipico ritmo da scazzottata da taverna country (The Cyclone) o di una filastrocca basata su due accordi di mandolino (la comunque suggestiva Lose) che riesce solo ad evidenziare quanto le sue limitate doti vocali rappresentino un freno non indifferente nel momento in cui il brano tenta di crescere. Si finisce bene con il mezzo gospel di This Faithless Prayer, ma nel complesso quattro anni per assemblare brani che lui stesso ammette di aver scritto in gran parte molti anni fa nel corso della sua tormentata adolescenza paiono troppi per un risultato che stavolta lascia il segno solo in pochi episodi. Né promosso né bocciato dunque, solo rimandato al terzo disco per nuove conferme.
(Nicola Gervasini)

www.leemellor.com
www.cdbaby.com/cd/leemellor2

WALKABOUTS - Travels In The Dustland

2011-12-07T22:23:00.000+01:00

inserito 01/11/2011

The Walkabouts
Travels in the Dustland
[Glitterhouse 2011]

Starsene in Europa per sei anni si è rivelato molto utile per Chris Eckman, se non altro per dare vita ad una serie infinita di progetti e produzioni più o meno riuscite come i sorprendenti Dirtmusic o i più difficili L/O/N/G, senza dimenticare vari dischi a proprio nome (l'album The Last Side Of The Mountain del 2008 meriterebbe forse maggiore considerazione) e produzioni per Terry Lee Hale e Steve Wynn tra gli altri. Ma l'esilio nella lontana Slovenia è stato anche l'occasione di riappacificarsi con la madre patria e la sua storia politica, dopo che l'ultimo capitolo dei suoi amati Walkabouts (Acetyline del 2005) aveva lasciato tutti stupefatti per la cieca rabbia sfoderata nei confronti dell'amministrazione Bush Jr. e dell'american way of life. Pausa salutare dunque quella della band di Seattle, se è vero che il ritorno in studio con la fedele compagna Carla Torgerson ha dato vita a questoTravels in the Dustland, un album che recupera il sound roots-sinfonico di loro classici come Devil's Road o Nighttown, aggiornato con il nuovo gusto di orchestrare le canzoni che Chris ha imparato frequentando il mondo della musica classica d'avanguardia viennese.

Eckman stesso ci spiega che le terre polverose del titolo sono solo un non-luogo della mente, ispirato da quel Sahara che ha generato la musica dei Dirtmusic, ma in verità perso da qualche parte negli Stati Uniti, laddove i sogni disillusi e le speranze ormai tradite ritrovano la loro forza selvaggia e primordiale. Ha scoperto dunque che l'America non è il mondo, che esiste anche altro, e che quell'altrove è una terra che esiste solo dentro ognuno di noi e serve per non perdere la propria originale ragione d'essere nelle mille sconfitte che la società odierna ci infiligge. Travels in the Dustland è un quasi concept-album che racconta di questi viaggi immaginari nelle proprie aspirazioni, ed è un piccolo miracolo, dove le ardite costruzioni sonore di Eckman sono ben sostenute da una serie di straordinarie canzoni (l'accoppiata The Dustlands/Soul Thief basta da sola a giustificare il voto al disco), costruite attorno alla solita alternanza al microfono tra i due padroni di casa (ad Eckman sono affidate solitamente i brani più elettrici, mentre la voce profonda di Carla dona vita a momenti pregni di pathos come My Diviner, They Are Not Like Us o Thin of the Air).

I Walkabouts suonano compatti come una vera band, grazie anche ai non indifferenti apporti degli altri comprimari (Paul Austin alle chitarre, Glenn Slater alle tante tastiere e la sezione ritmica affidata a Michael Wells e Terri Moeller), anche se la differenza ormai la fa l'estrema intelligenza produttiva di Chris, uno che se potesse usufruire di mezzi e budget adeguati, potrebbe davvero essere considerato uno dei più grandi pensatori di musica del nostro tempo. E che stavolta ha davvero prodotto la summa di tutto il suo pensiero, un disco bellissimo sia che viva di un sound sporco ed elettrico (No Rhyme, No Reason) o di grandi crescendo orchestrali da melodramma (Wild Sky Revelry, forse lo zenith dell'album). Bentornati davvero.
(Nicola Gervasini)

www.glitterhouse.com
www.thewalkabouts.com

JJ GREY & MOFRO - Brighter Days

2011-11-30T14:07:00.005+01:00

JJ Grey & Mofro
Brighter Days
[Alligator 2011]

Sicuramente non troverete mai una lista di qualche rivista o webzine musicale che annoveri un album dei JJ Grey & Mofro tra i top records degli anni 2000. Troppo derivativi, troppo legati ad una concezione vecchia di fare musica (da "classic rock" direbbe un ventenne oggi), troppo lontani dall'atteggiamento artistoide della indie-music che ha fatto da padrone nel decennio scorso, troppo improponibili come hit-makers. Eppure per chi come noi mai rimarrà freddo davanti al loro elettrizzante mix di southern music e influenze black, non sarà mai un mistero il perché album come Country Ghetto o Orange Blossoms saranno comunque tra quelli che ci porteremo in valigia fino alla morte, tra i tanti che invece lasceremo nel cassetto con il passare del tempo. Non c'è motivazione teorica che tenga, è difficile per tutti giustificare quale motivazione critica fa sì che le canzoni di questa scalcagnata compagine di Jacksonville siano irresistibili e non potranno mai stancarci, ma stavolta ci sono venuti in aiuto loro, pubblicando il primo live-album ufficiale (venendo dal mondo delle jam-bands, potete immaginare che a livello di fans ne circolassero già tantissimi) e svelando così dove sta il trucco.

Brighter Days, titolo che omaggia il brano migliore del loro ormai lontano disco d'esordio (Blackwater del 2001), è una testimonianza live (disponibile anche in DVD, un film realizzato dal regista di MTV Brendan Spookie Daly, con tre brani in più rispetto al cd) registrata a gennaio scorso presso l'Atlanta's Variety Playhouse, ed evidenzia come al di là di qualsiasi speculazione intellettuale sulla loro proposta, JJ Grey e soci abbiano davvero una marcia in più grazie a canzoni solide e soprattutto un pathos non comune. Chi ancora non li conosce potrebbe tranquillamente partire da qui, vuoi perché i brani più classici della loro produzione ci sono tutti e quindi il titolo assolve anche alla funzione di "The Best" della band (proprio come i migliori live degli anni Settanta), vuoi perché le due anime dei Mofro sono equamente rappresentate.

Spazio dunque ai riff sudisti (Orange Blossoms, War, Country Ghetto, una Ho Cake che trasuda John Fogerty da tutti i pori) e ai ritmi funky che tanto ricordano la musica dei Wet Willie (Air, On Fire, The Sweetest Thing). I fans più accaniti ci saprebbero dire se davvero queste versioni sono degne delle loro più storiche perfomances, di certo mancano forse di quella pulizia e precisione che rende i loro dischi in studio dei prodotti anche ottimamente confezionati, ma non difettano dell'energia necessaria per animare una festa. Dove il set però raggiunge vette da grandi nomi è nelle lunghe e trascinate soul-ballads (The Sun Is Shining, Lochloosa, A Woman), che hanno spesso minutaggi dilatati per l'abitudine di JJ Grey a lanciarsi in lunghi racconti, ma che davvero si vorrebbe non finissero mai.

Brighter Days è un semplice inno alla musica che più amiamo, che passa dalle radici di tutta l'America nera e bianca, e ci ricorda perché non esiste sirena della modernità che possa farci dimenticare quanto questa forma d'arte ormai antica sappia esprimere le emozioni in maniera semplice e immediata più di molte altre. Partecipate anche voi al soul-party, non ve ne pentirete
(Nicola Gervasini)

www.jjgrey.com

La scaletta
Disc 1 - Live show
1. Country Ghetto // 2. A Woman // 3. Brighter Days // 4. Air // 5. War // 6. Lochloosa // 7. Dirtfloorcracker // 8. Orange Blossoms // 9. Ho Cake // 10. The Sweetest Thing // 11. The Sun is Shining Down // 12. On Fire

Disc 2 - DVD
1. The Church (Documentary) // 2. War (Video) // 3. This Place (Documentary) // 4. Country Ghetto (Video) // 5. A Woman (Video) // 6. In The Studio (Documentary) // 7. Brighter Days (Video) // 8. Hide & Seek (Video) // 9. What's The Sound (Documentary) // 10. Ho Cake (Video) // 11. Playin' With Folks (Documentary) // 12. Air (Video) // 13. A Christmas Story (Documentary) // 14. Dirtfloorcracker (Video) // 15. Sexually Charged (Documentary) // 16. Slow, Hot & Sweaty (Video) // 17. King Hummingbird (Video) // 18. Runnin' From The Law (Documentary) // 19. Orange Blossoms (Video) // 20. On Fire (Video) // 21. At The Creek (Documentary) // 22. Lochloosa (Video) // 23. The Shining Down Story (Documentary) // 24. The Sun Is Shining Down (Video) // 25. The Sweetest Thing (Video) // 26. Reflectin' (Documentary) // 27. End Credits

VERILY SO

2011-11-15T22:42:00.000+01:00

Esordio molto interessante quello dei toscani Verily So, trio del tutto atipico che ruota attorno alla voce di Marialaura Specchia, chitarrista, all'occorrenza batterista alla Moe Tucker e cantante dotata di una voce traditrice, di quelle che in un primo momento appaiono soavi quanto una Hope Sandoval spiritata, ma che acquisiscono spesso i toni spigolosi di una certa Pj Harvey. La seguono Simone Stefanini e Luca Dalpiaz, chitarra e basso e all'occorrenza voce. Il trio attinge a piene mani in un dark-folk che passa dalle parti di Mark Lanegan (Ballad, cantata a due voci, sembra proprio uno dei suoi brani in compagnia di Isobel Campbell) a echi di Mazzy Star (la bella e suggestiva apertura di Wax Mask). Innamorati delle elettriche un po' acide da Paisley Underground anni 80, unite a molto del folk indipendente di quet'ultimo decennio, i tre offrono dieci brani già molto maturi e convincenti, soprattutto nelle costruzioni armoniche (ascoltate il crescendo di Guns On Fire o il bel finale acustico di 15 Years). Tra i loro grandi pregi anche quello di non indugiare troppo con tempi lunghi, permettendo anche a brani dall'incedere lento e ipnotico come When I End And You Start di non perdersi troppo prima dell'esplosione finale, e di saper tenere i ritmi giusti di un rock che a volte appare persino legato alla new wave di fine anni 70 (Will You Marry Me). Manca ancora una produzione che riesca a far sembrare tutti i diversi elementi in campo leggermente meno slegati, ma sul suono e sulla sostanza di questo disco ci si può già scommettere. ( 7)
(Nicola Gervasini)

MEKONS - Ancient & Modern 1911-2011

2011-11-10T22:07:00.000+01:00

inserito 21/10/2011

Mekons
Ancient & Modern 1911-2011
[Bloodshot 2011]

Mi fa una certa sensazione leggere che i Mekons esistono fin dal 1977, perché in qualche modo sono una di quelle band che ormai da tanti anni seguo nella segreta speranza di avere da loro il disco che possa finalmente consacrarli nella storia del rock, come ormai meritano. Errore mio, lo so, perché Jon Langford, che poi è la mente che da 34 anni anima la sigla, non è certo uomo che pensa l'arte in termini di opera storica, quanto di libera espressione delle proprie tante e spesso volutamente confuse idee, per cui prendere o lasciare, o lo si ama nella sua perpetrata e genialoide imperfezione, o lo si abbandona del tutto. L'epopea della band, tra mille cambi di rotta e sostituzioni di formazione, non si è mai veramente interrotta, nonostante si faccia fatica a enumerare i tradimenti del suo timoniere (sette album con i Waco Brothers, probabilmente la sigla con cui Langford ha espresso il meglio della sua arte, ma anche altre oscuri progetti come Pine Valley Cosmonauts o Wee Hairy Beasties, oltre a quelli solisti), e basta solo leggere una delle dichiarazioni che accompagna l'uscita di questo Ancient and Modern per capire la sua frustrazione per una sigla poco conosciuta ("a parte morire, per avere la giusta attenzione dovremmo forse separarci per dieci anni e poi fare una vera reunion, siamo ancora in tempo per farlo").

L'album è il logico seguito del precedente Natural del 2007, titolo che aveva anche rilanciato in qualche modo le loro quotazioni: si torna al mix di folk e rock che è il marchio di fabbrica della ditta perlomeno dalla fine degli anni ottanta, con largo uso di violini e fisarmoniche, e una certa nuova vena listener-friendly, con brani che accantonano leggermente le spigolature del loro folk sbilenco, in favore di ariose ballate che potremmo anche arditamente definire "orecchiabili" (Space In Your Face o la stessa Ancient & Modern). I fans accaniti comunque non si spaventino, quando vuole Jon dilania l'etere con la sua voce sgraziata e sofferente, regalando le solite screziate emozioni (Afar & Frolorne soprattutto la stonatissima piano-song I Fall Asleep), ma la presenza della voce di Sally Timms, alla quale spesso è affidato il microfono (nella quasi bluegrass Geeshie o nella dark-ballad Ugly Bethesda ad esempio), porta un insolito velo di gentilezza al tutto, così come la terza voce offerta da Tom Greenhalgh.

A conferma di un sensibile ammorbidimento arrivano anche i testi del disco, dove la solita feroce analisi della cultura occidentale (il sottotitolo 1911-2011 prova anche a inquadrare il secolo d'interesse) trova però una nuova dimensione proprio nel testo di Space in Your Face, che lo stesso Langford definisce come il loro modo di trovare un pacifico compromesso con i tempi moderni. Come dire che la rabbia dei loro esordi proto-roots-punk non è persa, ma forse ora è arrivato anche il momento di ragionare con più calma. E forse per la prima volta un loro disco può essere definito "maturo" senza troppa paura di offenderli.
(Nicola Gervasini)

www.bloodshotrecords.com

RYAN DRIVER

2011-11-05T16:13:00.000+01:00

Ryan Driver
Who's Breathing?
(Fire records 2011)

Viene da Toronto Ryan Driver, recente scoperta dell'etichetta indipendente Fire Records (la stessa dei Giant Sand), che lo aveva fatto esordire prima con la band dei Silt, e poi con il suo primo sforzo solista (Feeler Of Pure Joy del 2009). Lui è solo l'ultimo prodotto di una nuova scena canadese che non rinuncia ai legami con il folk-rock tradizionale di matrice roots, non rimane sorda ad un certo atteggiamento indie, e fa di morigeratezza ed essenzialità un credo musicalmente figlio di questi anni 2000. Who's Breathing? pare dunque il titolo giusto per la sua seconda opera, dove l'atmosfera, il sussurrato e il sottointeso imperano fin dall'iniziale Dead End Street, che ammanta tutto con una steel guitar piangente. Dopo una partenza convincente però, il disco si arena sempre più su atmosfere levigate e jazzy, che finiscono nel finale per deragliare in un déjà vù stilistico quando Driver la butta troppo sul sentimentale. Sarà per indecisione o poca personalità, in ogni caso Who's Breathing sembra più un'occasione persa per un autore che ha solo bisogno di scuotersi un po' di polvere da piano-bar di dosso.
(Nicola Gervasini)

www.firerecords.com

MICHAEL CHAPMAN - Fully Qualified Survivor

2011-10-31T10:36:00.003+01:00

Michael Chapman
Fully Qualified Survivor
[Light In The Attic 2011]

Nel 1970 la diatriba tra tradizionalisti e modernizzatori era ancora accesissima nel mondo del folk britannico (andate a rileggervi dei litigi tra Nick Drake - conservatore - e John Martyn - rivoluzionario - descritti nel libretto del cofanetto Fruit Tree dedicato al primo). In molti erano pronti ad accettare che un grande chitarrista come Richard Thompson rigenerasse le antiche gighe britanniche in chiave elettrica, o che venissero rivisitati i songbook di autori americani come Dylan o Joni Mitchell, ma la scena conservava ancora una chiusura rispetto al mondo del nuovo rock inglese, visto come rozzo e commerciale. Il 1970 fu dunque un anno che fece da spartiacque nel cambiamento di rotta, e se nel 1969 un Al Stewart ancora lontano dai fasti dell'anno del gatto guadagnò solo parecchi insulti affidando ad un Jimmy Page fresco di esordio con i Led Zeppelin le parti di chitarra del suo album Love Chronicles (titolo da rivalutare), già nel 1971 Roy Harper, con la stessa identica mossa per il suo capolavoro Stormcock, sdoganò l'idea che il folk potesse imbastardirsi non solo con le sonorità del rock, ma anche con i suoi stessi eroi. Fully Qualified Survivor di Michael Chapman si pone esattamente in mezzo. Il disco era nato per la Harvest, etichetta che spingeva volentieri i propri protetti a sperimentazioni e fratellanze spesso ardite con altri generi, e che puntò molto su questo album dopo i buoni riscontri dell'ottimo Rainmaker del 1969.

E così, accanto alle evoluzioni acustiche del titolare, il disco presentava una produzione decisamente radiofonica affidata a Gus Dudgeon e alle orchestrazioni di Paul Buckmaster, vale a dire le due menti che avevano appena creato il suono del secondo vendutissimo album di Elton John. Ma l'elemento di rottura era la chitarra di Mick Ronson, che ancora non era una superstar, e che registrò le sue parti proprio mentre lavorava anche a The Man Who Sold The World di David Bowie, il disco che lo lancerà definitivamente. E basta ascoltare Postcards Of Scarborough, brano che ottenne anche un certo successo (l'album rimane il suo unico ad essere entrato nelle classifiche di vendita inglesi), dove ad un incipit acustico in stile classico, segue una splendida canzone di gusto decisamente rock, in cui l'elettrica di Ronson e le orchestrazioni di Buckmaster creano un atmosfera sinistra e splendidamente profonda. Nonostante sia rimasto un cult tra gli appassionati, il disco non è diventato uno di quei classici che tutti consigliano al primo colpo, perché al pari di altri colleghi votati alla sperimentazione (lo stesso Roy Harper o Shawn Phillips), Chapman non sfruttò il breve successo, sia per la sua mancanza di physique du role da rockstar, sia perché il suo stile e la sua voce un po' sgraziata restavano difficili da vendere a grandi lotti.

E' significativo che l'album sia stato ristampato in cd negli Stati Uniti solo lo scorso febbraio dalla Light In The Attic (in Inghilterra ne era uscita già una buona edizione nel 1997 da parte della Repertoire), edizione degna e consigliata per scoprire le due facce del folk britannico, capaci di riff indiavolati (Soulful Lady) o ballate soffici come Rabbit Hills che sarebbe davvero un sacrilegio dimenticare. Riscopritelo, anche perché poi l'ultima parola su come portare il folk inglese alla modernità la dirà poi John Martyn, ma le prime frasi sono tutte qui.
(Nicola Gervasini)

www.michaelchapman.co.uk
www.tompkinssquare.com
www.lightintheattic.net

TOM MORELLO THE NIGHTWATCHMAN - World Wide Rebel Songs

2011-10-25T20:15:00.000+02:00

inserito 03/10/2011

Tom Morello 'The Nightwatchman'
World Wide Rebel Songs
[New West 2011]

I Rage Against The Machine esistono ancora, anche se dalla reunion del 2007 non hanno prodotto nuovi dischi e vivono facendo tour "elettorali". L'esperienza con gli Audioslave è ufficialmente terminata nello stesso anno, con anche qualche delusione per i risultati ottenuti da quello che era uno dei più promettenti supergruppi dell'era post-grunge. Ma lui, Tom Morello, sempre dallo stesso anno non vive solo di proclami e revival, ma si alimenta attraverso il suo alter-ego, The Nightwatchman, il guardiano notturno che vigila sui mali dell'America attraverso canzoni e mille iniziative dove non esiste più un vero confine tra musica e politica. Più che la chitarra, negli ultimi anni Morello ha sventagliato la sua laurea ad Harvard in Scienze Politiche, finché una sera Bruce Springsteen lo ha chiamato sul palco per una versione elettrica di The Ghost Of Tom Joad e lui si è convinto che la chitarra acustica ucciderà anche i fascisti quando partorisce folk di razza, ma il suo DNA resta legato ad un amplificatore.

World Wide Rebel Songs nasce dunque come ulteriore evoluzione del progetto Nightwatchman, dopo che il secondo album The Fabled City aveva fatto solo una gran confusione in tal senso, e trova finalmente un buon equilibro tra toni da vero folker (The Dogs of Tijuana) e voglia di tornare a scatenare anche qualche roccioso riff contro i padroni del mondo (It Begins Tonight). Altra saggia mossa quella di non ricorrere più alla ingombrante produzione di Brendan O'Brien, ma fare tutto da solo, alla ricerca di un sound il più possibile vicino a quello di un concerto. Il risultato è schiavo dell'ondivagare della sua ispirazione, ma nel complesso regge, soprattutto quando il buon Tom azzecca fin da subito un brano come Black Spartacus Heart Attack Machine, primo singolo dedicato alla sua nuova chitarra con corde di nylon, o quando limita le inutili comparsate di tanti ospiti al solo opportuno intervento di Ben Harper nella worksong Save The Hammer For The Man.

