10 ALBUM DEI 2000

 

DA TOMTOMROCK  https://www.tomtomrock.it/journal/migliori-dischi-2001-2026-tomtomrock/

Ryan Adams – Gold (2001)

Uscito tra una discussione sugli album di Morrissey ad aprire il precedente Heartbreaker e una cover di Wonderwall degli Oasis su Love Is Hell di due anni dopo, Gold è stato il disco che meglio di tutti ha unito spirito USA e UK negli anni 2000.

Michael Kiwanuka – Love And Hate (2016)

Concepito nel pieno del risveglio del Soul classico, Love and Hate ha unito perfettamente lo spleen crepuscolare da indie-folk con tutto il mondo sonoro della nuova black-music

Iron & Wine - The Sheperd’s Dog (2007)

Solo una scelta personale di uno dei tanti grandi dischi dei 2000 di autori folk dolorosamente ripiegati sulla propria chitarra acustica.

David Bowie - Blackstar (2016)

Da accoppiare a You Want It Darker di Leonard Cohen nella categoria “grandi uscite di scena”, Bowie saluta tutti con un bellissimo un disco oscuro e pieno di tetri presagi.

Laura Marling - Once I Was an Eagle (2013)

Gli anni 2000 hanno visto tanti grandi album di cantautorato al femminile, scelgo Laura Marling a rappresentanza, con il suo album più intenso e maturo.

Wilco - Yankee Hotel Foxtrot (2002)

Personalmente amo più altri loro album, ma è innegabile che Yankee Hotel Foxtrot abbia definitivamente unito due tipi di ascoltatori e portato il suono dell’Americana anni Novanta verso lidi del tutto imprevedibili.

Okkervil River - The Stage Names (2007)

Scelgo questo album a rappresentare un mondo di ugualmente meritevoli nuovi autori e band (Decemberists, Midlake, Bright Eyes,…) che negli anni 2000 hanno unito folk a mille altre influenze, fino anche al prog.

Joe Henry – Scar (2001)

Autore e produttore decisivo per il mondo musicale americano, Henry ha prodotto con Scar il suo disco perfetto, la cognata Madonna ringraziò subito trasformando Stop nel suo successo Don’t Tell Me

John Grant – Queen of Denmark

Una collaborazione indovinata tra il leader degli Czars John Grant e i Midlake crea uno dei dischi cardine dei 2000, miracolo a cui purtroppo Grant non diede mai un seguito di egual livello.

Bill Fay – Life is People

Gli anni 2000 sono stati segnati anche dalla riscoperta di autori dimenticati e fagocitati dallo show business degli anni ’70. Tra i tanti Bill Fay è stato quello che ha riavviato una carriera con più convinzione.

MASNADERO

 

Masnadero - Masnada Classica

2026, Stand Alone Complex

 link roginale TOMTOMROCK https://www.tomtomrock.it/review/recensione-masnadero-masnada-classica/

La scena rock alternativa e new wave di Benevento è stata alquanto feconda nei due decenni scorsi, e se voleste avere un valido riassunto recente vi rimanderei alla compilation Lick The Witch - Beneventowave vol.1 uscita nel 2022, abbastanza esaustiva sulle realtà ancora in attività. Sicuramente tra le band più rappresentative e storiche vanno invece annoverati i 23 And Beyond The Infinite, che tra amori per i garage degli anni Sessanta e la scena Shoegaze anni Novanta, hanno una storia più che decennale lunga lo spazio di cinque album apprezzati soprattutto a livello europeo.

Il loro chitarrista Alessio Del Donno già da qualche anno si è imbarcato in progetti personali, prima con i Faintin’ Goats (presenti nella raccolta sopracitata non a caso), con i quali dal 2016 ha prodotto musica ancor più estrema e sperimentale, ma non poteva mancare nel curriculum di un musicista ormai più che scafato anche la tentazione cantautoriale, ed ecco quindi l’esordio del suo nickname solista Masnadero

Masnada Classica è un disco curioso e intrigante, perché parte da un approccio alquanto rigoroso e rispettoso alla scuola folk britannica alla Bert Jansch, o in alcuni momenti anche alla Roy Harper (Màs Nada, ad esempio, lo ricorda molto), ma con la particolarità di un tocco chitarristico derivante più dal flamenco che dal tipico fingerpicking di scuola britannica alla John Renbourn. Un mix che rende queste dieci canzoni più che credibili come rilettura di un folk che oggi vive ancora attraverso personaggi come Ryley Walker o James Yorkston.