Insomma, l'eroe non è più solo (in copertina si guadagna anche una compagna di lotta), ma ben accompagnato da una band battezzata Freedom Fighter Orchestra, e continua una guerra che non è stata certo l'elezione di Obama a rendere superflua. Il disco conferma che il chitarrista si trova ormai pienamente a suo agio quando si seguono strutture classiche (Speak and Make Lightning, The Whirlwind), mentre magari mancano ancora le spalle larghe da grande autore quando prova vie improbabili come la tribale Facing Mount Kenya o quando scivola un po' nell'inno populista Stray Bullets. Tanto chiasso però finisce comunque con un numero per solo voce e chitarra (God Help Us All) che sa più di Kris Kristofferson che dei Clash, il che evidenzia solo come il sol dell'avvenire di questa nuova rivoluzione stilistica è ancora lontano.
(Nicola Gervasini)

www.thegourds.com

Donald & Jen MacNeill with Lowlands

2011-10-21T08:58:00.000+02:00

inserito 13/10/2011

Donald & Jen MacNeill with Lowlands
Fathers And Sons
[Route 61 2011]

Vive una storia tutta particolare nel backstage di questo album, un racconto che vede il giovane Edward Abbiati, leader dei pavesi Lowlands, passare un periodo negli anni 90 su una sperduta isola della Scozia, dove scopre che Donald MacNeill, l'uomo che lo ospitava, si dilettava a scrivere e a suonare canzoni folk per la gente del posto. C'è un epilogo felice quindi, che vede i due ritrovarsi dopo quasi vent'anni per dare vita ad un songbook fatto di tutte le storie di quelle isole dimenticate dal tempo e dagli uomini. Sapevate, ad esempio, che nel 1940 una nave piena di emigranti italiani venne fatta affondare davanti all'isola di Colonsay, sulle cui spiagge oggi ancora si possono trovare lapidi in loro onore? Colonsay come Lampedusa insomma, con situazioni storiche ovviamente ben diverse, ma un unico senso, quello di scoprire come spesso mondi lontani vengano sempre, prima o poi, volenti o nolenti, uniti da un filo indissolubile. E' questo il tema centrale di Fathers And Sons, sia la canzone che narra questi avvenimenti, sia l'album che vede Abbiati e il chitarrista Roberto Diana produrre un disco davvero sorprendente (registrato negli studi "Little Pink" di Pavia), alla scoperta di un vecchio cantautore che non ha una grande carriera da raccontare, ma molte buone canzoni da cantare, brani che seguono le coordinate del più classico brit-folk, influenze americane comprese.

Non è un caso che l'unica cover del disco sia The Morning Lies Heavy di Allan Taylor, uno degli autori che meglio ha incarnato il rifiuto di abbandonare le melodie tradizionali, non negando mai comunque il debito di riconoscenza verso la scena folk americana di Dylan e Tom Paxton. Il vecchio MacNeill viene aiutato dalla figlia Jen, voce e flauto, che da sempre segue il padre nella costante attività dal vivo anche con il violino, in questa occasione lasciato in dote a Chiara Giacobbe, vera mattatrice del sound del disco. Il risultato è un disco di taglio decisamente classico, che forse apprezzerete solo se siete già sintonizzati su queste coordinate, ma Fathers and Sons conferma che quella del brit-folk non è una lingua morta, ma una tradizione ancora in grado di generare nuove grandi storie come queste.

E sarebbe bello raccontarvele nel dettaglio, come il lontano ricordo del primo giorno di scuola (The School Room), il senso di appartenenza ad una terra che fa sì che la fuga sognata da tutti i giovani del posto si trasformi presto in una dolorosa lontananza (Fair Tides), o la capacità di rendere epica anche la descrizione di una vita umile e fatta di semplici sentimenti (Wear Something Simple). I Lowlands stanno attenti a non invadere troppo il campo, non portano in dote il loro rock ma una sensibilità folk che rende anche gli strumentali (Farewell To Govan e la quasi bluegrassBouncing Babies) non dei semplici riempitivi, mentre i due scozzesi tradiscono a volte la poca dimestichezza con gli studi di registrazione, ma basta anche solo la splendida interpretazione di What'll We Do per capire che sanno davvero come toccare le corde giuste.
(Nicola Gervasini)

Tour italiano - Ottobre 2011: 18 - Pavia, Spaziomusica// 19 - Roma, Lord Lichfield Pub // 21 - Cantù, All'una e 35 circa // 22 - Bergamo, L'Ottagono

www.route61music.com

WATERBOYS - An Appointment With Mr Yeats

2011-10-18T09:04:00.000+02:00

inserito 26/09/2011

The Waterboys
An Appointment With Mr Yeats
[Proper 2011]

Il peso di William Butler Yeats sulla cultura irlandese (o anglosassone in generale) è forse pari a quello del Manzoni sul romanzo italiano. Poeta del misticismo, del recupero delle tradizioni e dell'armonia uomo-natura, le sue poesie si sono sempre prestate ad essere ispirazione e riferimento di molti artisti rock nord-britannici (Van Morrison su tutti, ma brani a lui dedicati appaiono anche nei repertori dei Cranberries, Loreena McKennitt e tanti altri). I Waterboys lo avevano già tradotto in musica con The Stolen Child su Fisherman's blues, e da allora Mike Scott ha cominciato a lavorare su un progetto ambizioso, un intero disco di brani derivati dai testi del sommo poeta di Dublino. Una traccia del suo lavoro era già finita nel disgraziato Dream Harder del 1993 (Love And Death), ma solo oggi possiamo finalmente ascoltare il frutto di vent'anni di paziente studio della metrica yeatsiana, un progetto che i Waterboys stanno portando in tour già da un anno. Registrato con formazione alquanto allargata (vanno notati i felici innesti della voce di Katie Kim e della tuttofare Kate St John), An Appointment With Mr Yeats è un disco che recupera il suono più classico dei Waterboys, a sorpresa non tanto quello tradizionale di Fisherman's Blues, quanto quello più pop e anni 80 di This Is The Sea (Politics o i brillanti sette minuti di September 1913 sono l'esempio più lampante), con grande sfoggio di tastiere a duellare con i vari strumenti tradizionali (flauti, violini, oboe, corni).

Basta ascoltare la paradisiaca Song Of The Wandering Aengus per rendersi conto di come Scott abbia finalmente trovato la giusta quadratura al suono Waterboys, evitando gli scivoloni di strani ed improbabili sound radiofonici alla A Rock In The Weary Land (2000), ma nemmeno cadendo nella ripetizione di sè stesso del precedente Book Of Lightning. La difficoltà di seguire fedelmente la ritmica di poesie altrui rende inevitabilmente alcuni episodi fin troppo funzionali solo al progetto (The Hosting Of The Shee, Before The World Was Made o la teatrale News For The Delphic Oracle), un difetto difficilmente evitabile in queste operazioni (ci è caduta anche la Natalie Merchant recente di Leave Your Sleep, progetto davvero simile nella forma), ma quando Scott trova la giusta sincronia tra melodia e parole, ne escono piccole gemme come Sweet Dancer, A Full Moon In March o White Birds, vale a dire i titoli migliori del loro repertorio dai tempi di Room To Roam.

Limitati all'essenziale gli azzardi stilistici (il blues di The Lake Isle Of Innisfree è davvero insolito per il marchio, ma l'esperimento tutto sommato funziona bene nel contesto), Scott viaggia sul sicuro su terreni che gli sono congegnali, sempre in bilico tra tradizione e modernità (Mad As The Mist And Snow, tra gighe irlandesi e voci filtrate, esalta al massimo questo matrimonio). I tempi d'oro restano forse lontani, ma sentirli così ispirati è sempre un enorme piacere.
(Nicola Gervasini)

www.mikescottwaterboys.com

MARISSA NADLER

2011-10-14T09:35:00.000+02:00

Marissa Nadler
MarissA Nadler
(Box Of Cedar 2011)

Ormai convinta di seguire la carriera di musicista dopo essere stata pittrice e insegnante di pittura a New York, Marissa Nadler capitalizza i tanti consensi ricevuti dai suoi quattro album precedenti, inaugurando una propria etichetta (Box Of Cedar), e intitolando con il suo semplice nome il primo self-made album, a testimonianza di una ripartenza e di una nuova fase artistica. Non potendo più avvalersi di grandi collaborazioni Marissa Nadler riporta tutto ad una essenzialità folk levigata e apparentemente priva di particolari slanci creativi in sede di arrangiamenti, piuttosto contando molto sulla forza delle canzoni. Scelta supportata dal bravo produttore Brian McTear, che limita all'essenziale l'uso dei sintetizzatori (forse soloWedding ne abusa troppo), e lascia che siano le parole e la voce della Nadler a riempire il tutto. Da sempre concentrata a raccontare di amori che non sono mai né tragici né felici, ma solo stanchi e consumati, Marissa dal punto di vista lirico è ormai un'autrice matura. Equamente diviso tra momenti ispirati e periodi di stanca, Marissa Nadler è l'ennesima testimonianza di un'artista che forse non è cresciuta abbastanza per entrare tra le grandi, ma resta un nome da seguire sempre con attenzione.
(Nicola Gervasini)

www.marissanadler.com

RY COODER - Pull Up Some Dust and Sit Down

2011-10-10T23:11:00.001+02:00

inserito 16/09/2011

Ry Cooder
Pull Up Some Dust and Sit Down
[Nonesuch 2011]

Sette: ma dovrebbe essere otto o cinque, dipende tutto da quale parte state, da cosa avete deciso di aspettarvi dalla roots music e dai suoi vecchi eroi per questi anni dieci. Nel caso di Ry Cooder il discorso è semplice: il grande cercatore d'oro della tradizione americana ha messo su casa, si è impiantato con i mille bauli di ricordi raccolti in più di quarant'anni di onorata carriera, e da lì sembra proprio che non abbia più l'intenzione di muoversi. La grande presenza di Ry Cooder in fondo stava tutta nella sua assenza, perchè nei vent'anni circa in cui ha rinunciato a produrre opere a suo nome (se non in coabitazione), lui ha scandagliato tutte le possibili infiltrazioni che potevano aiutare la musica rurale americana a fare nuovi passi avanti. La riscoperta di Cuba (Buena Vista Social Club), dell'Africa (Ali Farka Toure), del soul (Mavis Staple), del blues (Terry Evans) - e potremmo andare avanti per molto - sono tutte state funzionali alla creazione di un suono delle radici che fosse universale e omnicomprensivo. In questa ottica perfino il recente viaggio in Irlanda con i Chieftains (che ha prodotto l'album San Patricio) è sembrato solo una tardiva dimenticanza, un buco rimasto scoperto di una tela che il nostro ha lavorato per anni come una vera Penelope. A partire da Chavez Ravine (2005) però il nostro Ulisse è tornato, e questo Pull Up Some Dust And Sit Down è solo il quarto capitolo di una nuova discografia volta a riassumere e mettere ordine nelle mille idee raccolte nel suo vagare.

Minestra riscaldata o piatto di alta cucina, a voi la scelta, a noi il dovere di rimarcare che la recente carriera di Cooder sta producendo dischi indubbiamente interessanti sia come argomenti che come realizzazione (buoni voti erano piovuti anche per My name is Buddy e I, Flathead), ma che oggettivamente Ry è definitivamente entrato nel club degli artisti immobili, quelli che ripropongono brani come No Banker Left Behind (fotografia della crisi econimica americana e mondiale del dopo "Lehman Brothers") o esercizietti tex-mex come El Corrido di Jesse James (e con Christmas Time This Year siamo quasi alla parodia di se stessi) dimenticandosi che in album come Boomer's Story o Chicken Skin Music questa materia era già stata sviscerata in maniera più che soddisfacente. O semplicemente quelli che ancora sperano di poter candidare John Lee Hooker per le prossime presidenziali (il programma elettorale è chiaramente illustrato in John Lee Hooker For President: one bourboun, one scoth, one beer...).

Di nuovo c'è solo qualche rimando in più al blues-rock metallico di un album come Get Rhythm (un piacere risentire numeri come Lord, Tell Me Why o I Want My Crown), e in genere un migliore dosaggio della miscela rispetto ai due dispersivi predecessori, tra il solito invece tanta classe (ma c'era da dubitarne?), ma anche poca voglia di essere ancora un musicista da prima linea. Non è un sacrilegio, parecchi suoi colleghi hanno fatto questa scelta molti anni prima di lui, però ora anche i dischi di Ry Cooder non riservano più l'eccitazione del primo giorno di scuola, ma al massimo il sapore amarognolo di una reunion tra vecchi compagni di classe.
(Nicola Gervasini)

www.nonesuch.com/artists/ry-cooder

Fairport Convention with Sandy Denny - Ebbets Field 1974

2011-10-06T08:21:00.000+02:00

Fairport Convention with Sandy Denny
Ebbets Field 1974
[ItsAboutMusic.com 2011]

Di raschiare il fondo del barile sembra proprio che i fanatici delle memorabilia rock non siano mai stanchi, ma spesso poi sono gli stessi musicisti che cercano di riproporre il proprio mito riesumando registrazioni che hanno più carattere di documento storico che di imperdibile opera artistica. Ebbets Field 1974 è sicuramente uno di questi casi. Promotore dell'edizione è Jerry Donahue, colui che dal 1972 al 1975 sostituì Richard Thompson alla chitarra solista nei Fairport Convention, prima di darsi ad una carriera da session-man e tour-musician. La storia di questo live è raccontata nelle note da Dean Sciarra, presidente della ItsAboutMusic.com che pubblica il cd. E' lui che ha ritrovato le registrazioni di due concerti tenuti dai Fairport Convention in Colorado il 23 e 24 maggio del 1974, ed è lui che li ha dati a Donahue nella speranza che riuscisse a ripulirli quanto basta per una riedizione ufficiale.

Operazione più o meno riuscita vista la discreta qualità del cd, che esce a nome Fairport Convention with Sandy Denny in quanto lei non era ancora ufficialmente rientrata nel gruppo, nonostante avesse già riallacciato i rapporti pochi mesi prima per un breve tour da cui venne tratto l'album Fairport Convention Live del 1974 (s'intitola A Moveable Feast in alcune edizioni), naturale esito del suo matrimonio con Trevor Lucas. Sono dunque queste le prove generali per la vera e propria reunion in studio che produrrà il deludente Rising For The Moon del 1975. D'altronde la situazione nel 1974 non era rosea per nessuno: persi la Denny e Thompson, i Fairport Convention rimasti (oltre a Donahue, Trevor Lucas, Dave Swabrick, Dave Pegg e Dave Mattacks) avevano dato vita ad una serie di album di poco successo (Nine e Rosie del 1973), mentre la promettente carriera solista di Sandy Denny aveva prodotto due dischi meravigliosi, ma con vendite decisamente al di sotto delle aspettative. La rimpatriata fu insomma un modo per sopravvivere e sfruttare gli ultimi fuochi di successo del brit-folk (gli Steeleye Span al contrario dominavano ancora le classifiche in quegli anni), prima di entrare nella stagione del revival.

La scaletta si alterna equamente tra derivati dei dischi di Sandy Denny (che apre la serata con la bellssima Solo, ai tempi ancora inedita perché pubblicata il mese successivo sull'album Like an Old Fashioned Waltz), e i brani della band. In ogni caso non si può notare che il prodotto rappresenta in un certo senso un doppione del live del 1974, visti i molti brani in comune, come una lunga Sloth, dove Donahue prova coraggiosamente a far dimenticare la clamorosa performance di Richard Thompson nell'originale, lo strumentale Fiddlestix, utile a tributare applausi per la bravura di Swarbrick, la stessa Solo e John The Gun della Denny, la cover dylaniana di turno di Down In The Flood e classici come Dirty Linden. Ovvio che trattandosi di una nuova registrazione di un'artista che morirà da lì a pochi anni, acquista un grande valore, ma è evidente che le lunghe versioni di Who Knows Where The Time Goes e I'll Take a Long Time qui presenti servono solo a spargere qualche lacrima in più, ma non riescono a sostituirsi ad altre presenti sul mercato sia nei dischi originali che nei cofanetti dedicati alla Denny.

Ebbets Field 1974 è dunque un prodotto che non aggiunge nulla se non un bel lavoro di ripulitura di quello che ha tutta l'aria di essere un bootleg già in circolo da tanto tempo. Serve quindi ad alimentare il feticismo degli hard-fans, ma non si pone come titolo di punta per riscoprire una fantastica epopea artistica, che qui è oltretutto catturata in pieno tramonto.
(Nicola Gervasini)

www.itsaboutmusic.com

MATT WALDON & MININGTOWN - Americana da Rovigo

2011-10-04T09:25:00.003+02:00

Matt Waldon è uscito dal gruppo, o perlomeno al momento si è preso una pausa dopo 7 anni on the road. Avevamo da poco segnalato il cd di esordio dei suoiMiningtown (Out Of Love), che ecco che prontamente il leader di questa giovane band di Rovigo prova a tastare il terreno con un progetto a proprio nome.Amnesia è un ep di 5 brani, 3 firmati dallo stesso Waldon, uno (Ghosts) firmato dalla giovane Elisa Clementi (che si prodiga anche nelle backing vocals), e una doverosa cover-omaggio a Ryan Adams con Elizabeth, You Were Born To Play That Part (era su 29), con Matt impegnato con successo in un numero piano-voce. Il piccolo lotto mostra subito decisi miglioramenti in fase di realizzazione in studio, evidenti soprattutto nella splendida versione di Breathe, brano presente anche nell'album dei Miningtown, qui riproposto in versione ancora più calda per suoni e interpretazione, ma sempre con il piano di Stefano Boranga in evidenza. Molto buona anche la stessa Amnesia che apre le danze, mentre qualche pecca esecutiva rende ancora perfettibili Ghosts e l'alt-country di Secret Flower. Da considerarsi come prova generale per un progetto più ampio, ma già i segnali per il futuro sono più che buoni.
(Nicola Gervasini)

www.mattwaldon.com

Non mi risulta che tra le etnie presenti nel sangue di Alejandro Escovedo ci sia anche quella veneta, ma siccome Rovigo è città seria e laboriosa (così dicono…), da quelle parti hanno risolto la questione in maniera molto pratica costruendosi il loro Escovedo locale. Matteo Baldon, in arte Matt Waldon, sembra infatti aver dato vita ai Miningtown partendo dallo stesso mix del buon Alejandro: il sound della frontiera del Texas, lo spirito musicale della provincia americana più sperduta (il "bel mezzo del nulla" citato da Jeff Tweedy, e lo avrebbe detto anche del Polesine probabilmente), e il rude suono di alcune cavalcate decisamente rock. Idealmente il sound del trio (completano la formazione Albert Wallace e Robert Padovan, ma giureremmo che anche loro all'anagrafe non risultino come tali) si pone a metà strada tra i True Believers e gli Uncle Tupelo, anche se i tre nascono in verità come cover band d Ryan Adams (immaginiamo con risultati ben meno remunerativi di una cover band di Vasco Rossi purtroppo…).

Waldon dimostra di aver ben imparato tutte le lezioni dei maestri, offre ballate sapientemente costruite comeBreathe (il piano di Stefano Boranga fa la differenza), l'oscura storia d'amore dark di Dead Soul (Dan Stuart sarà sicuramente fiero di loro per questo numero alla Green On Red) o la più rassicurante Back To You. Oppure quando maneggia bene la materia country-roots con Gone ("..and together walkin on the exile main street" canta Waldon, giusto per togliere ogni dubbio sulla direzione del cd) o Sweet Girl. In alcuni casi la sua voce, un po' secca e tenuta sempre su toni bassi, sembra frenare un po' i brani più lenti (succede in July), tanto che i risultati sono decisamente più incisivi quando i suoni si induriscono ed esce quella vena quasi da garage-rock che rende Sexy N.o.i.l, She's Bad For Me (questa davvero sembra rubata da una sessions dell' Escovedo più punkettaro) o Hello Sunshine dei brani che si annunciano irresistibili alla prova del palco. Disco registrato a Ferrara da Giampietro Viola con i difetti tipici dell'opera prima e qualche piccola carenza nella cura dei suoni, Out of Love è la prima importante pietra di una casa che potrebbe divenire importante se i tre avranno voglia e entusiasmo per migliorare. D'altronde band come i Cheap Wine o i Lowlands ce lo hanno insegnato: l'America è proprio qui dietro l'angolo, anche nella nostra provincia più sperduta. Basta solo cercarla.
(Nicola Gervasini)

www.theminingtown.com

JAYHAWKS - Mockingbird Time

2011-09-30T08:11:00.000+02:00

inserito 12/09/2011

The Jayhawks
Mockingbird Time
[Rounder 2011]

Dieci anni fa avremmo fatto carte false per avere in mano Mockinbird Time, il primo album dei Jayhawks con nuovamente Mark Olson in formazione dal 1995 a oggi, ma sono stati proprio loro a rovinarci il piacere di questa reunion. Prima nel 2003, quando l'altro leader Gary Louris dimostrò a tutti che la sigla poteva anche resistere senza Mark e la pianista Karen Grotberg (anche lei recuperata per questa rimpatriata), pubblicando un vero capolavoro come Rainy Day Music, poi a causa di un deludente e inutile disco a due mani del 2008 (Ready For The Flood) in cui Olson e Louris confermavano solo di non aver più molto da dirsi dopo anni di separazione. L'atteso seguito del pluri-osannato Tomorrow The Green Grass si rivela dunque come una resa per entrambi, costretti a scendere a compromessi di puro marketing, visto che le loro carriere soliste appaiono arenate in termini di riscontri commerciali (ma se le opere di Olson hanno cominciato effettivamente a stancare,Vagabonds di Louris resta un piccolo sottovalutato gioiellino). Per questo, lasciate da parte le rispettive pretese autoriali (l'ossessivo country-folk acustico di Olson e le elaborate orchestrazioni pop di Louris), Mockingbird Time presenta dodici brani creati secondo la logica del "give the people what they want", dove i rimandi ai classici della band vincono sull'esigenza di dare una parvenza di evoluzione del loro sound.

Jingle-jangle byrdsiani (She Walks In So Many Ways), pop-songs rurali (Close To Your Side), qualche leggera accelerazione alla ricerca del suono pienamente country-rock di un tempo (la travolgente High Water Blues) e, nonostante la ruggine e gli anni che passano, parecchie nuove melodie che toccano il cuore e le orecchie in maniera vincente (Tiny Arrows, Hide Your Colors). Sembra difficile trovare un difetto reale a questo album (forse che il secondo lato non mantiene l'ottimo livello del primo?), fosse uscito nel 1997, al posto dell'altalenante Sound Of Lies, sarebbe probabilmente diventato un piccolo classico minore, ma ascoltate oggi queste canzoni appaiono non tanto brutte, quanto solo in ritardo, quasi che la loro storia degli anni 2000 abbia reso questo appuntamento semplicemente evitabile, perché non solo Louris era già andato oltre allo scolastico incedere della title-track, ma anche lo stesso Tim O'Reagan che qui torna in secondo piano.

Sono probabilmente particolari che interessano chi ancora vuole leggere la storia di una sigla nel suo insieme, ma quello che appare evidente è che la band abbia semplicemente cercato di camminare sul sicuro con brani di impatto immediato, non accorgendosi che su questo terreno (da loro stessi creato vent'anni fa) oggi si muovono giovani band come i Dawes che, seppur nella loro evidente derivatività, hanno in canna brani più freschi e meno legati a logiche professionali. Questi Jayhawks fanno ancora scuola dunque, ma i libri di testo su cui studiare sono rimasti sulla poltrona di fronte all'Hollywood Town Hall.
(Nicola Gervasini)

www.jayhawksofficial.com

RED HOT CHILI PEPPERS

2011-09-27T08:42:00.003+02:00

Laddove anche Hollywood stenta, ci sono riusciti i Red Hot Chili Peppers a riempire più sale cinematografiche in una sola serata. Il lancio del nuovo album I’m With You (Warner Bros) è avvenuto infatti con un concerto tenuto a Colonia, e fin qui niente di sensazionale, se non fosse che l’evento è stato trasmesso in diretta in tutto il mondo non in televisione (neppure MTV, persa nei suoi mille teen-reality, sarebbe più interessata a trasmettere un intero show), non sul loro sito web (banale e già sperimentato) e neppure su qualche nuova stregoneria tecnologica di massa, (Youtube? Youtube tramite Facebook? Youtube tramite Facebook tramite iPhone?), ma…al cinema. Novecento esercizi sparsi in tutto il globo, Africa compresa, riempiti dai fans di questa ormai storica band di Los Angeles, un vero atto d’amore, e la straordinaria impresa di farli uscire tutti di casa solo per assistere ad un concerto rock su uno schermo. L’esperimento pare abbia avuto successo, anche se temiamo sia poco replicabile se non per simili grandi nomi, ed è servito a riportare i riflettori su Anthony Kiedis e compagni, che dopo il criticatissimo (e comunque vendutissimo) Stadium Arcadium del 2006, devono ora fare la conta tra vecchi e nuovi fans per decidere la strada da intraprendere in futuro. Che per il momento è ancora quella vecchia, con il buon Rick Rubin sempre inamovibile in cabina di regia, ed un evidente tentativo di riacquistare la verve dei tempi migliori recuperando l’anima più rock (Flea ha citato i Rolling Stones di Exile On Main Street e Tattoo You come ispirazione per l’occasione). L’album riesce bene a conservare la loro vena melodica più recente, ritrovando comunque il groove del basso di Flea e qualche ritmo killer, ma, nonostante loro si affannino a considerarlo un nuovo punto di partenza, il marchio di fabbrica resta sostanzialmente immutato. Neppure il fatto che John Frusciante sia uscito dal gruppo è più una novità, e il suo amico e sostituto Josh Klinghoffer evita giustamente di strafare e limita il suo contributo all’essenziale. Scommettiamo che il rientro di Frusciante sarà tra i prossimi “coming soon” in sala?

Nicola Gervasini

DAVE STEWART - The Blackbird Diaries

2011-09-25T18:54:00.001+02:00

Per il mondo Dave Stewart sarà sempre l’altra metà dei defunti Eurythmics, eppure l’eclettico musicista resta uno dei collaboratori più richiesti dalle star. E visto che nell’aria c’è addirittura un supergruppo con Sir Mick Jagger e piedi-scalzi Joss Stone (i “Super Heavy”, team già collaudato per la colonna sonora del film Alfie), Dave ha fatto le prove generali con The Blackbird Diaries quinto album a suo nome. Chitarre e riff di scuola Keith Richards, le solite reminiscenze di glam-rock da cui proviene e nessuna concessione all’elettronica con cui è divenuto famoso, una grandeur produttiva che serve a non far notare che la voce non c’è, anche se ha imparato ad usarla meglio. Equamente diviso tra rock classico e ballate strappalacrime da bacio hollywoodiano (in cui si fa aiutare dalle voci femminili di Martina McBride, Stevie Nicks, Colbie Caillat e le Secret Sisters), potrebbe essere di diritto il libro di testo per il corso di “Arte del sound-making” alla School Of Rock. (Nicola Gervasini)

ROBBIE ROBERTSON - How To Become Clairvoyant

2011-09-23T17:14:00.002+02:00

Vi fareste preparare una cena da uno chef che non cucina un uovo da 13 anni, e la cui ultima omelette (l’album Contact From The Underworld of Redboy) è uscita insipida e bruciacchiata?. Inutile rispondere, il ritorno alla musica cantata di Robbie Robertson, lo storico leader della Band, ha suscitato le stesse perplessità sulla possibilità di tornare ai fasti di un tempo da parte di un musicista che da anni si dedica al cinema dell’amico Martin Scorsese ed è stato un vero e proprio dirigente presso la Dreamworks di Spielberg. Lui stesso ammette che tornare dietro la chitarra non è stato facile, e di fatto questo How To Become Clairvoyant (429 Records) appare inizialmente un po’ ingolfato, proprio come lo potrebbe essere il carburatore di una moto che torna in strada dopo anni passati in un garage. Se comunque l’omelette è più che discreta, lo si deve al fatto che il cuoco stavolta decide di non strafare, offrendo un disco rigoroso e quadrato come il tocco dell’Eric Clapton che lo aiuta. Bentornato.

JD MALONE - Avalon

2011-09-21T09:10:00.000+02:00

inserito 31/08/2011

JD Malone & The Experts
Avalon
[ItsAboutMusic.com 2011]

Ha fatto davvero tutto per bene JD Malone: confezione del cd curatissima e sciccosa, libretto con i testi, note di copertina, copiosi ringraziamenti a tutti, e un dvd di poco più di mezz'ora che mostra le sessions in studio. Ha tutta l'aria di essere convinto del suo lavoro e della sua missione di musicista, e questo gli fa onore, anche se l'autoproduzione paradossalmente sta spesso portando nei nostri stereo prodotti casalinghi confezionati con una cura che una normale etichetta discografica assicurerebbe solo ai grandi nomi, anche solo per un mero calcolo di costi e benefici. Avalon invece esce per la ItsAboutMusic.com, etichetta che generalmente rastrella rimasugli della storia (abbiamo recentemente recensito un loro live inedito dei Fairport Convention) o reietti più recenti come lui. Malone ha una storia decisamente comune di questi tempi, fatta di tanti concerti locali con gli Steamroller Picnic (titolari anche di un album), un duo chiamato Malone & McWilliams con cui ha passato la metà degli anni 2000 sulla strada, e ora il primo album già preannunciato da un paio di EP. E che i 13 brani che lo compongono siano il frutto di una cernita durata anni si sente eccome, perché JD è stato attento a coprire tutte le (limitate) gamme del blue-collar rock più classico, dal rock urbano di Silver From alla ballata romantica di Still Love You, dal blues rauco di She Likes alla ballatona d'accendino Sweet Evil Things.

Gioie e dolori di un artista che sembra un emulo di Joe Grushecky (la bella title-track sembra davvero rubata ad uno dei suoi dischi, anche come interpretazione e timbro di voce), con magari meno Springsteen nel motore (forseEmerald Lake passa dalle sue parti) e un po' di Petty in più nel bagagliaio, visto che ama anche molto il suono delle 12 corde "à la Byrds" (Ballad of Mr Barbo). Ed è anche uno che scivola nel banale più bieco con Just Like New (il ritornello "c'mon baby rock, c'mon baby roll" funzionerà pure con un pubblico già oltre la terza birra, ma ascoltata da soli nel proprio salotto mette un po' di tristezza), o magari si impantana nella neniosa Black Yodel, ma poi ti piazza una bella canzone come Leave Us Alone o nel finale un pezzone da 90 come Emmit Meets A Demon, tour de force di slides elettriche con un bel testo crudo e sintetico.

Il coraggio non gli manca, come quello di affrontare una cover di Fortunate Son (impresa che solo Bob Seger ha potuto sostenere con degni risultati) e uscirne tutto sommato vivo. Il cd audio propone anche la versione breve del singolo Just Like New e quattro tracce live recuperate dal dvd, che invece serve solo a garanzia che il prode JD e fidiExperts (menzione almeno per l'ottimo chitarrista Tom Hampton) abbiano davvero registrato tutto il disco in presa diretta, con pochissimi aggiustamenti produttivi e sovraincisioni. Se alla parola "derivativo" scappate via terrorizzati, allora evitate JD Malone come la peste, altrimenti Avalon è un rock-album di buon spessore che merita una segnalazione.
(Nicola Gervasini)

www.jdmalone.com

MR ISAAC ALLEN - Don't Smoke

2011-09-19T10:51:00.000+02:00

inserito 02/08/2011

Mr. Isaac Allen
Don't Smoke
[Horizon Music Group 2011]

"Niente di nuovo sul fronte occidentale" vien da dire al primo ascolto di questo Don't Smoke di Mr. Isaac Allen, prendendo in prestito il titolo di un famoso romanzo di Erich Maria Remarque. Siamo di fronte all'ennesimo bianco che ha visto troppe volte Casablanca e sogna di vivere attaccato al piano mentre qualche eroe cinematograficamente credibile gli dice "suonala ancora Sam", siamo al Tom Waits più jazzy di metà anni 70, ma con una voce profonda che pare più un John Lee Hooker con non ancora 80 anni di sigarette nell'ugola, o, se volete, siamo ancor più al nostrano Sergio Caputo di inizio carriera, prima che il jazz lo catturasse definitivamente. Siamo dunque dalle parti di un blues da locale fumoso, nonostante il titolo dell'album ricordi che per fumare in questi anni 2000 bisogna accomodarsi all'uscita e sfidare la fredda notte (ma ve lo immaginate Bogart che abbandona la Bergman in sala ogni 5 minuti per andare a fumare all'uscita?), siamo ancora fermi alla poetica del night-man solitario che affoga con piacere il proprio dispiacere in un bicchiere di qualsiasi cosa ("Versami un bicchiere di Vodka, anche senza ghiaccio, versalo anche in quella vecchia tazzina di caffè a buon mercato, farà male lo stesso" sono i primi versi di Meet You At The Pawnshop), musica fatta per l'auto-compiangersi di animi sensibili, ma ancora legati ad un ideale di uomo perennemente in cerca di un sé stesso che mai avrà veramente voglia di trovare.

Il signor Isaac Allen è solo l'ultimo arrivato di una lunga lista, ma per nostra fortuna non è un semplice imbonitore da platee poco pretenziose come i Jamie Cullum o i Michael Bublè che hanno gettato fumo negli occhi invece che nei pub negli scorsi anni, ma un bravo songwriter che ha studiato bene i classici, ha trovato un piano-sound molto bello che da solo riempie le casse, e soprattutto azzecca una partenza decisamente convincente con i primi quattro brani. The Devil infatti definisce subito lo stile dell'album, Get Right ne esalta il lato malinconico e subito dopo The Mouse in My Head alza ritmi e toni e mostra quanto ci si possa divertire anche nelle notti buie e tempestose, fino all'apoteosi della bellissima Daddy's On A Death Row, l'unico brano che veramente giustificherebbe le fuorvianti citazioni fornite dal suo ufficio stampa ("Come se Nick Cave incontrasse Johnny Cash" e "Townes Van Zandt con la voce di Leonard Cohen") visto che almeno il nome di Cave in questo caso viene davvero in mente.

Il disco fino a qui potrebbe essere la sorpresa dell'anno, ma evidentemente Allen ha voluto subito sparare le sue cartucce migliori, perché poi il gioco si fa ripetitivo, qualche arrangiamento deve ricorrere a suoni non perfetti (soprattutto la troppo rumorosa batteria di Vic Steffens), e il tutto si risolve in un delizioso e appagante déjà vu. Visto che è la sua opera prima, può bastare, ma si ricordi che alla fine la Bergman scappa da Bogart e dal suo Rick's Cafe.
(Nicola Gervasini)

www.mrisaacallen.com

ROBERT ELLIS - PHOTOGRAPHS

2011-09-16T14:25:00.001+02:00

ROBERT ELLIS

PHOTOGRAPHS

New West

***1/2

E’ un disco fuori dal tempo questo Photographs di Robert Ellis, uno di quei album di country-folk songs prettamente acustiche che riempivano gli scaffali dei negozi di dischi dei primi anni 70 (ma in genere poi raramente arrivavano nelle case del grande pubblico). Potrebbe seguire le orme dei

personaggi più oscuri del periodo questo cantautore di Houston, figurarsi come il nuovo Jesse Winchester, o ancor più come certi nomi che forse solo i lettori del Buscadero ricordano come Willis Alan Ramsey. Oppure anche più semplicemente, ascoltando la bellissima Westbound Train, viene in mente un Jim Croce meno attento alla melodia e alle charts. Non è un novellino Robert Ellis, nel 2009 aveva esordito con tanti complimenti ma poco clamore con un buon disco (The Great Rearranger), e il suo nome circola ormai per il Texas come uno dei più interessanti giovani talenti del songwriting americano. Photographs di fatto esce per la titolata New West e questo potrebbe garantire una certa distribuzione, ed è un album decisamente interessante, forse spiazzante all’inizio, perché prima di arrivare ad esempio ai baldanzosi honky-tonk di Comin’Home e No Fun o ai country-valzer di What’s In It For Me? e I’ll Never Give Up On You bisogna passare attraverso tre brani acustici decisamente malinconici come Friends Like Those, la bellissima Bamboo (della serie: come si scrive un album di ricordi) e una Cemetery ammantata di archi che pare quasi un brano del Phil Ochs più oscuro di Pleasures Of The Harbour. Poi il disco acquista via via più sostanza, si riempie sempre più di strumenti e il ritmo si alza, un crescendo che sembra studiato a tavolino per mettere alla prova la pazienza e la fedeltà dell’ascoltatore. Ellis suona gran parte delle parti di chitarra, anche se gli interventi della pedal steel di Will Van Horn paiono in alcuni casi determinati, mentre la chitarra elettrica di Kelly Doyle si tiene in disparte. Il finale con la triste e maestosa title-rack è da manuale di un modo di confezionare canzoni che non aveva la frenesia di sembrare essenziale e scarno a tutti i costi, ma si ingegnava a ricercare anche arrangiamenti pesanti ma coerenti con l’atmosfera del testo. Un arte che sembrava perduta nel nome del minimalismo folk, e che invece Ellis, con il suo co-produttore Steve Christensen, riesce a riportare in vita con un disco che riesce ad apparire non pretenzioso e nemmeno troppo “vintage”. Da seguire attentamente anche in futuro.

Nicola Gervasini

NRBQ - Keep This Love Goin'

2011-09-13T17:31:00.001+02:00

inserito 25/07/2011

NRBQ
Keep This Love Goin'
[Clang! 2011]

Non entriamo nel merito delle questioni legali sull'utilizzo delle sigle storiche, perché l'identificare certi nomi con certi personaggi è appannaggio di noi ascoltatori e non degli avvocati. Per cui nessuno scandalo se il membro veterano Terry Adams, eccelso tastierista di professione, si stia ribellando alla pensione forzata riesumando la gloriosa sigla degli NRBQ, band che sì lui stesso fondò nel lontano 1967, ma che ora riappare con elementi completamente avulsi dalla loro storia. Gli NRBQ del 2011 fanno dunque a meno dei due membri fondamentali, vale a dire Al Anderson e Joey Spampinato, che non erano solo chitarra e basso del combo, ma anche le maggiori menti creative. Non sappiamo come mai i due vecchi compari abbiano declinato l'invito a continuare una saga che, tra alti e bassi e stop e ripartenze, dura da ben 44 anni, ma ascoltando Keep This Love Goin' si ha subito la certezza che i sostituti non coprono il vuoto, nonostante i loro discreti curriculum (il chitarrista Scott Ligon suonava nella band di Chuck Berry, il bassista Pete Donnelly viene dai Figgs, la power-pop band spesso sentita con Graham Parker, mentre il batterista Conrad Choucroun viene dalla band di Bob Schneider).

Tra gli ospiti appare se non altro lo storico batterista Tom Ardolino in due brani, giusto per cercare di dare senso all'utilizzo del nome, operazione che si svela subito non riuscita quando si scopre che i quattro negli ultimi due anni hanno calcato il palco come Terry Adams Rock And Roll Quartet (e già il nome richiamava comunque l'acronimo NRBQ, che stava per New Rhythm and Blues Quartet), e il cambio di ragione sociale sa solo di scelta di marketing in sede di pubblicazione dell'album. Inutile fare dunque paragoni con il loro passato - tra l'altro poco conosciuto in Italia - generalmente assimilato al pub-rock di marca inglese nonostante le loro origini americane. Qui infatti non appariranno certo altre storiche canzoni come Green Lights (un successo poi per Bonnie Raitt) o I Want You Bad (finì nel repertorio anche dei Long Ryders e di Dan Baird), e non sarà certo questo disco che spingerà anche nomi più alternativi come Yo La Tengo o She & Him a rivisitare il loro repertorio come accaduto più recentemente.

Qui basta anche solo il primo brano, Boozoo and Leona, per capire quale sia il problema: Adams infatti ci piazza anche uno strepitoso assolo di piano, ma la sua voce è anonima e incerta, e il brano da solo non sta in piedi. Nonostante l'impegno di tutti e la coraggiosa decisione di proseguire su una vetusta strada che mischia il rock and roll alla Dave Edmunds al pop-rock alla Nick Lowe, qui manca anche la possibilità di utilizzare il disco a scopo didattico per le nuove generazioni che questo rock e questo modo di intenderlo se lo sono dimenticato. Più che altro perché robette come Here I Am o Gone With The Wind vengono anche prima dell'ABC del rock, e dopo 44 anni comincia ad essere una colpa grave.
(Nicola Gervasini)

www.nrbq.com

GARLAND JEFFREYS - The King of In Between

2011-09-09T08:33:00.000+02:00

inserito 04/07/2011

Garland Jeffreys
The King of In Between
[Luna Park 2011]

Vi siete mai chiesti come passano la giornata i losers persi per strada negli anni, i vari reietti del mondo discografico ridotti da tempo al silenzio? Lavorano? Si dedicano ad altro? Oppure girano suonando per i bar i loro vecchi successi, a beneficio dei pochi nostalgici ancora disposti a risentirli? Cosa ha combinato dunque Garland Jeffreysnegli ultimi 14 anni, dopo il fallimentare tentativo di risultare davvero moderno con l'album Wildilife Dictionary? Per vivere non lo sappiamo, ma The King Of In Betweenarriva a sorpresa a raccontarci di come il nostro vecchio eroe abbia nel frattempo recuperato il suono delle strade, incontrando vecchi maestri in materia (Lou Reed, suo compagno all'Università, presta il vocione per i cori) e un sound chitarristico che aveva abbandonato da tempo. Potrebbe essere il fratello minore di Streets Of New York di Willie Nile questo album, sia perché potrebbe portare lo stesso titolo, sia perché brani come I'm Alive, che già conoscevamo grazie ad una raccolta di 4 anni fa, davvero ricalca le orme del piccolo Willie. Oppure avrebbe anche potuto auto-citarsi e intitolarlo "Wild In The Streets Part 2" che gli avremmo dato egual credito, perché, fin dalle prime note dell'ottima Coney Island Winter, qui si ritrova il poeta da strada meta-etnico che alla fine degli anni 70, al pari del primo Willy DeVille, ci aveva fatto credere che nella Grande Mela la musica avrebbe davvero contribuito a realizzare il mito del melting pot tra cultura nera, bianca e ispanica.

Già nel 1991 fu lui stesso a non crederci più, quando pubblicò il capolavoro di una vita (Don't Call Me Buckwheat) infarcendolo di rabbia e recriminazioni per un'integrazione mai ottenuta (e anzi resa ancora più distante dallareaganomics), ora invece è con una scelta stilistica tutta volta ad un blues-rock d'asfalto che lo stesso Garland sembra voler abbandonare in parte l'idea del cross-over culturale che da sempre anima la sua musica. Non è un caso che i momenti deboli del disco siano i brani in stile reggae come All Around The World o Roller Coaster Town, perché il Jeffreys del 2011 sembra aver esaurito la rabbia per poter sostenere con convinzione canzoni di simile struttura, mentre è invece indicativo che siano proprio gli episodi più semplicemente street-rock a convincere (The Contortionist, una Streetwise infarcita di archi dance da Club 57, addirittura un amarcord rockabilly con Rock And Roll Record).

In mezzo una serie di brani insolitamente blues (Till John Lee Hooker Calls Me, Love is Just a Clichè o l'acustica In God's Waiting Room), che rubano davvero riff e clichès ultra sentiti ad un genere iper-codificato, ma che se non altro ci regalano interpretazioni convincenti e sentite. A tenere insieme il tutto c'è un bel suono rozzo, che rinuncia per la prima volta all'elettronica…o anzi no…alla fine non ce la fa neanche lui a rinunciarvi, ed ecco dunque una ghost-track (Rock On) tutta drum-machines, bassi synth, fiati finti e tastiere da colonna sonora di Miami Vice, che ci testimonia, nel bene e nel male, che l'artista è ancora davvero vivo, e non smetterà mai di ricordarci che il mondo è fatto di troppi colori per averne uno solo.
(Nicola Gervasini)

www.garlandjeffreys.com

IAN McFERON - Summer Nights

2011-09-05T13:29:00.001+02:00

inserito 30/06/2011

Ian McFeron
Summer Nights
[Ian McFeron 2011]

In fondo non ci vuole poi molto per produrre un buon album di cantautorato rootsy. Prendete Shine a Little Light, brano di apertura di Summer Nights: basta avere un songwriter capace di trovare la melodia giusta, un refrain che resti nella testa al primo ascolto (quanti brani con lo stesso titolo esisteranno in questo mondo? Stimiamo 1000 per difetto), un'interpretazione sofferta da loser di strada e una band di desperados dell'area Nashville in grado di dare i suoni giusti, e il gioco è fatto. Shine a Little Light funzionerà a meraviglia mentre sfrecciate di notte tra il casello di Melegnano e quello di Terrazzano, mentre solitari e malinconici vi chiedete perché diavolo non stiate sfrecciando sull'Highway 61 a caccia di fascisti da uccidere come Woody Guthrie invece di tornare da una sfiancante giornata di lavoro come Fantozzi. Non tutti i lonesome hobos che passano sulle nostre pagine riescono a trovare questa alchimia per la canzone perfetta, a volte basta solo che manchi uno degli ingredienti, e Ian McFeron, giovane di Seattle giunto al sesto album senza che neppure noi ce ne fossimo mai accorti, ha l'aria di chi deve ancora fare molta fatica per riuscirci sempre.

Summer Nights infatti inizia bene, e prosegue tra gli alti e bassi di chi sta giungendo a maturazione mostrando già tutti i propri limiti. In ogni caso è lui che firma tutti i 13 brani, ed è lui quindi che ci regala lo struggimento di una serie di ballate alla Ryan Adams, ma suonate e cantate con lo stesso rauco e sporco mood di una Lucinda Williams, numeri come Hard Since You've Been Gone o la title-track che qualsiasi rocker di serie B vorrebbe poter vantare nel proprio repertorio. E soprattutto brani che non potrebbero vivere senza il suono costruito dall'ottimo chitarrista Doug Lancio (Patty Griffin, John Hiatt, Matthew Ryan, Jeff Finlin), che assembla in quel di Nashville una band di prim'ordine con elementi rubati guarda caso ai Cardinals di Ryan Adams (Brad Pemberton, Billy Mercer), il funambolico pianista Micah Hulscher e la violinista Alisa Milner. Sono loro che rendono imperdibile l'epica The Scarlet Dream con i continui dialoghi tra chitarra e pianoforte, o che evitano che gli episodi fin troppo zuccherosi e affettati come I'll Come Knockin' o Streetlight Serenade deraglino nello stucchevole.

L'unico problema qui sembra essere il fatto che McFeron ha voluto puntare sulla propria innegabile capacità di scrivere ottime ballads, finendo ad offrire questo unico registro per tutta la durata del cd, cercando la variazione solo nel pigro ritmo country di Come See Me (Before You Go), nel blues di The Ballad Of Florentino Ariza, nella piano-song di My Old Lovers o nella folk-song di I Ain't Dead Yet. Manca però all'appello un brano di rock più sostenuto, anche solo un country-boogie da bar, che risollevi il tutto da tanta mestizia. In questo modo i pezzi della seconda parte, alcuni anche davvero notevoli (Windchime), finiscono per arrivare quando già si è un po' esausti e si è già imboccata la statale per casa con tanta voglia di lasciarsi dietro i propri guai.
(Nicola Gervasini)

www.ianmcferon.com

BOB SCHNEIDER - A Perfect Day

2011-09-01T11:32:00.000+02:00

Bob Schneider
A Perfect Day
(Kirtland Records 2011)

Se non ve ne siete ancora accorti, sono ben 20 anni che ad Austin Bob Schneider miete riconoscimenti per la sua intensa attività discografica, prima con alcune oscure band degli anni 90 (Joe Rockhead, Ugly Americans e Scabs le sigle da ricercare con in tutto una decina di album all'attivo), poi con una carriera solista votata ad una particolare fusione di root-music, mainstream-rock ed elementi di pop moderno che gli ha dato anche qualche soddisfazione in termini di vendite. A Perfect Day arriva a due anni di distanza da Lovely Creatures e ribadisce il frizzante cocktail di stili dell'autore (che lui stesso ama definire "Frunk", acronimo di folk-rock-funk), pigiando l'acceleratore soprattutto sul lato ironico e scanzonato delle sue pop-songs. Il risultato non pare ormai molto diverso delle opere più recenti di Adam Green, dove l'attenzione si sposta sulle tante invenzioni in sede di arrangiamento, magari con accorgimenti stilistici rubacchiati a destra e manca, ma con alcuni risultati d'indubbio fascino come l'irresistibileHoneypot o pop-songs positivamente senza pretese come Yeah, I'll Do That. Tutto qui comunque.
(Nicola Gervasini)

www.bobschneider.com

THE WILD MOCASSINS - Skin Collision Past

2011-08-31T08:10:00.000+02:00

The Wild Moccasins
Skin Collision Past
(New West 2011)

Interessante uscita quella dei Wild Moccasins, combo che viene da Houston sotto una generica sigla "indie-pop" che dice poco o nulla se non descrivere bene il mix di brit-pop alla Housemartins/Smiths e nuove tenedenze folk statunitensi. Skin Collision Past è il loro disco d'esordio, e viene pubblicato in Europa a distanza di un anno dall'uscita in una edizione che comprende anche il primo ep Microscopic Metronomes, approfittando del fatto che i loro sono tempi corti da vera pop-band da 2-3 minuti e via. Strutturati alla X, con due vocalist alla Doe-Cervenka come la squillante Zahira Gutierrez e Cody Swann che si intercambiano e si sovrappongono a seconda del brano, i Wild Moccasins sono la più classica delle college-band per i giovani instradati su gusti poco mainstream, hanno dalla loro la freschezza del ritmo e della voglia di fare, a cui fa da contraltare una evidente immaturità compositiva e una certa ripetitività di soluzioni. Descrive bene il tutto lo stesso Cody Swann in un'intervista, quando dice che la loro è musica fatta per guidare, o buona anche per sentirla al telefono.
(Nicola Gervasini)

www.myspace.com/thewildmoccasins

DAVID BROMBERG - Use Me

2011-08-29T11:47:00.001+02:00

inserito 11/07/2011

David Bromberg
Use Me
[Appleseed Recordings 2011]

Ormai certi prodotti potremmo anche evitare di giudicarli, analizzarli, e scavare laddove non c'è proprio null'altro da scoprire se non ciò che appare evidente fin dalla copertina. Prendete una vecchia gloria della roots-music come David Bromberg, uno che da qualche tempo ha deciso di rimettersi in pista e prendersi gli onori ingiustamente negati in anni in cui ha dovuto fare il liutaio per sopravvivere, e prendete una serie di vecchi amici pronti ad offrirgli la loro devozione. Prendete una serie di cover o di nuovi brani prestati per l'occasione dai volenterosi compari, una produzione che si limita a far sentire ciò che il pubblico si aspetta da lui senza far scoprire nulla di nuovo, e il disco è fatto. Che Use Me sarebbe stato un album piacevole senza essere importante lo si sapeva già anche prima di ascoltarlo, che Bromberg sia una garanzia e non avrebbe mai accettato di pubblicare musica sciatta era scontato, così come anche il fatto che il frizzante e fantasioso mix di generi dei suoi golden years sarebbe stato un ricordo lontano era una giocata sicura che qualsiasi bookmaker avrebbe pagato pochissimo.

Per cui pare davvero inevitabile che per parlarne si debba scivolare nel mero elenco dei presenti, e allora forza, non sottraiamoci al nostro dovere: c'è un Levon Helm che ripassa due volte per ribadire classe e anzianità di servizio, un prevedibilissimo John Hiatt che offre l'inedito Ride Out A Ways, i Los Lobos che imitano loro stessi nel valzer-mex diThe Long Goodbye, c'è una Linda Ronstadt che addolcisce It's Just A Matter Of Time di Brook Benton, un Vince Gill che "nashvillizza" la sua Lookout Mountain Girl (ne è co-autore Guy Clark), un Keb Mo' che infanga di blues Diggin In The Deep Blue Sea, o un Tim O'Brien che riporta il nostro sulle consone strade del bluegrass di Blues Is Falling. Insomma non manca nulla, e allora continuiamo a fare il nostro dovere segnalando le nostre prime scelte (che magari non saranno le vostre), una You Don't Wanna Make Me Mad di e con Dr. John che tira il giusto, e una scoppiettante, funkeggiante, "littlefeattiana", percussiva ed isterica Old Neighborhood, in cui il maestro impartisce pure lezioni di chitarra elettrica ai redivivi Widespread Panic. Chiude una Use Me di Bill Whiters fatta con i Butcher Brothers, che serve a dare il titolo al disco e a ricordarci di quanto possa essere eclettico il buon Bromberg.

Non avendo null'altro da chiosare, chiudiamo consigliando il disco a chi già l'avrebbe comprato, e confermando agli altri che se il personaggio non è tra i vostri preferiti, con questo album continuerà a star fuori dal club dei vostri VIP. Una preghiera però ci viene: se proprio si vuole fare un tributo a Bromberg, dategli i soldi per rimettere in piedi una band spettacolare come quella che abbiamo sentito nei suoi gloriosi anni 70, magari continuerà a non sorprenderci più, ma a vederlo libero di esprimersi per i fatti suoi ci si divertirà infinitamente di più.
(Nicola Gervasini)

www.davidbromberg.net

SCOTT MATTHEW - Gallantry's Favorite Son

2011-08-22T18:09:00.000+02:00

inserito 09/06/2011

Scott Matthew
Gallantry's Favorite Son
[Glitterhouse 2011]

Va presentato con un minimo di storia Scott Matthew, visto che è la prima volta che ci occupiamo di lui. Australiano trapiantato a New York, Scott ha esordito a livello professionale nel 2005 con una band chiamata Elva Snow, una creatura indie pensata insieme al fidato batterista di Morrissey Specer Corbin, con il quale gira ancora spesso in tour. L'avventura è durata poco visti gli scarsi consensi, e così alla fine del 2007 Scott ci ha provato con un esordio solista omonimo che fece già più rumore nel mondo del folk indipendente, a cui ha fatto seguito la conferma di There Is An Ocean That Divides (2009). Gallantry's Favorite Son arriva dunque a battere il chiodo finché è caldo, confermando Matthew come un piccolo maestro nell'arte della vocalità evocativa, un po' come sentire un disco di Antony & The Johnsons intenti a registrare cover di Bonnie Prince Billy. Quello che sicuramente si nota, fin dalla sciccosa copertina patinata, è l'attenzione certosina ai particolari sia in fase di registrazione (dal punto di vista della qualità sonora l'album è da applausi), sia nella confezione.

Matthew ama estetizzare con la voce, usata come strumento principale di una impalcatura per il resto fintamente scarna, dove le chitarre acustiche o il suo fido ukulele ben si intersecano con archi e tastiere. Il cd parte toccando le corde più oscure con la soffocante accoppiata Black Bird/True Sting ("non voglio imparare a volare se questo significa dirti addio" recita l'uccello della prima, "potrei raccontarti la storia di una tregua che è fallita, ma invece ti racconterò una bugia" pungola l'inizio della seconda), ma già la fischiettante Felicity prova a dare una nuova venatura frivola e scanzonata, operazione ritentata anche con la bella Devil's Only Child, episodi che alleggeriscono il peso di un album che va davvero ascoltato in momenti di particolare silenzio e raccoglimento. Anche perché il lavoro in sede di arrangiamento appare davvero notevole e per nulla facile da cogliere, se non con adeguato impianto stereo, grazie al gran lavoro del produttore Mike Skinner, abile soprattutto a giocare con le voci e i cori di sottofondo (davvero divertente il finale quasi doo-wop di No Place Called Hell).

Ben calibrato tra brani tristi e uggiosi ed episodi quasi vicini al pop alla Burt Bacharach (ascoltate The Wonder Of Falling In Love, ve la potreste tranquillamente immaginare anche cantata da Dionne Warwick), Gallantry's Favorite Son è un album che si compiace forse troppo del suono profondo della voce del suo autore, con un mood che ricorda molto quello delle prime prove soliste di Mark Eitzel. Nel menu manca forse qualche divagazione sul tema in più, ma se siete dell'umore giusto, è un disco capace di farsi amare.
(Nicola Gervasini)

www.scottmatthewmusic.com

DEATH CAB FOR CUTIE - Codes and Keys

2011-07-27T13:00:00.001+02:00

Molti di voi avranno scoperto l’esistenza dei Death Cab For Cutie in occasione dell’uscita del bellissimo e sempre consigliato One Fast Move Or I’m Gone, progetto del leader Ben Gibbard scritto a due mani con Jay Farrar dei Son Volt, nato come colonna sonora di un documentario su Jack Kerouac (consigliato pure questo, lo trovate in alcune edizioni del cd). Un disco vicino all’americana-folk di Farrar, dove però la bella voce di Gibbard aveva sorpreso tutti per come si era perfettamente adattata allo spirito dell’operazione, dando infine il vero valore aggiunto all’album. Curiosità dunque per questo nuovo album della sua band, vero e proprio mito indie degli anni 2000, che prende il nome da un brano della Bonzo Dog Doo-Dah Band (era sull’album Gorilla del 1967, ma fu eseguito anche dai Beatles durante il Magical Mystery Tour), soprattutto con la speranza che un po’ della polvere delle strade di Kerouac fosse rimasta nella chitarra di Gibbard dopo l’avventura in territori roots. Invece, quasi a voler giocare a sorprendere, Codes and Keys esce anticipato dalla presentazione fatta dal bassista Nick Harmer del “nostro album meno chitarra-centrico di sempre”. Le strade di Kerouac sono dunque cosa di Gibbard, che tornato con i fidi compari che lo seguono fin dal 1997 (il tastierista Chris Walla, che figura anche come produttore dell’album, e il batterista Jason McGerr), arriva a citare Brian Eno, gli OMD e il Bowie di Low come muse ispiratrici. Le parti musicali sono state registrate tutte usando un software, ma non aspettatevi per forza effetti strani e orge di batterie elettroniche, quanto una musica calda e veramente suonata, solo volta a cercare sonorità lontane dal rock. Il risultato infatti da in parte ragione a loro, la title-track ad esempio colpisce subito come un brano decisamente riuscito, e in generale la maggior parte delle canzoni sembrano mostrare una maturità invidiabile (davvero notevole l’accoppiata Doors Unlocked and Open e You Are a Tourist), con dei bei testi incentrati sulle nuove avventure matrimoniali dei membri della band (Gibbard ha recentemente sposato Zooey Deschanel dei She & Him). Walla poi nei momenti strumentali del disco trova davvero la quadratura giusta tra melodia, sperimentazione e suoni di tastiera che riescono a non essere freddi (ascoltate la lunga intro di Unobstructed Views, la ditta Eno/Bowie ne sarebbe fiera). Ogni tanto, come spesso succede quando la sperimentazione diventa un po’ un imperativo, sforano un po’ in soluzioni che si potevano meglio ragionare, ma se volete sentire come potrebbe suonare un disco rock fatto da una band a cui hanno rubato il furgone delle chitarre, questa è l’occasione giusta.

Nicola Gervasini

THE WILDERNESS OF MANITOBA - When You Left The Fire

2011-07-22T12:15:00.002+02:00

THE WILDERNESS OF MANITOBA

Trovato il gruppo che fa successo, ecco che come d’incanto le etichette rastrellano il terreno delle giovani band in cerca di piccoli cloni per cavalcare l’onda. Iniziare così la descrizione del loro disco d’esordio potrebbe forse essere troppo penalizzante per i canadesi Wilderness of Manitoba, ma non saremo i primi (e certo non gli ultimi) che si sentiranno in dovere di notare le forti affinità del loro folk tutto cori e atmosfere sognanti con quello dei Fleet Foxes. A ben vedere noi ci metteremmo anche i Midlake, in modo che esauriti così i rimandi ad altri artisti (altrimenti dovremmo tirare in ballo come minimo Crosby Stills e Nash e i Pentangle), possiamo tranquillamente scoprire come dietro a questo When You Left The Fire si cela un quintetto pieno di belle idee e soprattutto padrone di un songwriting per nulla scolastico. Il loro nome è quello di una riserva naturale della regione canadese di Maritoba, e il rapporto intimo e spirituale con la natura è di fatto il tema principale dei loro testi, con particolare enfasi sulle stagioni come metafora della propria esistenza (November, Summer Fires). La struttura delle canzoni poggia tutto sugli arpeggi acustici delle chitarre di Will Whitwham e Stefan Banjevic, mentre gli impasti vocali vedono spesso protagonisti l’ugola femminile di Melissa Dalton e quella del bassista Scott Bowmeester, per cui solo il batterista Seam Lanearic non partecipa alla corale. Il resto lo fanno i pochi interventi dell’immancabile ukulele (ormai non manca mai nei dischi indipendenti che si rispettino), qualche tastiera e banjo e poco altro. Il risultato è sicuramente suggestivo e, sebbene sempre tarato su tinte sonore autunnali, i suoni e le voci riempiono le casse dello stereo che è un piacere. E prese singolarmente, anche tutte le canzoni hanno sempre qualcosa da dire d’importante, e non è un caso che la band abbia ritenuto necessario apporre un commento sul contenuto di ogni singolo brano, visto che il cd è davvero uno di quelli da ascoltarsi in silenzio, con mente libera e libretto alla mano. Dove forse i ragazzi ancora peccano è nella visione di insieme, perché When You Left The Fire dura quasi un ora e offre davvero pochi diversivi se non il brit-folk a cappella alla Steeleye Span di Native Tongue e poco altro. In ogni caso il cd è consigliato, perché brani come Orono Park o St Petersburg non si perdano nel marasma delle produzioni indipendenti, meritando invece di essere ricordati di tanto in tanto.

Nicola Gervasini

CASS McCOMBS - Wit's End

2011-07-19T12:14:00.000+02:00

inserito 18/06/2011

Cass McCombs
Wit's End
[Domino Recording 2011]

Se vi andate a cercare nel nostro archivio la recensione al cd Dropping The Writ diCass McCombs troverete la storia fatta di tante idee ma ben confuse di questo strambo folk singer, uno che alla voce "curiosità" vanta il fatto di aver già fatto disporre che sulla sua tomba venga messa la scritta "finalmente a casa", giusto per inquadrarvi il personaggio. Distratti da altro non abbiamo avuto il tempo di segnalare come il nostro abbia cominciato a mettere nell'ordine giusto i neuroni della sua creatività con il più mirato Catacombs del 2009, ove il nostro spogliava le canzoni dei tanti inutili orpelli del suo predecessore e raggiungeva un livello già ragguardevole. La strada gli deve essere parsa davvero quella giusta, se è vero che Wit's End si presenta subito come uno di quei dischi estremi che dovete decidere solo se amare o odiare con forza. 47 minuti soffocanti, solo 8 brani genericamente lunghi e trascinati, il nuovo Cass McCombs potrebbe riaprire le stesse diatribe vissute anche sulle nostre pagine a proposito del recente disco di Josh T Pearson. Ma laddove nel caso di Pearson lamentavamo un flusso di emozioni forti che si dimenticava totalmente della forma, in questo caso al massimo potremmo lamentarci di qualche autoindulgente estetismo di troppo.

Wit's End è infatti un disco fintamente essenziale, falsamente scarno, che nasconde dietro una patina di compiacente malinconia e mestizia un artista che comincia davvero a saper fare cose serie con gli arrangiamenti e abile nella costruzione delle canzoni. Prendete Saturday Song, probabilmente quello che avrebbe potuto partorire un Syd Barrett (le voci sono davvero simili) con alle spalle un produttore in grado di inquadrarlo quel minimo che basta, o prendete il pop lumacoso dello splendido singolo County Line o anche il bel valzer dark diThe Lonely Doll. Sono tutti brani soffusi e annoiati, che però celano una strumentazione varia, fatta di archi, tastiere, xilofoni e tanto altro, che dimostrano che McCombs non si è accontento di ostentare il suo personaggio di bohemien dal cuore rotto e solitario, ma ha pensato a creare musica anche al di là del proprio atteggiarsi da artista.

Non tutti avranno la pazienza e la necessità di passare attraverso i 7 minuti e oltre di Memory's Stain (sembra un brano solo piano e voce, ma gli strumenti in gioco sono molti di più), o trovare entusiasmante il folk zoppicante di Hermit's Cave, ma certamente potrete apprezzare subito un numero "alla Tom Waits" come A Knock Upon The Door, che sembra una outtake di Frank's Wild Years cantata da un pop-singer inglese. Inevitabilmente l'insieme appare comunque esageratamente lento e oscuro, quasi che il fatto di ideare un concept dedicato alla solitudine lo abbia fatto sentire in obbligo di usare solo tinte abuliche e scoraggiate. Ma questa volta la sostanza c'è, se solo avete la pazienza di trovarla.
(Nicola Gervasini)

www.cassmccombs.com

info@rootshighway.it

JOAN BAEZ - Play Me Backwards

2011-07-11T10:45:00.001+02:00

Joan Baez
Play Me Backwards
[Proper Collectors ed. 2011]

Siamo tutti bravi a fare gli intenditori con gli artisti che conosciamo a fondo, ma quando salta fuori un nome come Joan Baez è facile per chiunque cadere nel tranello dell'immagine iconografica. Dici Baez e pensi al folk di protesta, alle lotte politiche e civili, all'amore per Dylan: tutte immagini rigorosamente in bianco e nero. Ma difficilmente parlando di lei si pensa subito alla sua musica, magari i più attenti si ricordano di qualche album (il vendutissimo Diamond And Rust del 1975 ad esempio), ma è innegabile che ad oggi nella memoria è rimasto più il personaggio che le sue canzoni. Noi in passato ci siamo perlomeno ricordati di segnalarvi quello che è forse il suo documento live più bello e completo (Ring Them Bells del 1995 - ma ripubblicato in versione ampliata nel 2007), ma abbiamo dimenticato di spendere qualche parola su album comunque interessanti come Dark Chords On A Big Guitar del 2003 (con brani di Greg Brown, Joe Henry, Natalie Merchant e Gillian Welch) e Day After Tomorrow del 2008 (prodotto e in parte anche scritto da Steve Earle). Dischi maturi, nati per il puro piacere dell'ascolto e non più funzionali a qualche battaglia sociale, che continuavano una fase interessante iniziata nel 1992 con l'album Play Me Backwards, piccola gemma dimenticata nel tempo, che viene ora ripubblicata con un cd di demo inedite in aggiunta.

Per capire questo disco bisognerebbe andare con la memoria al cosiddetto periodo nashvilliano dell'artista, quello che da Any Day Now del 1968 arriva fino a Where Are You Now My Son? del 1973. In quel lasso di tempo la Baez ha prodotto dei dischi ancora oggi godibilissimi, dove all'attenzione sui contenuti faceva da contrappeso una cura produttiva certosina, dettata dal fatto che le registrazioni avvenivano non più a New York negli studi della Vanguard, ma bensì a Nashville con i professionali musicisti locali capitanati dall'esperto produttore/bassista Norbert Putnam. Un periodo che fece storcere il naso ai puristi del folk, che videro nella mossa una sorta di ulteriore dipendenza dalle scelte del Bob Dylan nazional-popolare di Nashville Skyline e Self Portrait, oltre che un cedimento alle logiche di mercato e di fruibilità radiofonica. Play Me Backwards veniva invece dopo un periodo di crisi dell'artista, che negli anni 80 si era concentrata più sulla vita privata, e che aveva fallito il tentativo di tenersi al passo con i tempi con titoli ben poco memorabili come Recently del 1987 (dove tentava una improbabile Brothers In Arms dei Dire Straits) e Speaking Of Dreams del 1989 (qui addirittura rileggeva George Michael). Il disco segnò il suo ritorno a Nashville, dove affidò a due professionisti del luogo (Wally Wilson e Kenny Greenberg) il compito di darle un nuovo suono. Wilson la gelò subito dicendole che il fatto che lei sapesse come scrivere una poesia non voleva dire che sapesse anche come scrivere una canzone decente, e la spinse a provare a comporre e registrare tantissimo prima di entrare in studio.

Nell'album figurano infatti brani come la title-track, ma anche The Dream Song o The Edge Of Glory, firmati dalla Baez con un gusto melodico davvero inedito per lei. Il nuovo punto di riferimento artistico era tutto nella splendida cover di Stones In The Road di Mary Chapin-Carpenter, lei una delle recenti muse della canzone country al femminile, la cover invece il vero e proprio highlight dell'album che oscura le altre riletture presenti (una discreta Through Your Hands di John Hiatt, Amsterdam di Janis Ian, Strange Rivers di John Stewart). Interessanti comunque anche i demo abbandonati in sede di registrazione e quindi qui presentati nella loro scarna veste acustica, più che altro perché presentano le tante altre cover scartate dall'album, tra cui anche l'immancabile passaggio nel mondo dylaniano con la tesa Seven Curses. Play Me Backwards è un disco che regge il tempo e forse un'occasione mancata di rinascita dell'artista, visto che i risultati commerciali furono comunque modesti, e la critica nel 1992 era troppo impegnata a seguire altri mondi musicali ben più giovani, attivi e ferventi. Ma se mai vi foste chiesti che ne sarebbe stato della Baez senza le sue lotte da attivista, la risposta è tutta qui: sarebbe stata un'ottima e semplicissima country-singer.
(Nicola Gervasini)

www.joanbaez.com
www.propermusic.com

OKKERVIL RIVER - I Am Very Far

2011-07-04T10:02:00.002+02:00

Che il sesto album degli Okkervil River sarebbe stato quello di una nuova svolta per il gruppo era nell'aria già da tempo. Contando che The Stand Ins era un disco nato insieme al precedente The Stage Names, era dal 2007 che Will Sheff e compari non entravano in uno studio di registrazione (a parte il bellissimo disco con Rory Erickson), e le dichiarazioni dell'ormai incontrastato leader del gruppo (all'indomani del definitivo abbandono di Jonathan Meiburg, comunque presente in queste sessions) erano tutte volte a preparare il terreno a qualcosa di inedito e rivoluzionario. Abbiamo scaramanticamente stretto un po' i denti, gli occhi e forse anche qualcos'altro prima di ascoltare I Am Very Far e abbiamo invocato gli dei perché non ci facessero recitare l'epitaffio anticipato per una delle band che più abbiamo amato e sostenuto negli anni 2000, ma alla fine le nostre preghiere sono state ben ripagate.

Sconvolgetevi pure per il fatto che il singolo Piratess è un brano più vicino alla lounge-music anni 80 che al loro freak-folk trasversale (wurlitzer, batteria elettronica, basso in evidenza…), che l'iniziale The Valley si basa su un pesantissimo big-drum-sound anni 80 che farebbe invidia al Max Weinberg di Born In The Usa (con l'unica differenza che in questo caso l'effetto è ottenuto facendo suonare la batteria del nuovo arrivato Cully Symington in sovraesposizione ad una seconda suonata dallo stesso Sheff). E basta anche leggere l'ultima frase per trovare subito qual è il denominatore comune tra queste canzoni: gli anni 80, che tornano prepotentemente sottoforma di un rinnovato (e ovviamente più saggio) utilizzo delle tecnologie, di sampler, esperimenti con nastri riavvolti e svariati tipi di tastiere, e di grandi produzioni mai troppo scarne (vi diamo un paio di dati per rendere il concetto: per realizzare l'album sono stati utilizzati 31 musicisti, per un totale di circa 35 strumenti diversi tra vari tipi di tastiera, archi, chitarre e diavolerie elettroniche). I Am Very Far nasce dunque come prodotto di un lungo percorso creativo in studio di registrazione, ma senza l'assillo delle vendite che regnava negli eighties, senza l'idea che la musica debba essere adattabile ad un immagine, senza soprattutto produttori imposti dalle case discografiche e con gusti lontani da quelli della band.

Se l'album non fallisce l'obiettivo come è accaduto al recente Celebration, Florida dei Felice Brothers è semplicemente perché Will Sheff sembra davvero non aver mai perso di vista il fine di tutto: scrivere grandi canzoni. E così godiamoci brani che in verità non sono per nulla così lontani dagli Okkervil River che furono, come ad esempio White Shadow Waltz, un pezzo che 6 anni fa la band avrebbe registrato nello stile dark-folk di Black Sheep Boy, e che invece oggi presenta in un tripudio di batterie tuonanti, archi maestosi, cori unisoni e tastiere martellanti. Godiamoci Rider, puro roots-rock mainstream, oppure il tema da colonna sonora di Mermaid, il folk-pop leggero di Lay Of The Last Survivor, il crescendo di Your Life Past As A Blast, la marcia pop di Wake And Be Fine. Difetti? Sheff stesso ammette di non aver ancora capito bene quale sia il risultato ottenuto, e forse nell'essere ancora un oggetto indefinito e indefinibile sta tutto il limite di I Am Very Far, che non sarà mai il primo disco degli Okkervil River che consiglieremo ai neofiti, ma che ha già raggiunto l'incredibile risultato di evitare che qualcuno un domani possa dire "Ah, gli Okkervil River, mi sono piaciuti fino a The Stand Ins, poi quando hanno cambiato stile non li ho più seguiti…".
(Nicola Gervasini)

www.okkervilriver.com

KURT VILE - Smoke Ring for My Halo

2011-06-29T22:07:00.002+02:00

Fa un po' ridere pensare che le prime presentazioni di Kurt Vile lo descrivessero come un seguace di Bruce Springsteen e Bob Seger, visto che il suo album del 2009 Childish Prodigy (il terzo della sua carriera) è stato un vero successo di critica negli ambienti più progressivi e indipendenti della critica musicale, tanto da guadagnarsi anche una sponsorizzazione da parte di Kim Gordon dei Sonic Youth. Vile, cantautore di Philadelphia, è infatti uno di quei personaggi che si muove ai margini della roots-music con un fare "indie" che crea sempre un certo interesse ed evita che lo si confonda con l'ultimo hobo del Texas o il penultimo "nuovo Dylan". Da sempre fedele all'immagine del one-man-band da strada (era l'immagine di copertina del suo secondo disco), ma ormai convertito alle gioie di un suono più pieno di una band, potremmo collocarlo in un'area prossima al compianto Vic Chesnutt, uno che piaceva sia ai conservatori che ai progressisti della musica.

Smoke Ring For My Halo è il suo nuovo lavoro, prodotto dall'esperto John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr.) con un piglio decisamente alternativo, con la chitarra acustica di Kurt sempre in primo piano e il resto dalla band (i Violators) sempre comunque in disparte. La forza di Vile è sicuramente nei bei arpeggi che sorreggono i suoi brani, e non certo nella voce, che cerca effettivamente l'accento del sud di Tom Petty, ma finisce per sembrare come se fosse filtrata elettronicamente anche quando non lo è, avvicinandolo piuttosto all'essenzialità del folk stralunato di M Ward. In alcuni casi la particolarità diventa un punto di forza, come nell'elettrica Puppet To The Man che sarebbe piaciuta al Robyn Hitchcock di metà anni 80, altre volte invece, quando la ballata segue addirittura giri acustici da west coast anni 70 (On Tour), il suo fare atteggiato stride un po'.

Quello che si nota subito ascoltando Smoke Ring For My Halo è una certa indecisione tra voglia di volare basso con un disco volutamente lo-fi (Jesus Fever), e tentativi non sempre ben definiti di strutturare i propri brani in chiave più pop (Peeping Tomboy o Ghost Town), che rende l'album in qualche modo irrisolto. Resta comunque la testimonianza di un buon talento, anche se non è ancora questo a nostro parere il disco che lo conferma a livelli di eccellenza, ma visto che sul titolo si sta comunque scatenando un piccolo hype nel web, dategli una chance, trovare artisti come questo in grado di unire nella discussione popoli rock distanti non è facile e resta buona occasione di confronto. Se poi i complimenti a queste canzoni siano solo questione di perfetta aderenza ad una moda del momento o vera gloria è decisione che resta dipendente dal vostro buon senso.
(Nicola Gervasini)

ADAM HAWORTH STEPHENS - We Live On Cliffs

2011-06-21T08:55:00.001+02:00

Quando si riscriverà la storia di questi anni 2000 con il senno di poi, sarà forse quello il momento di rendersi conto quanto i poco conosciuti e chiacchierati Two Gallants hanno espresso di importante con piccoli capolavori come l’album What The Toll Tells del 2006 o lo splendido ep The Scenery of Farewell dell’anno successivo. Purtroppo quando tanta qualità gli ha finalmente dato la possibilità di avere qualche riflettore puntato contro, loro hanno risposto con un disco non perfetto, quasi timido nel suo essere quadrato e normalizzato, come l’omonimo Two Gallants. Da allora sono passati quasi quattro anni, ma ancor il duo non da segni di vita, se nonché lo scorso ottobre il cantante Adam Haworth Stephens ha messo a sorpresa in circolazione We Live On Cliffs, suo primo album solista, ora ufficialmente distribuito anche in Europa. Che fin dal primo ascolto evidenzia forse come le incertezze dell’ultimo Two Gallants possano anche derivare da una diversità di vedute con il compare Tyson Vogel. We Live On Cliffs infatti sembra voler seguire una via più semplice e diretta di fare rock, non si dilunga in struggenti e dilaniate ballate oblique, ma trova la sintesi in elementari folk-rock songs che non disdegnano anche qualche inserimento anche più classico di suoni soul (ascoltate il crescendo di With Vengeance Come). Per qualcuno potrebbe sembrare l’inizio di una scelta artistica più mainstream, ma per ora a garanzia di tutto c’è il fatto che brani come la splendida Second Mind con le sue tastiere black o The Cities That You’ve Burned dimostrano come la maturazione dell’autore sia ancora in crescendo. Certo, sarete sorpresi a sentire una ballata melodica come Southern Nights, sorta di joint venture tra Byrds e Otis Redding, oppure a scoprire il ritmo danzereccio di Elderwoods o una Angelina che potrebbe essere la sua Mixed-Up Shook Up Girl se mai volesse seguire le orme di Willy DeVille. Oppure potreste storcere il naso per la produzione pulita e cristallina voluta dall’espertissimo Joe Chiccarelli o verificare quanto anche musicisti di area indipendente provenienti da My Morning Jacket o Vetiver siano capaci di trasformarsi in musicisti rigorosi e professionali. Consigliato dunque a tutti recuperare questo album, non piacerà magari a chi cerca nel rock la genialità e l’originalità a tutti i costi, ma sarà di conforto a chi ama ascoltare semplicemente delle belle canzoni perfettamente suonate e arrangiate. In attesa di capire se sarà questo davvero il vero futuro dei Two Gallants.

Nicola Gervasini

BEN SOLLEE - Inclusions

2011-06-17T09:33:00.001+02:00

Ben Sollee nasce come violoncellista, e già lo strumento scelto lo rende un caso abbastanza particolare nel mondo del cantautorato rock, ma la storia del bambino lanciato verso studi classici che sulla strada per Beethoven si fa catturare dal soul di Ray Charles e Otis Redding non è neanche nuovissima. Da qui parte la sua storia di musicista moderno, dal tentativo di portare il suo amato strumento classico anche nel mondo del nuovo indie-folk, magari assieme a strumenti più adatti al genere da lui suonati all’occorrenza (chitarra, banjo, basso, armonica, tastiere). La sua è una carriera recente: prima la collaborazione con la banjoista Abigail Washburn, un piccolo ep che già fece abbastanza rumore (If You’re Gonna Lead My Country) e il successivo acclamato album d’esordio intitolato Learning To Bend (tutto nel 2008) furono il biglietto d’entrata nel mondo della roots music più vicina al mondo indie. Quanto basta per suscitare l’interesse della Sub Pop, che l’anno scorso ha pensato bene di unire il nuovo talento del nuovo folk-revival americano Daniel Martin Moore con lui per un disco a due mani (Dear Companion, prodotto da Jim James dei My Morning Jacket) che non ha però riscosso gli applausi sperati, mentre maggiori consensi ha ottenuto il tour con Vienna Teng. E’ tempo dunque di conferme e quindi del fatidico secondo album per Sollee, che recapita questo Inclusions ricorrendo alla saggia produzione di Duane Lundy, produttore esperto che usa scrivere “Musician Coaching” sul biglietto da visita, e che ha spinto Sollee a lavorare molto con le sovra incisioni e ad avvalersi solo di pochi fidati collaboratori, nonostante il risultato sia un sound tutt’altro che scarno ed essenziale. Ascoltate l’iniziale Close To You, praticamente quello che avrebbe partorito Curtis Mayfield (la voce lo ricorda molto) se avesse sposato un po’ del wall of sound di Phil Spector. Ma già le successive The Globe e Hurting, con il loro cadenzare rock creato dal violoncello (ricordano molto l’Alejandro Escovedo di Thirteen Years) fanno capire che non ci sarà posto per certi barocchismi alla Joanna Newsom. Magari c’è spazio qualche piccolo brano tutto-archi evocativo e sognate come Embrace, ma il continuo utilizzo dei fiati (Bible Belt si basa praticamente su quelli e su un giro di basso che proprio Mayfield avrebbe certamente benedetto) dona sempre ritmo e colore ai brani. Disco che vive di alcuni inevitabili alti e bassi, Inclusions è un bell’esempio di come la musica odierna possa creare nuove sonorità solo miscelando stili differenti, con risultati curiosi e spesso piacevoli. Consigliato a chi cerca nuovi stimoli senza uscire troppo dal seminato della tradizione.

Nicola Gervasini

LEEROY STAGGER - Live At The Red River Saloon

2011-06-14T13:58:00.002+02:00

Leeroy Stagger & The Wildflowers
Live At The Red River Saloon
[Blue Rose 2011]

La cosiddetta "blue collar music" dovrebbe, nella definizione e nelle originarie intenzioni, essere quel tipo di rock che la classe operaia americana di metà anni '70 amava suonare nei pub per scaricare le fatiche e le tensioni di una massacrante giornata di lavoro. Oggi il genere è considerato vetusto e sorpassato dalla grande intellighenzia rock (anche negli Stati Uniti, dove ormai da anni ha perso vendite e consensi), eppure resiste un movimento di rockers che continuano indomiti a suonare un rock che trova linfa ed energia non più tanto nella rabbia che fu un tempo, quanto nella semplice gioia di vivere. Tra i pochi personaggi di rilievo nati negli anni 2000 e adepti del genere,Leeroy Stagger sembra essere uno dei più credibili, più che altro perché nei suoi dischi in studio ha sempre cercato di non cadere troppo nei clichè del genere, e anzi, i suoi primi lavori viravano decisamente verso il country-folk alla Ryan Adams, mentre Everything Is Real del 2009 subiva l'influenza più "poppish" degli amici Tim Easton e Evan Phillips, con cui nel 2008 ha anche dato vita ad un poco memorabile supergruppo.

Live At The Red River Saloon è invece un doppio cd live che vuole riportare tutto a casa e mostrare il sound pochi fronzoli e molto sudore che i suoi Wildflowers sanno creare dal vivo. Il clima è quello tipico da bar-band: si sale sul palco di un piccolo locale sperduto in Germania (siamo a Heilbronn, non lontano da Abstatt, sede della benemerita etichetta Blue Rose, che guarda caso pubblica il tutto), non ci si cura del fatto che anche dagli sparuti applausi tra un brano e l'altro si evince che il pubblico non abbia sorpassato le 50 unità, e si presentano una lunga serie di rock-songs che parlano di epica del quotidiano (Where I Live, Hell Of A Life), amori sinceri (Brothers, Carol) e, manco a dirlo, di venerdì sera passati a dimenticare la propria drammatica working-week (Another Friday Night). Non dobbiamo essere noi a spiegarvi pregi e difetti di un prodotto del genere, il fine di tutto è documentare l'esistenza di una band e del suo songbook, la storia probabilmente si fa altrove, ma se dovessero mai capitare in Italia, Live At The Red River Saloon potrebbe davvero essere il "the best" ideale della band per convincervi ad affrontare qualche chilometro per un po' di birra e qualche buona canzone da rimettere nello stereo come Snowing In Nashville o Just In Case.

Se avete bisogno di un riferimento, prendete pure a modello il recente live dei Cheap Wine, anche se qui la chitarra di Kevin Kane non ruba la scena come quella di Michele Diamantini, ma come in quel caso anche qui c'è l'immancabile cover di Springsteen (Atlantic City, dignitosa, anche se ne esistono troppe versioni ben migliori ormai), oltre ad una simpatica rilettura di un Tom Petty minore (Swingin'). Forse anche noi non abbiamo più la forza di farci bastare questo per gridare al miracolo, ma nella sua sincera "aura mediocritas" (che non vuol dire mediocrità, quanto "moderazione" o giusto mezzo), questo rock continua ad essere importante e ne continueremo a parlare, con il grosso sospetto che resteremo gli ultimi e gli unici a farlo.
(Nicola Gervasini)

www.leeroystagger.com
www.myspace.com/leeroystagger

CALVIN RUSSELL: Le Voyageur Monografia in suo ricordo

2011-06-11T23:49:00.002+02:00

“Sono nato dalla parte sbagliata delle rotaie, con sempre qualcuno che m’insegue, sempre sulla lista nera per qualcosa” (Behind The 8 Ball)

Appare evidente come ben pochi giornalisti si siano occupati di Calvin Russell, perché a ben guardare, nei vent’anni e poco più di carriera che il destino gli ha concesso, nessuno è riuscito mai a scavare veramente nel suo passato. Ormai è tardi per chiedersi cosa abbia realmente combinato nei primi quarant’anni della sua vita questo cowboy di Austin, lo scorso 3 aprile infatti il solito maledetto cancro si è portato i suoi segreti nella tomba, e oggi siamo qui a tributargli questo mesto saluto. Ricordiamocelo allora così Russell, secondo una biografia che sa più di leggenda che di realtà, che lo vuole già chitarrista in una band (i Cavemen) nel 1961 a soli 13 anni, e poi girovago per gli Stati Uniti su una Harley Davidson per lungo tempo, fin quando le cronache lo attestano galeotto nelle prigioni del New Mexico nell’inverno del 1985. 24 anni di buco biografico in cui magari ci ha preso tutti in giro e ha in verità fatto l’impiegato delle poste o l’esattore delle tasse, perché in qualche modo avrà pure tirato a campare quest’uomo, e ci sarebbe anche da chiedersi come mai ad Austin nessuno gli abbia mai dato credito anche quando poi per quattro anni ha cercato un contratto discografico e ha rotto le scatole a tutti per poter aprire i concerti di Townes Van Zandt. Invece i tedeschi della Blue Rose nel 1989 gli hanno creduto subito e gli hanno pubblicato senza batter ciglio il primo disco, presentandolo a tutti come l’outlaw definitivo, l’avanzo di galera che gli anni 70 non hanno avuto l’occasione di scoprire. Era simpatico anche per questo Calvin Russell, perché a 40 anni aveva il viso scavato di chi ne aveva già viste di tutti i colori, perché era il tipico texano che probabilmente s’ispirava più agli spaghetti western che alla vera moda della sua terra per presentarsi al pubblico, e perché, comunque sia, era solo un avanzo di magazzino della bella e sfortunata scena del nuovo roots-rock di Austin di fine anni 80. Quando uscì A Crack in Time nel 1990 in Italia, come in Europa, non potevamo credere che gli americani neanche volessero distribuire un disco così perfettamente yankee, in cui il mito americano del fuorilegge on the road era così perfettamente spiegato in chiare e dirette parole. Aveva il dono della semplicità Calvin Russell, andava dritto al concetto, “parlava come la gente comune” direbbe qualcuno, soprattutto quando prendeva le distanze dall’incomprensibile mondo politico americano. Ma soprattutto aveva la capacità di azzeccare le metafore per illustrare la propria poetica dell’insuccesso, come quella dell’uomo nato a ridosso della palla numero 8 del biliardo descritta in Behind The 8 Ball, vale a dire quella sfortunata posizione in cui è matematicamente impossibile non fare mosse sbagliate. L’ineluttabilità del destino avverso alla gente comune resta la tematica su cui ha costruito una carriera, con nessuna concessione alla speranza, anche quando in Crossroads ammetterà che le possibilità di fare la mossa giusta ci sarebbero, perché capita di finire ad un crocicchio e dover scegliere tra strade che portano alla libertà o al paradiso, ma anche in quel caso il fato beffardo le rende perfettamente uguali a quelle che portano al dolore, al sacrificio o alla vergogna, lasciando nessuna chance di una scelta consapevole e ottime probabilità di sbagliare strada. In questa sorta di versione rock della legge di Murphy c’era comunque sempre un nemico con cui prendersela, ed erano i “loro” del potere, quelli che cercavano di controllarlo (Big Brother), quelli che si potevano combattere solo a colpi di rock and roll (All We Got Is Rock And Roll), quelli che non potevano comunque capirlo e salvarlo dai suoi demoni interni (Nothin’ Can Save Me). In ogni caso nei suoi testi c’era sempre quel fiero autocompiacimento dell’uomo alternativo, sempre “contro”, contento di fare della propria vita disgraziata un mito da raccontare (A Crack In Time, My Way e This Is My Life è il trittico che nel primo album ci presenta il personaggio in questi termini). A Crack In Time, nonostante qualche pecca produttiva, resta ancora oggi un disco perfetto anche per la sua grande varietà, un mix di southern-rock (con Living At The End Of The Gun si sfora in piena zona ZZTop), cantautorato (appare Nothin’ di Townes Van Zandt, e non resterà l’unico omaggio reso al maestro), country di Nashville (Moments). L’Europa applaudì convinta, l’America restò sorda, allora la Blue Rose insistette, confermando la squadra capitanata dal produttore Joe Gracy e forte di un chitarrista rumoroso e giustamente poco attento ai particolari come Gary Craft, e pubblicando il sorprendente Sounds From The Fourth World. Logica prosecuzione del primo lavoro, il disco gode di un sound più definito e di una distribuzione più capillare, stavolta anche in terra patria, e anche se parlare di successo resta sempre un eufemismo, è comunque con questo disco che il nome di Calvin Russell comincia a circolare nei salotti buoni della musica rock. D’altronde quando si azzecca una canzone come Crossroads, 7 minuti acustici di pura filosofia da strada, si potrebbe anche evitare di azzeccare il resto, ma tra queste dieci canzoni comparivano una Last Night di Rich Minus da applausi, rock trascinanti come May Be Someday o le sue solite riuscite metafore della sfiga umana (One Meat Ball). Tra graffiate politiche (Rockin The Republicans dichiara senza mezzi termini la propria non-parte) e ballate romantiche (Baby I Love You è semplice e perfetta), il disco non presentava in verità nessuna novità rispetto al predecessore, anzi già forse evidenziava qualche cartuccia leggermente bagnata, ma Russell rappresentò in quel momento il sogno europeo di poter avere un mito di frontiera come quello americano all’indomani degli anni 80 che conosciamo e poco prima dei depressi anni 90.

L’America continuò a non applaudire, ma almeno ad Austin i colleghi si accorsero di lui, è per produrre Soldier si fece avanti nientemeno che Jim Dickinson, che non cambiò la band di base (ci aggiunse solo il mandolino del figlio Luther), e probabilmente questo fu il suo errore. Nel tentativo di razionalizzare il suono veemente e sporco dei primi due dischi, Dickinson tentò infatti di alzare le chitarre acustiche, con il risultato che il suono né uscì poco incisivo, per non dire loffio. Si aggiunga il fatto che, in mancanza di una nuova Crossroads, il songwriting di Russell cominciò ad evidenziare i propri limiti, sebbene poi nel proseguo della sua carriera egli dimostrerà di amare molto brani come la title-track, Rats & Roaches o This Is Your World, che finiranno spesso nelle scalette dei suoi concerti. Soldier però non ottiene il successo sperato, e Russell decide allora di provare a cambiare i giocatori del team. Dream Of The Dog esce nel 1995 con la produzione di Mike Stewart, fratello del grande songwriter John Stewart e produttore di opere di successo come Piano Man di Billy Joel. Ma la sua scelta fu solo una delle condizioni poste dal chitarrista Jon Dee Graham, che aveva conosciuto Stewart perché produttore del primo mitico disco dei suoi True Believers, band omaggiata anche in questo album con la ripresa di So Blue (About You), uno scarto del mai pubblicato secondo disco della band. La presenza di Graham pesa sul disco nel bene e nel male, è in grado di nascondere qualche pecca compositiva o qualche cover non proprio adatta alle sue corde (It’s My Life degli Animals), diventa protagonista assoluta nella selvaggia All We Got Is Rock And Roll, ma alla fine non cambia l’economia del risultato. Dream Of The Dog è un buon disco, ma a quel punto a seguirlo eravamo già rimasti in pochi fedeli adepti. Il capitolo finale della nostra storia arriva nel 1997, quando Russell ci riprova con Jim Dickinson e assolda nientemeno che Chuck Prophet per quello che risulterà essere il suo disco migliore come suono. Peccato che Calvin Russell, disco registrato a Memphis e formalmente perfetto, finisse per evidenziare come non mai la perdita della mano del Russell scrittore, e alla fin del disco si finisce per ricordare più volentieri le due cover (il solito Townes Van Zandt di Mr Mudd And Mr. Gold e una sorprendente Desperation degli Steppenwolf). Resta comunque l’ultimo disco del nostro consigliabile per chi voglia recuperare la sua storia, ma da qui in poi ci siamo tutti fermati. La carriera di Russell è continuata con persistente successo solo in Francia, dove persino dischi davvero bruttini o inutili come Sam (1999), Rebel Radio (2002) o In Spite Of It All (2005) hanno continuato ad avere un seguito. Ultimamente lo stavamo lentamente riabbracciando, perché Dawg Eat Dawg del 2009 la buttava sul blues e la mossa non sembrava neanche così sbagliata (ci aveva provato anche il precedente Unrepentant, ma con esiti imbarazzanti), e perché il più recente live Contrabendo ha fatto in tempo a ricordarci che l’uomo sarà magari stato un fanfarone, ma ci sapeva comunque fare. Per cui addio Calvin, un giorno forse andremo tutti ad Austin a spiegare ai texani che cosa si sono persi non dandoti troppa retta. Oppure continueremo così, felici di considerarti “cosa nostra”, con la stessa strafottente sicumera che solo i francesi sanno avere quando decidono di avere ragione.

Nicola Gervasini

FELICE BROTHERS - Celebration, Florida

2011-06-08T22:16:00.000+02:00

Quale sarà il sound delle radici degli anni 10? Ok, sono appena iniziati, per cui inutile fare previsioni precise, ma intanto in questo periodo stiamo assistendo ad una vera e propria gara (a eliminazione?) a chi tra i gruppi cardine del decennio scorso troverà l'idea-bomba che faccia epoca. Si dirà che in genere le rivoluzioni sono appannaggio degli esordienti, mentre invece i Bright Eyes, gli Okkervil River, i My Morning Jacket, o gli stessi Felice Brothers qui giunti ormai al quinto capitolo della saga, sono a tutti gli effetti ormai dei veterani della roots-music moderna, e al massimo costituiscono il governo in carica da abbattere e non le nuove leve pronte a levare nuove barricate. Eppure tutte queste band sono accomunate da una congiunta svolta verso una nuova concezione della roots-music che abbandoni la gabbia (soporifera? abusata? vecchia?) del freak-folk/nu-folk depresso e intimista che ha imperversato negli ultimi dieci anni, a favore di un recupero della varietà di stili/strumenti/arrangiamenti che fu caratteristica amata/odiata della grandi produzioni degli anni 80.

I Felice Brothers si allineano così alla costruzione di strutture imprevedibili, dove una splendida roots-ballad sbilenca come Ponzi si trasforma improvvisamente in un giro da discoteca da primi anni 80 che ricorda (volutamente?) la Fade To Grey dei Visage (!). Potrebbe sembrare una provocazione buttata lì per fare un po' di rumore, ma tutto questo Celebration, Florida sembra forzatamente impegnato a cercare l'idea mai avuta da nessuno, a complicare ciò che è semplice, a forzare ciò che di solito veniva naturale. Come dire che è venuta prima l'idea di fare un "album diverso" della vera ispirazione su come farlo. Il risultato è qui da sentire, potremmo scrivere intere pagine a difesa del fatto che la band dimostra anche in questa occasione di avere comunque una marcia in più in termini di scrittura, che brani come Honda Civic o la straordinaria River Jordan che chiude l'album possono essere considerati tra le cose migliori uscite dalla loro fabbrica, ma non basterà a nascondere il fatto che nel suo complesso l'album ha pienamente fallito il tentativo di segnare una nuova partenza per la band all'indomani dell'abbandono del talentuoso Simone Felice.

Perché qui le idee sono tante, ma tutte confuse, come l'uso a casaccio che viene fatto di cori e fiati (Fire at The Pageant e Cus's Catskill Gym), o il fatto che anche quando cercano la loro tipica ballata trascinata e melmosa, finiscono nell'ordinario (Best I Ever Had). Quello che c'è da salvare lo abbiamo già detto, la speranza è di poter parlare in futuro di Celebration, Florida come di un incidente di percorso utile alla causa, come quando le grandi squadre trovano lo stimolo giusto per vincere un campionato solo dopo aver preso 3 gol dall'ultima in classifica. Di solito in quei casi aiuta anche cambiare l'allenatore, il fidato Jeremy Backofen (con loro da 4 album) sembra aver davvero perso il controllo dello spogliatoio.
(Nicola Gervasini)

FREEMAN DRE & & The Kitchen Party - Red Door 2nd Floor

2011-06-03T07:25:00.002+02:00

Sulla scia dell'eterno dubbio se sia nato prima l'uovo o la gallina, la questione se Tom Waits abbia creato di suo uno stile, o se sia da considerare lui stesso solo una delle più singolari espressioni di tutte quelle tradizioni che ha saputo ben miscelare, rimarrà insoluta. Certamente qualsiasi recensore anche in erba non potrebbe fare a meno di citarlo quando nel lettore arrivano cd come Red Door 2nd Floor di Freeman Dre & The Kitchen Party, un po' per la voce roca e sofferta del padrone di casa, un po' per quel mix di musica da strada, jazz, blues, roots-music e influenze balcaniche varie offerto dal combo, che non può non rimandare al mondo waitsiano degli anni 80. In questo scenario è interessante la definizione che loro stessi danno alla loro musica, "city-folk", come se volessero in qualche modo negare l'aspetto rurale della loro proposta, nonostante un brano come Went To Town potrebbe tranquillamente essere una cover dei Jayhawks rifatta in versione gutturale. La città che ispira il loro city-blues è Toronto, ma quella di adozione è ovviamente New York, che loro bazzicano abitualmente sia per locali che per le strade.

La struttura dei Kitchen Party infatti è quella di una tipica road-band con strumenti acustici e di fortuna, contrabbasso e fisarmonica di ordinanza, chitarre fintamente scordate e mandolini. Eppure nella proposta affiorano anche brani di struttura decisamente mainstream (ad esempio These Walls, una delle poche a sciorinare una elettrica tipicamente blues), con un risultato a metà tra una band blue-collar come i Great Crusades (la voce di Dre - vero nome Andre Flak - davvero somiglia a quella di Brian Krumm) e un cantautore con voce profonda a vostra scelta (Magdalena è una ballatona che potremmo anche trovare in un cd di Jon Dee Graham). Se il risultato appare comunque curioso è proprio perché la band sa spaziare molto nei generi, se è vero che l'album si apre con uno pseudo-country zoppicante come Oak Tree, per continuare con la triste fisarmonica mittleuropea di Six Hundred Feet o la baldanzosa Babylon, che sembra il parto dei Pogues in gita a Sofia.

In ogni caso i ragazzi forse non faranno scena e paiono un po' la versione normalizzata dei Gogol Bordello, ma un brano come Let's Take The Show On The Road, con il suo ritmo circense, resta un bell'esempio di dove possono arrivare dei bravi artigiani della musica fai-da-te. Poi come sempre il gioco dopo un po' si svela e qualcosa in intensità si perde (Saturday Night In Parkdale, per quanto suggestiva, è davvero una di quelle ballate che qualsiasi cantautore del globo ha in repertorio, mentre Needle in Your Eye non riesce proprio a decollare). Prima di passare ad altro, date un'occhiata anche ai testi, e annotate che nella girandoli di stili passa anche un gospel (It's Good To Have Faith In The Lord), un delta-blues acustico alla Cooder (Funny Situation) e un saltellante brano in polacco (Do Widzenia) su cui potrete esercitare la vostra nota maestria nei balli dell'est.
(Nicola Gervasini)

freemandreandthekitchenparty.bandcamp.com
www.myspace.com/freemandrethekitchenparty

SUSAN JAMES - High-ways Ghosts Hearts & Home

2011-05-29T20:10:00.001+02:00

"Ti prego Mr.Zimmerman, aiutami a scrivere questa canzone, la sbaglio sempre, tu trovi sempre il verso giusto, io esco sempre fuori tempo, ti prego!". Basterebbe la strofa conclusiva del brano Calling Mr Zimmerman per archiviare questo High-ways Ghosts Hearts & Home tra i mille dischi di autori minori in cerca dell'ispirazione dei grandi. Certo, quella invocazione la potrebbe scrivere qualunque cantautore degli ultimi 40 anni, anche quelli di primo livello, ma in questo contesto assume un significato di totale ridimensionamento del songrwritng di Susan James. Lei è una cantautrice che negli anni '90 è andata vicino all'assumere un ruolo importante nella rinascita del cantautorato al femminile, con uno stile che univa un'impostazione country a velleità d'avanguardia (per il secondo album Shocking Pink Banana Seat il Musician Magazine tirò in ballo i Joy Division), tanto che il suo terzo album Fantastic Voyage del 1998 è ancora oggi un coraggioso (era un doppio album) e consigliabile esempio di quel gusto per la sperimentazione e il cross-over di stili tipico di quel decennio.

Da allora la James ha passato il tempo in altre occupazioni, prima di ributtarsi on the road (come ben evidenzia la copertina) assemblando una nuova band formata da Paul Lacques, Paul Marshall e Shawn Nourse degli I See Hawks in LA, il violino di Gabe Witcher dei Punch Brothers e le tastiere di Danny McGough degli Shivaree, e registrando con loro il suo come-back album dopo ben 13 anni di silenzio. Perse per strada tutte le ambizioni sperimentali dei suoi primi album, la James ha voluto invocare la musa Dylan per scrivere 11 brani di struttura classicamente country-rock, forzandosi anche di usare la sua particolare voce in puro country-chick-style, annullando totalmente i particolari vocalizzi che caratterizzavano le sue opere giovanili.

Il risultato è un disco quadrato, fin troppo calligrafico, in cui anche gli episodi migliori (Falling Waltz 2 piacerebbe a Mary Gauthier, Out In The Woods invece cerca Lucinda Williams) hanno sempre l'aria di non avere comunque mai la statura del classico. Niente di male, il disco ha dei bellissimi suoni e la band gira che è una meraviglia, ma l'impressione è che quando si cala in country-ballad di stampo classico come Thank You Tomorrow o Cold Moon On The Highway, la James lo faccia sforzandosi di soffocare la voglia di andare oltre schemi rassicuranti e consolidati. High-ways Ghosts Hearts & Home sta già piacendo al mondo di Nahsville, e non c'è da meravigliarsi, ma l'impressione è che il Dylan a cui si è rivolta sia quello grigio e compassato di Self Portrait, il suo disco più nashvilliano, e che certamente quello che abbiamo in mente noi non avrebbe scritto versi come "un altro mal di cuore che taglia come un vecchio coltellino militare svizzero"..
(Nicola Gervasini)

www.susanjamesmusic.com
www.myspace.com/susanjamesmusic

SLOAN - THE DOUBLE CROSS

2011-05-25T20:53:00.001+02:00

Non raggiungono il culto dei Blue Rodeo o dei Tragically Hip, ma fin dal 1991 gli Sloan sono una specie di intoccabile istituzione in Canada. Come spesso succedeva in quegli anni fu proprio il sogno di sfondare negli Stati Uniti che spinse la band fondata da Chris Murphy e Andrew Scott a cercare e ottenere un remunerativo contratto con la Geffen che fruttò al loro album d’esordio (Smeared) un posto nella Billboard americana in piena grunge-invasion. Ma fu proprio la voglia di non confondersi con mondi lontani (non che Seattle sia poi così lontana dal Canada….) che spinse la band a imporre un secondo disco che la Geffen giudicò anti-commerciale e, per ripicca, pubblicò senza promozione. Spin ai tempi scherzò sul fatto nominando quel secondo album (Twice Removed) “Il miglior disco che non avete sentito del 1994”, ma da allora i quattro sono rimasti come tanti confinati nel rassicurante quanto limitato mondo canadese. The Double Cross è il decimo album di una storia all’insegna della coerenza e della stabilità (la formazione è oggi ancora quella degli inizi, fatto tutto sommato straordinario), nonostante le asprezze rumoriste degli esordi si siano ormai perse (qualcuno li descrisse come “i Sonic Youth che suonano i Beatles”), mentre si conferma la voglia di spaziare tra generi diversi a cavallo tra pop inglese (Follow The Leader, Beverly Terrace) e rock classico (la riffatissima Unkind), con punte persino nel sixty-sound (She’s Slowing Down Again e la spettacolare Traces) e nel garage-rock (It’s Plain To See). Una tavolozza variopinta che impedisce un po’ di dare una definizione precisa alla band e che forse i quattro pagano in termini di mancanza di personalità, visto che alla fine è difficile riconoscergli un marchio di fabbrica chiaro come quello ad esempio di band a loro molto simili come gli Spoon. In ogni caso tutti i brani riescono ad entrare bene nelle vesti cucite addosso con lavoro certosino, persino quando scelgono la via della folk-song acustica (Green Gardens, Cold Montreal, che piacerebbe molto a Bruce Cockburn), strani pastiche di Beach Boys e ritmi dance (Your Daddy Will Do) o purissimo power-pop (I’ve Gotta Know). In altre parole, un discreto bigino rock per tutti i gusti.

Nicola Gervasini

L/O/N/G - American Primitive

2011-05-22T09:09:00.001+02:00

Considerando che è in vista anche un’attesa reunion dei Walkabouts, la prolificità artistica di Chris Eckman è ormai senza limiti. Non si ha ancora avuto il tempo di metabolizzare le sue ultime produzioni e di capire davvero la portata innovativa del progetto afro-euro-roots dei Dirtmusic, che eccolo che ce lo ritroviamo di nuovo immerso nei studi Zuma di Lubjana a partorire una nuova creatura chiamata L/O/N/G. La sigla nasconde la sua collaborazione con il compositore austriaco Rupert Huber, personaggio a metà tra musica d’avanguardia, elettronica e classica, che ha ideato una sorta di concept album tutto basato sulla perdita dell’innocenza dell’uomo adulto. Il tutto è infatti concepito secondo l’appiglio filosofico del concetto di “nuova barbarie della riflessione” di Giambattista Vico, filosofo partenopeo che vedeva il progresso come qualcosa di pericoloso se slegato dallo studio della storia dell’uomo (l’unica vera scienza che vale la pena studiare a fondo secondo il suo libro La Scienza Nuova), tanto da identificare nella perdita di memoria storica la vera causa dell’imbarbarimento progressivo dell’uomo e della sua ragione. Un concetto attualissimo visti i tempi, e che Huber ha voluto ricreare nel fatto che anche per l’individuo, la perdita della memoria del nostro essere stati bambini è la vera causa dell’impoverimento umano e della depressione in età adulta. Concetti difficili e ben poco rock, che Eckman ha voluto comunque trasformare in un disco che unisce sia le atmosfere dark dei Dirtmusic (spogliate ovviamente dell’elemento etnico), sia le sperimentazioni mitteleuropee già sentite nel suo precedente The Last Side Of The Mountain. Registrato con una lunga lista di musicisti slavi, American Primitive è un disco non facile, che unisce strumentali d’atmosfera (Longitude Zero) a notevoli brani compiuti (la tilte-track, o la splendida Dust), con momenti vicini alla roots-music americana (Shoot Your Dog) ma anche sperimentazioni elettroniche (ben riuscita in tal senso la ritmata Land Of The Lost o una Shame This Darkness che deve molto a Steve Wynn), mezzi-blues elettronici ricodificati (Stockerau). American primitive è un disco a tratti molto bello anche se di non immediata presa, con qualche passaggio forse troppo cerebrale, ma è anche vero che chi segue Eckman ha ormai abbandonato il concetto di classic-rock da tempo.

Nicola Gervasini

BART DAVENPORT - Searching For Bart Davenport

2011-05-18T14:13:00.001+02:00

Bart Davenport
Searching For Bart Davenport
(Tapete Records 2011)

Cercando Bart Davenport potreste trovare un cantautore dolcemente indie e soft che dal 2002, a suo nome o con il progetto degli Honeycut, alimenta l'affollatissimo mondo del new-folk. Cercando bene potreste anche riscoprire i suoi vecchi dischi, giusto per capire il senso di questa sua quinta opera, che trattasi del più classico "tutte le canzoni che avrei voluto scrivere io"-album. Bart infatti spiega nelle note di copertina che questi 12 brani rappresentano i modelli che gli sono stati utili per poter costruire nel tempo il suo personale stile da songwriter. Ce n'è per tutti i gusti quindi, dal memorabile Caetano Veloso di Maria Bethania al Bert Jansch di Ramblin's Gonna Be The Death Of Me, classici degli anni 60 come Wonder People (I Wonder) dei Love o You Get Brighter della Incredible String Band (è Mike Heron il suo vero eroe ci confessa), fino a omaggi recenti come Cayman Islands dei Kings Of Convenience. Il pregio di questo disco, nella sua totale inutilità storica, è quello di unire generazioni ed ere musicali diverse (passiamo da Jackson C Frank a David Byrne fino a Broadcast e Gil Scott-Heron senza colpo ferire) riuscendo ad amalgamarle in un lavoro unitario e piacevole. Di più non si poteva chiedere al millesimo cover-record di questo millennio
(Nicola Gervasini)

www.bartdavenport.com

BRUCE COCKBURN - Small Source Of Comfort

2011-05-16T22:57:00.001+02:00

Comincia a tirare aria di casa anche nei dischi del più indomito viaggiatore della musica folk, una voglia di cercare quella "piccola fonte di comfort" che la vita da reporter mondiale della sei corde forse non gli ha mai riservato. Small Source Of Comfort è di fatto il primo album di Bruce Cockburn che non dà più l'idea di movimento perpetuo, di continua ricerca musicale, di eterna odissea nelle piaghe del mondo. L'abitudine di documentare data e luogo di scrittura dei brani continua sempre, ma stavolta il clima generale è quello di un salotto di casa, di un uomo in pantofole, di un sospiro di sollievo serale dopo una giornata intensa. Mancava nella discografia di Cockburn un disco del genere, e forse già questo basta a renderlo necessario, visto che già qualche sperimentazione di You've Never Seen Everything del 2003 scricchiolava e Life Short Call Now del 2006 dava l'impressione che il navigante avesse perso un po' la bussola.

Fedele alla tradizione che vuole molte delle copertine dei dischi di Cockburn aberranti per grafica e stile, Small Source Of Comfort è una raccolta di brani molto brevi, non presenta ad esempio quei suoi tipici lunghi reportage parlati alla Postcards From Cambodia, ma cerca la via di melodie semplici e immediate come The Iris Of The Worldo Call Me Rose (satira politica che s'immagina un Richard Nixon divenuto donna per riabilitarsi), quasi delle pop-songs più in linea con la sua produzione anni 80 che con le sue opere più recenti. E soprattutto è forse il disco dove più che in altre occasioni regna la sua chitarra acustica, incontrastata, con rarissimi momenti in cui prende il sopravvento l'elettricità (accade nella bella e bluesata Five Fifty-One). E' anche l'album dove i testi finiscono spesso in secondo piano (Boundless però è notevole in tal senso), dove su 14 brani, ben 5 sono strumentali, e state pur certi che se si dovesse tagliare il repertorio non sarebbero certo quelli a cui rinuncereste, quanto magari a qualche inevitabile episodio minore (la faticosa Each One Lost ad esempio).

Il bellissimo arpeggio in fingerpicking di Bohemian 3-step, il divertente balletto con lo splendido violino di Jenny Scheinman di Lois On The Autobahn e ancor più della trascinante Comets Of Kandahar, o le atmosfere nordiche diParnassius And Fog e Ancestors, sono proprio in questi titoli senza testi il meglio di questo lotto, il segno forse che ormai uno dei nostri cantastorie preferiti parla meglio in silenzio e muovendo solo le dita. Non è un disco importante Small Source Of Confort, è semplicemente il miglior modo di raccontare la voglia di godersi la propria solitudine, un isolamento che, secondo quanto dichiarato nelle note dell'album, avrebbe dovuto dar luce ad un album elettrico e pieno di rumore alla Le Noise di Neil Young, e che invece si è trasformato in una specie di ritorno al soft-sound dei suoi primissimi album. E forse è andata meglio così.
(Nicola Gervasini)

WADE LASHLEY - Come On Sundown

2011-05-14T18:57:00.002+02:00

La copertina del precedente capitolo della storia di Wade Lashley (il deliziosoSomeone Take The Wheel) mostrava una strada che mirava al più classico degli orizzonti a perdere degli Stati Uniti, ma non era dato sapere con quale mezzo la si stesse percorrendo. Sulla destinazione però non c'erano dubbi: il viaggio volgeva al sud, così come dichiarato dal brano di apertura del disco (Turn Around South Bound), ma anche da uno stile che pagava il pegno al più classico roots-rock di marca texana. Come On Sundown, poco più di due anni dopo, ci svela finalmente che a viaggiare sulle highways americane è un vero bisonte della strada guidato da un vero cowboy moderno, ma che il viaggio nel frattempo ha seguito una decisa svolta verso Nashville, in Tennessee. Ne sta facendo davvero parecchia di strada il nostro Wade, autore originario dell'Indiana che ha deciso tardi di concedersi una carriera da songwriter indipendente, ma che ora sembra proprio stia recuperando il tempo perduto.

Nonostante il taglio decisamente più country-oriented del predecessore, Come On Sundown appare fin dai primi ascolti come un opera più personale, in cui il suo vocione baritonale comincia ad assumere lo status di inconfondibile marchio di fabbrica, e soprattutto si nota un'ulteriore maturazione in sede di scrittura. Lashley non è uomo da grandi sorprese, il suo pregio maggiore è quello di non voler mai strafare, di non uscire mai dalle righe, e questo suo essere stilisticamente rassicurante suona paradossalmente non come un difetto, ma come la ragione dell'irresistibile appeal di queste 10 semplici canzoni. Ben prodotto insieme a Jeff Lushby, registrato con i fidi Brad Bays (chitarre e mandolini), Keith Gomora (basso) e Ethan Rea (batteria), e impreziosito dagli interventi della fisarmonica di Mike Seitz e la pedal steel di John Reuter, l'album alterna bene momenti riflessivi (la partenza di Virginia Take Your Leave è decisamente malinconica, The Reasons Why un'altra ballatona assai ispirata) ad altri più elettrici (Hands Of Time potrebbe comparire anche su un disco di Shooter Jennings, Cross The Wire torna per un attimo a scavare nella roots-music di Austin).

E' con Mountain Moonlight Song che Lashley mischia bene arte del songwriting e tradizione country, ma è con Too Far Gone che tira fuori l'asso dalla manica con un brano melodicamente perfetto. A partire da qui si torna a sud, lo stile si fa leggermente più southern-rock, e non è difficile immaginarsi la voce di un membro della famiglia Van Zant cantare una Ricochet o una Determined Man, prima di chiudere con una title-track che sa di West-Coast anni 70 e una Wings To Fly che potrebbe venire dal repertorio di Johnny Cash. Come On Sundown non rivoluziona nulla, è semplicemente un bel road-record che può stazionare nella vostra macchina a lungo. Astenersi amanti della vita sedentaria e rockers malati della sperimentazione a tutti i costi.
(Nicola Gervasini)

www.wadelashley.com
www.myspace.com/wadelashley

ELIZABETH COOK - Welder

2011-05-10T20:47:00.002+02:00

Negli States Elizabeth Cook ha fatto molto parlare di sé nel 2010 con questo Welder (suo quinto album), noi invece spendiamo poche parole solo ora. E' solo che davanti ad un menu che prevede la produzione di Don Was (il recente disco di Lucinda Williams ha reso bene l'idea di quale valore aggiunto possa essere la sua presenza), una band di super-session-men di Nashville (spicca la sei corde di Tim Carroll), e le partecipazioni straordinarie di tre icone della country music che conta (e ci piace) come Rodney Crowell, Buddy Miller e Dwight Yoakam, c'era da aspettarsi perlomeno un disco importante. Invece dietro le belle e lunghe gambe sapientemente sfoggiate nelle foto del libretto, dietro una produzione impeccabile ma priva di qualsivoglia slancio creativo (o forse dobbiamo considerare tale il country-rap di El Camino?), dietro bar-songs come Yes To Booty che sembrano cantate da una country-chick che al massimo si ubriaca con la Coca-cola, dietro ben 14 brani che servono solo ad evidenziare le poche doti espressive della voce della Cook, Welder ha poco da offrire se non una minestrina country più che riscaldata. Ecco, l'abbiamo detto.(Nicola Gervasini)

www.elizabeth-cook.com

PAT ANDERSON - Magnolia Road

2011-05-09T11:16:00.002+02:00

Pat Anderson
Magnolia Road
[Cross Country Record 2011]

Ogni tanto ci vuole un Pat Anderson "qualsiasi" che esordisce ancora in pieno 2010 con il più classico dei roots-record, uno dei mille cantautori a metà strada tra rock blue-collar e country di Nashville. Ci vuole perché, se è vero che sul campo le idee nuove sono finite da tempo e i clichès sono inossidabili e cementificati, è pur vero che avere qualche forza fresca fa sempre bene alla causa. Pat Anderson a Nashville ci è arrivato come tanti per cercare fortuna e audience, ma lui è un vero Okie (originario dell'Oklahoma) che ha girato l'America prima di trovare l'occasione giusta. Prendete dunque Magnolia Road per quello che è, il disco che farebbe Chris Knight se decidesse di ingentilire il suo sound, e neanche poi troppo, visto che qui a rockeggiare il sound ci pensa il prode guitar man Will Kimbrough, una garanzia di produzione professionale lui stesso, così come tutti i validi comprimari coinvolti nel disco (Nick Buda alla batteria, l'ex-Jayhawks e Last Train Home Jen Gunderman alle tastiere, Tim Marks al basso e Rob McNelley all'altra chitarra). Va sottolineata inoltre la produzione dell'esperto Chad Carlson, uno che sul caminetto ha un Grammy vinto per i servigi tecnici offerti a Taylor Swift, giusto per capire da dove viene questo suono così pieno, pulito e perfettino, forse penalizzante negli episodi più da bar come Six Spent Shells, che magari avrebbero avuto ben altro impatto con un minimo di sana improvvisazione in più.

Ma è innegabile che Magnolia Road sia uno di quei casi in cui l'artista risalta soprattutto grazie ad una produzione di primo livello, perché prese singolarmente le composizioni di Anderson hanno dalla loro la tipica potenza lirica delle opere prime, ma contro anche una mancanza di evidenziabili spunti personali. Lui stesso dichiara di aver voluto seguire la tradizione folk nei racconti da puro heartland rock di Bullit County Cage (con la sua storia in pure stile Nebraska) o della coinvolgente Martinsville. Per il resto i trucchi sono soliti, tra mid-tempo buoni per viaggi in macchina (Follow Me Down, The Hometown Blues) che sono quel genere di buone canzoni al limite dell'FM sound che ad un Jack Ingram non riescono più così da tanto bene.

Quando il ragazzo si butta sulla ballad il feeling è quello giusto, ma affiorano inesorabili i limiti in fase di composizione (She's The One, la stessa Magnolia Road), e non convince al 100% anche il singolare tentativo di trasformare l'hit springsteeniana Dancing In The Dark in un country-folk da crocicchio di strade, non tanto per colpa del brano (che ha comunque un testo oscuro quanto basta per diventare un mezzo-blues), quanto perché l'interpretazione finisce per tradire un eccessivo formalismo. In ogni caso, se siete costretti a laboriose cernite tra i mille losers solitari di Nashville, Pat Anderson potrebbe stare nella schiera di quelli da prendere in considerazione.
(Nicola Gervasini)

www.patandersonmusic.com

NEXT STOP IS VIETNAM....

2011-05-05T20:03:00.002+02:00

Autori Vari
…Next Stop is Vietnam 1961-2008
[Bear Family - Box 13CD 2010]

Il Vietnam, la guerra nel Vietnam, intesa come un unico immaginario, costruito e diramatosi nel conflitto e allargatosi fino a stravolgere la natura stessa dello spirito americano, del "destino manifesto", piuttosto che dei miti della frontiera è il nucleo originario da snocciolare se si vuole capire tutta l'evoluzione di una cultura (americana, e non solo; dell'informazione, e non solo) da allora a oggi. E' qui che …Next Stop is Vietnam 1961-2008, poderoso cofanetto della Bear Family, centra il bersaglio: parte, sì, dalla musica (sentita, prodotta o riferita a quegli eventi storici) ma si allarga a ricostruire tutta l'iconografia della guerra del Vietnam. Lo spettro comprende anche i discorsi ufficiali (in brevi e significative sintesi, per fortuna), riviste (dell'esercito e contro), locandine cinematografiche, memorabilia d'autore e paccotiglia propagandistica. Tutto nella prima metà cartacea (elegantissima, accurata), mentre in quella digitale (13 dischi) c'è tutta la storia attraverso le canzoni, da Masters Of War di Bob Dylan a Galvenston Bay di Bruce Sprigsteen (giusto per citarne un paio).

In una delle numerose note, Samuel G. Fredman scrive che il Vietnam "è stata la prima guerra ad avere una colonna sonora rock'n'roll". Il punto di vista è persino riduttivo: la cronaca del conflitto associando televisione e rock'n'roll diventò un incubo lungo dieci anni, e mai dimenticato, come racconta con una certa eloquenza …Next Stop is Vietnam 1961-2008 perché tutto era destinato a diventare un simbolo, un linguaggio, un luogo comune. Dai nomi delle operazioni militari (Rolling Thunder, solo per ricordare la più esplicita) a Bob Hope sui palchi delle forze speciali, dagli Zippo (esiste un bellissimo libro, molto pop, dedicato alla vita degli accendini nelle zone di guerra) ai graffiti sugli elmetti, per non parlare poi della creatività, abbastanza nota, del movimento contro la guerra.

Tutto quello che c'è da sentire, qui dentro risponde all'appello (manca Ohio di Neil Young, ma i curatori si scusano per non essere riusciti a ottenere i diritti, e questa la dice lunga sulla loro dedizione). Da leggere c'è solo l'imbarazzo della scelta, anche se un'occhiata a Rolling Vietnam è sempre obbligatoria. Da vedere, per capire cos'è stato il Vietnam e cos'è la guerra, basta Apocalypse Now. Lo spirito con cui è stato assemblato …Next Stop is Vietnam 1961-2008 è quello. Un oggetto "culturale" di rilevanza indiscutibile e anche una pietra miliare nelle produzioni discografiche degli ultimi anni.
(Marco Denti)

Tutti i dettagli di …Next Stop is Vietnam 1961-2008:
www.bear-family.de

Saigon State Of Mind
(a cura di Nicola Gervasini)

Una milanese di origini vietnamite mi raccontava che l'impressione che si ha viaggiando per il Vietnam nei giorni nostri è che tutto ciò che riguarda la guerra con gli americani sia stato in qualche modo cancellato e rimosso. La popolazione è oggi anagraficamente molto giovane, e nessuno pare aver voglia di guardarsi alle spalle. Anche perché - secondo lei - la vera guerra che nessuno ha voglia di riesumare non è stata quella con gli yankee invasori, quanto quella fratricida tra nord e sud, che ha vissuto proprio nel momento della dipartita degli americani il momento più tragico e truce, quando venne il tempo delle vendette personali e dei conti da saldare. Nella cultura statunitense invece la parola Vietnam continua a risvegliare sempre nuovi fantasmi. La ferita è talmente aperta, che un cofanetto di canzoni dedicate ad un avvenimento storico ufficialmente concluso nel 1975 può permettersi di spingersi fino al 2008 nel trovare nuove testimonianze in musica. Ed è solo perché bisognava trovare un limite che si sono fermati, perché poi a ben guardare qualsiasi canzone sulla guerra scritta in America negli ultimi quarant'anni, pensa a quella guerra. Willie Nile ad esempio ha confessato che il brano Now That The War Is Over, contenuto nel suo House Of Thousand Guitars del 2009, è stato scritto con il pensiero agli anni 70 e a quel conflitto, ma all'ultimo momento ha sostituito la parola "Vietnam" con "Pakistan" per renderlo più attuale. Scrupolo inutile probabilmente, perché poi a ben guardare di canzoni che pensano al Vietnam continuano ad uscirne più che di ogni altro scenario bellico odierno, forse perché è ancora presto per misurare l'impatto che gli avvenimenti più recenti hanno avuto sulla nostra vita, come invece ha potuto fare il Tom Russell di East Of Woodstock, West Of Viet Nam (brano del recente album Blood and Candle Smoke), in cui il vecchio cantastorie ricorda gli anni della perdita del suo "cuore adolescente" legandoli proprio a quegli avvenimenti. Ma non sono solo i rocker anziani a ragionare sempre in termini di Vietnam: Elvis Perkins nella sua Emile's Vietnam In The Sky(era su Ash Wednesday del 2007) si spinge a citare una frase di sua madre ("sai dove si va quando si muore?") pronunciata dalla sfortunata pochi giorni prima di morire davvero su uno degli aerei dell'11 settembre 2001, ma la immerge storicamente nella cupa atmosfera del Vietnam del periodo coloniale e della guerra di Indocina. E proprio la tragedia delle Torri Gemelle ha evidenziato quanto la guerra del Vietnam sia stata la vera svolta cruciale nella storia americana, perché invece di sostituirsi come shock culturale preponderante, ne ha rianimato l'interesse e le citazioni, come se anche il lutto nazionale dell'11 settembre potesse essere elaborato solo ripercorrendo il sentiero di Ho Chi Minh ancora un volta. Per dirla come l'avrebbe detta Billy Joel dunque, il Vietnam è uno stato della mente, neanche più un fatto storico. Di libri e cofanetti che raccontano come il rock e il Vietnam vivano sempre in perfetta simbiosi potremo leggerne ed ascoltarne ancora a lungo, forse fino a quando un'altra potenza egemone, un'altra cultura dominante, o un altro tipo di arte pregna della fresca carica comunicativa che fu del rock di quarant'anni fa, non troveranno un loro Vietnam.

Nicola Gervasini - Rolling Vietnam. Radiografia di una guerra (Pacini editore)
Lo speciale su Rolling Vietnam:
www.rootshighway.it/rolling.htm

compralo dall'autore

SOCIAL DISTORTION - Hard Times and Nursery Rhymes

2011-05-03T17:40:00.001+02:00

Social Distortion

Sono sulla breccia da più di trent’anni i Social Distortion, e mai come oggi la loro sigla così palesemente “punk” appare del tutto fuorviante visti i contenuti del loro ultimo album Hard Times and Nursery Rhymes (Epitaph). Secondo il vecchio detto che chi nasce incendiario muore pompiere, il loro sound selvaggio degli esordi si è via via trasformato in un quadrato rock and roll stradaiolo, che a qualcuno potrà sembrare persino stereotipato e mainstream. Nessuna distorsione sociale dunque in queste canzoni, ma anzi tanto reazionario amore per la tradizione americana, il parto scaturito da dosi massicce di Hank Williams e Johnny Cash, o del blue-collar rock alla Bruce Springsteen. Maestosi cori femminili, brani che superano i sei minuti, cambi di ritmo: dell’essenzialità del punk non è rimasto quasi nulla, se non fortunatamente le chitarre graffianti e l’urgenza di raccontare l’America contemporanea della nuova depressione. Se davvero – come dice Saviano - la vera rivoluzione di oggi consiste nel fare bene il proprio lavoro, è la qualità e non la rabbia che rende oggi Mike Ness e compagni una vera bomba contro questi “hard times”.

Nicola Gervasini

MOUNTAIN GOATS - All Eternals Deck

2011-04-30T12:08:00.001+02:00

Siete avvertiti: sappiate che se doveste scoprire i Mountain Goats solo grazie a questo All Eternals Deck, potrebbe prospettarsi per voi l’inferno di recuperare vent’anni di onorata e copiosa carriera, se mai voleste approfondire la loro conoscenza. La creatura di John Darnielle è stata una delle prime sigle a potersi davvero fregiare della categoria di “indie band”, fin da quando nel 1991 hanno cominciato a pubblicare dischi a raffica, inizialmente esclusivamente nel vetusto formato audiocassetta. Da allora tenere il conto non è facile, ma con questo album dovrebbe essersi fermato a 20 album (comprese le 6 cassette pubblicate tra il 1991 e il 1994), 23 EP o singoli con inediti, e 3 cd di materiale di recupero. Un corpus imponente e difficilmente consigliabile nella sua totalità se non siete davvero in sintonia con il mondo visionario del particolare songwriting di Darnielle, uno che ha avuto fantasia e argomenti da vendere fin dagli esordi. La forma dei brani è sempre circolata intorno ad un folk scarno e poco avvezzo a concessioni spettacolari, con poche variazioni sul tema di base che rendono difficile anche per la stampa più avvezza al mondo indipendente isolare un loro titolo come il più importante (se dovessimo dare un consiglio, vi indirizzeremmo sul sempre attuale Tallahassee del 2002). I tempi stanno però evidentemente cambiando anche per loro, perché dopo tante rivoluzioni nella formazione intorno al genio sregolato di John, da qualche tempo hanno finalmente assunto un assetto pressoché fisso, e con questo All Eternals Deck definiscono per la prima volta un suono maturo e strutturato – per non dire “sovraprodotto” rispetto ai loro standard. E’ singolare come l’apparente “normalizzazione “ del loro sound abbia come risultato quello di evidenziare quanto gente come Okkervil River (Prowl Great Cain passa da quelle parti), Conor Oberst (Beautiful Gas Mask sembra sua) e non ultimi anche gli Avett Brothers debbano molto al loro approccio al suono rurale. Ma sono brani come Sourdoire Valley Song, una Outer Scorpion Squadron per piano e archi o la stessa Damn These Vampires che apre il disco, a mostrare una voglia di soffermarsi più su arrangiamenti e melodie che potrebbe far storcere il naso ai loro fans più irriducibili e legati alla loro storica naiveté, ma che servono forse anche a dimostrare quale potente songwriter di stampo classico si nasconda dietro un nome che è da sempre identificato come la frangia più estrema del freak-folk. Lasciamo a voi scoprire le storie dietro titoli intriganti e cinematografici come For Charles Bronson o Liza Forever Minelli, e in genere godere di testi che abbandonano in parte i temi religiosi delle loro ultime uscite per addentrarsi nei misteri dell’occulto, noi semplicemente consigliamo di scoprire un artista importante attraverso il suo disco più accessibile e immediato.

Nicola Gervasini

WILLIAM FITZSIMMONS - Gold in the Shadow

2011-04-26T13:37:00.002+02:00

William Fitzsimmons
Gold in the Shadow
[Gronland rec/ Audioglobe 2011]

Si è tagliato i capelli William Fitzsimmons dai tempi del suo acclamato The Sparrow and The Crow del 2008, ma non la barba d'ordinanza da indie-folker, che anzi si è fatta ancora più lunga e ingovernabile. Look da asceta solitario, voce soffusa "file under Bonnie Prince Billy and Iron & Wine", sound elettroacustico con chitarre in primo piano: Fitzsimmons è un puro prodotto degli anni zero. Quasi seguendo la linea recentemente dettata dai due illustri sopracitati Oldham e Beam, anche la sua musica sembra, in questo Gold In The Shadow, cercare una via più complessa e strutturata per offrire le proprie folk-songs. Niente di trascendentale: qualche piano qui e là, tastiere discrete, persino drum-machines assolutamente non fastidiose (Fade And Then Return, Psychastenia), tanti piccoli accorgimenti che fanno la differenza tra un disco fatto in casa e un'opera matura. Anche perché l'azzeccato studio di arrangiamenti di questo album (che alla fine ricordano molto il lavoro di Barzin) non è fine a sé stesso, ma è al servizio di dieci bellissimi brani dalle tipiche tinte autunnali, che saranno pure un segno dei nostri tempi (per non dire "una moda"), ma quando i risultati sono come questi, anche il fatto che Fitzsimmons non sia comunque un caposcuola, ma solo un buon alunno, passa in secondo piano.

La partenza dell'album è fulminante: The Tide Pulls From the Moon attacca subito con un testo crudo e pieno di oscuri presagi, Beautiful Girl è una soffice ballata acustica che potreste anche dedicare alla vostra bella, The Winter From Her Leaving un piccolo capolavoro di equilibrio tra scrittura e accorgimenti musicali. Forse, nonostante la bontà del materiale, a Fitzsimmons manca ancora il tocco personale distintivo che possa far parlare in altre recensioni di "brani alla Fitzsimmons", e il difetto diventa evidente nella seconda parte del cd, quando si gode per l'intreccio di acustiche e archi di Bird Of Winter Prey prima di realizzare che forse l'accoppiata Nick Drake/Robert Kirby potrebbe richiedere dall'aldilà qualche credits, o quando coinvolge Leigh Nash (la ex voce dei Sixpence None the Richer, quelli del tormentone anni 90 Kiss Me per intenderci) in una quasi-pop-song come Let You Break che si potrebbe anche far passare in radio che forse qualche attenzione in più potrebbe attirare.

Il finale però è di nuovo a tinte fosche: Wounded Head è abbastanza soffocante, meglio invece Tied To Me, che parte melmosa, ma guadagna nella parte centrale un baldanzoso andamento melodico che la rende uno degli episodi più interessanti dell'album. Chiude What Hold ancora una volta in puro Nick Drake-style (ma forse varrebbe la pena citare Neal Halstead dei Mojave 3). Gold In The Sahadow è un disco che vive ancora di troppi alti e bassi, ma bisogna sempre dare fiducia agli artisti che sono ancora in piena fase di ricerca, sono gli unici che possono ancora trovare qualcosa.
(Nicola Gervasini)

www.williamfitzsimmons.com

MARIANNE FAITHFULL - Horses And High Heels

2011-04-21T09:25:00.002+02:00

A leggere la recente autobiografia di Keith Richards pare davvero difficile identificare la Marianne Faithfull di oggi con l'evanescente fidanzata di Jagger che si aggirava nuda per le case degli Stones, alimentando perverse mitologie a base di tavolette di cioccolato usate a guisa di dildo (Keith, per la cronaca, smentisce divertito). Non è tanto che oggi la Faithfull è un'affascinante signora di 65 anni, quanto che nel 1979, lei che fino a quel momento era stata in grado di offrire solo piacevoli brit-folk songs in salsa pop, ha pubblicato un capolavoro come Broken English, e da allora, complice anche una voce divenuta nel frattempo profonda e unica, il livello dei suoi dischi è sempre stato altissimo. La Faithfull è forse il miglior esempio vivente di come, pur non essendo una grande autrice, si possa fare dischi scritti e prodotti da altre eminenze grigie lasciando però sempre un'impronta personale. In questo scenario il nuovo Horses And High Heels si pone come una semplice conferma alla regola, con un prodotto forse meno caratterizzato rispetto ad alcuni dei suoi titoli più blasonati, ma non per questo meno consigliabile.

Visto il buon successo della formula del precedente Easy Come Easy Go, qui viene confermata la collaborazione col produttore Hal Willner e il mix di cover e brani autografi (sono solo 4, ma Prussian Blue e la title-track meritano un piccolo applauso anche alla penna). Il disco a dir la verità parte con il freno a mano tirato, la The Station rubata ai Gutter Twins (alias Mark Lanegan e Greg Dulli) non decolla, e il disco sembra mantenere un'aria piuttosto "scazzata" fino a quando, con No Reason di Jackie Lomax, la nostra sciorina un roots-rock da bar di Austin davvero inedito per le sue corde, che ci introduce ad una serie di episodi azzeccati e persino scanzonati rispetto alla sua abituale serietà. Tra le riletture spiccano una splendida Love Song, che era di Leslie Duncan, ma che tutti ovviamente ricordiamo nella versione dell'Elton John di Tumbleweed Connection, così come piace la versione malinconica di Going Back di Carole King.

La Faithfull sembra volersi divertire, come dimostra una Gee Baby che potrebbe essere anche il parto di uno dei viaggi a New Orleans di Bonnie Raitt, o una Back in Baby's Arm's di Allen Toussaint dove si scontrano nientemeno che il piano di Dr. John e la chitarra di Lou Reed. In ogni caso tutto sembra dire che la Signora ha un presente nobile e tutto da raccontare, nonostante il passato sia ancora lì, nel mito rock che la vuole come la Sister Morphine che allietava le notti di Mick, ma anche nel recupero delle registrazioni fatte da Brian Jones in Marocco a Jajouka, usate come tappeto per la scanzonata e pop Eternity. Un modo forse per esorcizzare i fantasmi di una vita vissuta intensamente, e che si è tradotta in una serie di opere di altissima e inimitabile classe.
(Nicola Gervasini)

www.mariannefaithfull.org.uk

DAVIDE BUFFOLI - Prices

2011-04-18T21:52:00.001+02:00

Prices

Davide Buffoli

“Ho bisogno di una ragazza come Drew Barrymore, non di una come te”. E’ tutta in questa frase del brano Hollywood Pop Comedy la poetica del chitarrista varesotto Davide Buffoli, riassumibile in un “America does it better” che dovrebbe offenderci. Invece Prices è un disco che ci riempie di orgoglio patriottico, perché parla la lingua di un pop-rock americano leggero, quasi radiofonico, e lo fa con quella perfezione formale che solo certe band statunitensi riescono ad avere. E così si balla e si canta con queste canzoni, si gode dei suoni brillanti e delle chitarre sempre ben dosate e mai spaccone, e si scopre che nel nostro sottobosco indipendente sta crescendo una generazione di veri american-rockers dotati di personalità propria e - finalmente - pronunce inglesi non maccheroniche. Dimenticatevi i tanti cantanti-fans italiani che salivano sul palco genuflettendosi davanti al poster di Springsteen, Prices va oltre la riduttiva aspirazione di sembrare “come gli americani”. Ci riesce e basta

MARKUS RILL - Wild Blue & True

2011-04-16T13:18:00.001+02:00

Il nome di Markus Rill non è certo nuovo per noi, che già avevamo avuto occasione di parlarvi di questo ragazzone tedesco di Francoforte innamorato della roots-music, uno che da ormai parecchi anni si è garantito un posto di tutto rispetto nel gota degli hobo europei grazie ad alcuni dischi interessanti (da ricordare Hobo Dream del 2004 e The Price Of Sin del 2006) pubblicati dalla specializzata Blue Rose. Wild Blue & True è il suo nuovo sforzo, nonché il chiaro tentativo di guadagnarsi ancor più credito nel mondo della canzone d’autore di marca nashvilliana, vale a dire quell’area legata ancora all’idea del solitario troubadour alla Steve Earle prima maniera, che racconta storie su strutture che dal country tradizionale arrivano spesso e volentieri all’heartland rock. Forte di una band rocciosa (i Troublemakers), il nuovo disco cavalca immaginari noti fin dal titolo, dove l’essere “veri e selvaggi” come ogni tipico eroe con chitarra dei nostri tempi si contrappone al suo essere triste (ergo solitario, coma da tradizione). Le canzoni di questo disco, possono ricordare molto il Martin Zellar dei tempi d’oro (per darvi una coordinata da intenditori), parlano di sentimenti, ma non sono sempre necessariamente malinconiche. Le donne e gli amici restano il fulcro dei suoi racconti, le prime decantate ad esempio nella tragica figura di Natascha, ragazza incarcerata raccontata in un bel brano caratterizzato dal suggestivo suono della chitarra di Felix Leitner, oppure nelle star misteriose di Girl Of Many Secrets o quelle del bel duetto con Annika Fehling (cantautrice svedese molto interessante conosciuta sulle strade europee) in Your Own Private Rainbow. Il mondo delle relazioni invece affiora dai racconti di The Kid From Tupelo, o la toccante vicenda di The Boy Who Never Was My Friend, ma per il resto dai suoi testi affiora la fiera dichiarazione d’indipendenza di un uomo che crede nella sua musica e nella forza di proporla nonostante le tante difficoltà (Wild Blue True-hearted Man apre il disco con un titolo già di per se programmatico, e l’acustica Falling Into Place chiude sui toni da tipico rocker irriducibile, per quanto stanco da una vita on the road che regala poche soddisfazioni). Se un difetto va riscontrato, è il fatto che per tutte le tredici canzoni il suono e le soluzioni, sempre sospese tra acustico ed elettrico, trovano poche variazioni sul tema e pochi spunti che si discostano dal manuale del buon songwriter che tutti conosciamo. Per il resto se siete ancora romanticamente legati all’idea del cantautore senza macchia e paura che si batte contro i mulini a vento, Markus Rill è nato con questa immagine, e la incarna ancora alla perfezione.

Nicola Gervasini

CHARLES BRADLEY - No Time For Dreaming

2011-04-12T18:13:00.001+02:00

Charles Bradley
No Time For Dreaming
[Dunham Records 2011]

I fanatici della "googlata" si faranno un paio di risate quando cercheranno chi diavolo sia codesto Charles Bradley, uno che a guardarlo sulla copertina di questoNo Time For Dreaming sembrerebbe avere storia ed esperienza da vendere. Invece la diabolica Wikipedia per questo nome offre alla storia nell'ordine: un cestista in pensione, un politico canadese, un giudice, un uomo d'affari, un professore di geologia, perfino un predicatore, ma nessun soul-singer di vecchia data. Per una volta anche i selvaggi navigatori dell'informazione facile e veloce saranno quindi costretti a leggersi qualche noiosa recensione come questa, giusto perché scoprano che questo sessantaduenne è nientemeno che un esordiente, o, se preferite, un dopolavorista del soul che ha finalmente trovato l'occasione giusta sulle soglie della pensione.

Le curiosità in merito a questo disco finiscono qui, perché poi l'operazione produttiva messa in piedi dalla Dunham Records è tutt'altro che robetta da parvenu del soul, visto che qui produce Thomas "Tommy TNT" Brenneck, chitarrista dei Dap-Kings (che conosciamo come fidi scudieri di Sharon Jones), ma soprattutto leader della Menahan Street Band, già titolari di un interessante disco del 2008 (Make the Road By Walking), e qui presenti al gran completo come home-band. Ma soprattutto ancora meno sorprendente è il contenuto, un lotto di brani autografi che strizzano l'occhio senza troppi misteri a James Brown, e finiscono però ad invadere più il campo di altri giganti del genere. In un certo senso No Time For Dreaming potrebbe essere il punto di non ritorno del nuovo soul-revival di questi anni, l'estremizzazione dell'elemento nostalgico di una scena di paladini della old-time black music che combattono lo strapotere del rap e dell'hip hop a colpi di sezioni fiati e sonorità vintage. Un'invasione più volte benedetta anche da noi, che ci ha fatto scoprire validi soul-singer (Roy Young, Sterling Harrison,…), o riesumato vecchie glorie dimenticate (Bettye Lavette, Mavis Staples, Solomon Burke, la lista è lunga), che hanno riportato in auge un genere da troppo tempo schiavo dell'obbligo di stare al passo con i tempi.

Bradley si aggiunge al gruppo ed isterizza ancor più il concetto con un disco che sembra sputato fuori da uno studio della Stax degli anni 60, e che non si fa mancare un tributo a nessun padre spirituale (Marvin Gaye vive nel ritmo di Telephone Song, Curtis Mayfield transita nelle note di Golden Rule, James Brown un po' ovunque). Forse si potrebbe criticare un certo manierismo generale, o rimarcare che, sparate subito le cartucce migliori, il disco scema un po' nella ripetizione della formula "ballata sofferta alla It's A Man's, Man's, Man's World". Oppure magari si potrebbe notare che ci sono giovani esponenti che sullo stesso campo osano magari qualcosa di più, senza per forza annacquare il loro sound (Aloe Blacc o Black Joe Lewis ad esempio). Ma siamo certi che per Bradley queste sarebbero solo speculazioni da critici che nulla hanno a che vedere con il sudore e la passione di questo album.
(Nicola Gervasini)

www.thecharlesbradley.com

ALCUNI CAPOLAVORI DEGLI ANNI 70 DA NON DIMENTICARE....

2011-04-10T19:07:00.002+02:00

Ecco alcune mie piccole schede su album indimenticabili degli anni 70, parte dello speciale pubblicato da Rootshighway

http://www.rootshighway.it/speciali/speciale_70/100.htm

Bonnie Raitt - Give It Up

Nel 1971 che una donna bianca potesse fare dischi di blues, osando pure accollarsi gli assoli di chitarra, era cosa decisamente inusuale. Abituati alle blues-singers manipolate da altri autori e case discografiche, il mondo del rock americano inizialmente non seppe bene come inquadrare Bonnie Raitt, una timida ragazzina dalla voce esile ma decisa, che dopo un esordio già convincente e maturo, infilò con Give It Up l’opera della vita. Dedicate ai Vietcong in pieno climax della guerra del Vietnam, queste canzoni non erano solo blues, erano un viaggio da New Orleans alla West Coast visto per la prima volta al femminile, dove anime lontane come Jackson Browne (Under Falling Sky) Chris Smither (Love Me Like A Man, divenuta un classico) e la sua slow-songs più bella di sempre (Nothing Seems To Matter) convivevano perfettamente. (NG)

Byrds - Untitled

Eliminate tutte le più grandi eminenze grigie passate sotto la sigla Byrds (Crosby, Clark, Parsons), Roger McGuinn traghettò la seconda parte della storia del gruppo nelle acque placide e sicure del nuovo country-rock, tra le accuse di essere il primo reazionario rock o di essersi piegato a mere logiche di mercato. Oggi sappiamo quanto invece il suo progetto fosse sinceramente votato ad una ricerca musicale, e i frutti sono ancora oggi tutt’altro che trascurabili, sebbene privi della portata innovativa della prima era Byrds. Equamente diviso tra un disco live che rileggeva il passato attraverso la chitarra di Clarence White e uno in studio con nuovi classici, Untitled resta il disco che meglio ha rappresentato il passaggio del testimone tra gli anni 60 e i 70. Chiedetelo a Tom Petty perché questo sia stato importante.(NG)

Carole King - Tapestry

Più di dieci anni passati in un palazzo a scrivere classici per altre voci, poi la separazione dal fido co-autore Gerry Goffin, e infine la decisione di provarci da sola. La proverbiale timidezza di Carole King trovò nel suo secondo disco la propria sublimazione, finendo per creare la matrice di ogni disco di pop femminile che si rispetti. Immerso molto più nel nuovo folk della West Coast che nel pop-soul da cui molti di questi brani provenivano, Tapestry è l’icona della perfezione melodica degli anni 70. Diviso tra brani già noti e nuovi classici (su tutte It’s Too Late e You’ve Got A Friend), è stato forse l’ultimo anello di congiunzione tra musica d’autore e musica commerciale, tanto che qui potete trovare le radici sia di Christina Aguilera (che plagerà di fatto Beautiful) come di Natalie Merchant. (NG)

Delbert McClinton - Second Wind

Quando si nasce a Lubbock, nel Texas, si finisce inevitabilmente al centro di tutti i più importanti vortici musicali americani, ma per Delbert McClinton la strada per metabolizzarli è stata lunga. Second Wind era il suo sesto disco, arrivato nel 1978 dopo un’attività iniziata nel 1962, ma che solo con l’approdo alla Capricorn del mentore del southern-rock Johnny Sandlin poté dirsi arrivata a piena maturazione. Blues, rock, soul, il Texas, brani di Jesse Winchester, Taj Mahal, Willie Dixon e Johnny Cash messi vicini come se nascessero dalle medesime matrici stilistiche, e quella sua “B” Movie che diventerà un piccolo classico grazie alla versione dei Blues Brothers: Second Wind rappresenta il perfetto melting pot della musica americana di fine anni settanta (NG)

Doobie Brothers - The Captain And Me

Tom Johnston aveva un sogno: riuscire a creare il perfetto mix tra il blues del delta, il country rock degli esordi, e un certo rock da arena, come se qualità e vendibilità potessero davvero andare di pari passo. Per l’arco di un paio di dischi ci riuscì veramente, e The Captain And Me rasenta ancora oggi una perfezione formale e di sostanza difficilmente riscontrabile in altri dischi del periodo. C’erano i singoli per le charts (Long Train Running, la classica canzone che tutti conoscono senza ricordarsene titolo e autore), riff perfetti per iniziare una trasmissione radio (China Grove), orge di chitarre, perfette country-ballads alla Eagles, blues-rock, cajun del Delta, e persino uno dei primi sintetizzatori usati a livello professionale. Il sogno durò ancora due dischi, poi la sigla Doobie Brothers venne conquistata dal nemico. (NG)

Hot Tuna – Burgers

Mentre Marty Balin, Paul Kantner e Grace Slick nei Jefferson Airplane passavano il tempo a fare proclami di amore hippy e a decantare viaggi lisergici, Jorma Kaukonen e il bassista Jack Cassidy non avevano mai smesso di perdersi nei meandri di noiose partiture di blues acustico del Reverendo Gary Davis. La differenza fu evidente quando le strade si separarono, e gli Hot Tuna attraversarono gli anni settanta passando dal blues acustico a quello elettrico con risultati alterni e, viste le aspettative, anche deludenti. Ma Burgers resta l’opera del perfetto equilibrio tra le due anime, con Kaukonen a suo agio sia come rocker che come bluesman, e una serie di brani che funzionavano alla radio così come sulla strada dove erano nati, e dove rimarranno nello spirito.(NG)

Joni Mitchell – Blue

Non era facile nel 1971 per una donna riuscire a raccontare tutta la propria fragilità e debolezza in amore con piena libertà espressiva, soprattutto nel sessista mondo rock. Eppure Blue rivelò le tribolazioni amorose di una Joni Mitchell rimbalzata tra mille uomini, seguiti, riveriti e abbandonati a causa di un’inquietudine di vivere incomprensibile per le corde emotive maschili. Blue resta il “disco femmina” per antonomasia, perché privo di ogni machismo anche nell’utilizzo di un folk pianistico delicato e non ancora debordante verso il jazz che sarà nei dischi successivi. E’ qui che vorrebbe arrivare il 99% delle cantautrici moderne, ed è qui che hanno provato a finire anche molti colleghi maschi, primo tra tutti il Dylan a cuore aperto di Blood On The Tracks, che a queste canzoni deve tantissimo.(NG)

Little Feat – Sailin’ Shoes

I Little Feat sono rimasti la live-band perfetta anche dopo la sua dipartita, ma finché ha avuto la giusta lucidità, Lowell George è stato il vero genio del gruppo. Sailin Shoes è il suo personale capolavoro a base di country-rock distorto (Texas Rose Cafe), riffoni da cantina (Easy To Slip, Teenage Nervous Breakdown), blues irriverenti (A Apolitical Blues) e roots-music vituperata (Sailin’ Shoes). Il sound tutto New Orleans, che diventerà il loro marchio di fabbrica con il successivo Dixie Chicken, arriva non a caso solo dagli unici due brani scritti da Bill Payne, per il resto la band qui si limita seguire i suoi schizzi di follia, da sempre dipinti dalle bizzarre copertine di Neon Park. E Willin’, tanto necessaria da essere un bis di un brano già apparso sul primo album, resta la truck-ballad più bella degli anni 70. (NG)

Manassas - Manassas

Non è stata solo una questione di alcool e droghe, la morte creativa di Stephen Stills è secondo molti il frutto di una rancorosa invidia verso i colleghi, Neil Young in primis. A determinarla fu anche il fatto che la sua idea di country-rock globale della West Coast, da sempre aperto a influenze caraibiche, rock, blues, e pure qualche sperimentazione progressiva, ha trovato nel primo disco licenziato come Manassas la sua apoteosi artistica, ma non abbastanza elogi. Il titolo infatti resta un cult-record, a cui è mancato forse il singolo epocale per restare nella memoria collettiva come il doppio album più rappresentativo del sound degli anni 70. Dopo quest’avventura (che produrrà un successivo capitolo sempre di buon livello), Stills smetterà di pensare grande rock e diventerà prematuramente vecchio.(NG)

Paul Pena – New Train

Commettiamo un falso storico a inserire questo disco nei top 100 degli anni 70, ma il nostro senso di giustizia ci obbliga a vendicare un torto senza precedenti. New Train infatti è un disco del 1973, uscito però sono nel 2000. Proviamo quindi solo ad immaginare l’impatto che avrebbe potuto avere questo perfetto crocevia tra black music e cantautorato bianco della West Coast (immaginate un disco di Jimi Hendrix prodotto da Jackson Browne), l’ipotetico bigino su cui avrebbero potuto studiare molti artisti moderni abituati a navigare trasversalmente, come Ben Harper o anche il Ray LaMontagne più recente. Neppure il fatto che Jet Airliner divenne poi un successo nelle mani della Steve Miller Band (grazie al loro tastierista Ben Sidran, che qui produceva), fece venir voglia alla Bearsville Records di pubblicarlo. (NG)