Del Donno fa quasi tutto da solo, anche se gli ospiti in studio non mancano, come ad esempio il flauto di Alberto Piccinni, il contrabasso di Giulio Izzo o il sax di Roberto Di Blasio, mentre di Antonio Prugno Siniscalchi e Andrea Vernillo sono gli interventi di tastiere e piano. Il disco è cantato in inglese (in italiano è solo il titolo dello strumentale Le Grandi Praterie si Estinguono), e anche qui Del Donno dimostra di potersi confondere con gli artisti madre lingua. Tra le sue passioni c’è anche quella di regista cinematografico, per cui suo è anche il video di The Mist Trial, che, tramite la tecnica del collage, si ispira Il Verbo degli uccelli, lungo poema in persiano del 1177 di Farīd ad-dīn ʻAṭṭār.

Non era facile comunque aggiungere un ingrediente ad una formula più che consolidata e tutto sommato ancora molto moderna e in uso, e questo è sicuramente il grande valore di questo progetto.

 

Nicola Gervasini

VOTO: 7,5

Videoclip “The Mist Trial”: https://youtu.be/O_iHG__g7v8

The Reds, Pinks and Purples

 

The Reds, Pinks and Purples 

Acknowledge Kindness

Fire Records

File Under: Atmospheric Music

Non abbiamo forse ancora finito di riascoltare l’album The Past Is A Garden I Never Fed del 2025, che ecco che Glenn Donaldson, in arte The Reds, Pinks and Purples , arriva subito con un nuovo album intitolato Acknowledge Kindness. C’era d’aspettarselo, visto che, annunciando il capitolo precedente, parlò di più di 200 canzoni ancora nel cassetto. Sul valore di questo artista abbiamo già detto in precedenza, apprezzando molto l’album del 2025, la questione su questa nuova uscita semmai è se poi è possibile rintracciare in un percorso discografico che conserva ormai una regolare cadenza annuale una effettiva crescita o evoluzione del suono. È in questo forse che                 Acknowledge Kindness comincia leggermente a scricchiolare, non certo perché le sue canzoni intime e soffuse siano venute a noia o abbiano perso il loro fascino, quanto sul fatto che però le soluzioni musicali adottate cominciano a farsi ripetitive, e forse si comincia a prospettare la necessità di una sosta di riflessione che dia anche a noi il tempo di sentirne la mancanza.

Nulla da eccepire dunque sulla bellezza di brani come Is it you, or is it them? col suo bel giro di basso e chitarra, l’acustica Worthy of Love o la piano-song Doubt in Vain, che tra l’altro in molti passaggi ricordano davvero tanto gli American Music Club del mai troppo lodato Mark Eitzel. E sicuramente apprezzabile è anche il lavoro sui suoni, sempre meno e sempre più essenziali, ma sempre meglio definiti, ma la sensazione comincia ad essere di già sentito sia all’interno della sua discografia, sia in generale nell’ambito dei tanti artisti indipendenti che, come lui, macinano questo tipo di cantautorato. Un genere che comincia ad avere anche troppi anni di storia sulle spalle per non necessitare di qualche variazione sul tema.

In ogni caso se lo seguite già, ci sono abbastanza episodi da aggiungere ad un suo ideale The Best, ad esempio il momento quasi alla Smiths di Heaven Of Love o il malinconico mid-tempo di Emo Band, in mezzo a qualche passaggio magari ripetitivo come New Leaf o Houses che, messe di seguito, propongono lo stesso schema melodico sorretto dall’arpeggio di chitarra, o qualche superfluo riempitivo come i due strumentali d’atmosfera (Blue Heron Lake e la stessa Acknowledge Kindness) , o qualche passaggio minore (Build Love). Poco male, il disco lo conferma in tutte le sue doti positive, ma è anche doveroso segnalare che qui comincia a tirare aria di autoindulgenza e di un accontentarsi che può diventare pericoloso in ottica futura.

 

Nicola Gervasini

KEVIN MORBY

 DA TOMTOMROCK https://www.tomtomrock.it/review/recensione-kevin-morby-little-wide-open/

Kevin Morby - Little Wide Open

2026, Dead Oceans

La situazione oggi è questa: i dischi non si vendono più, se non in poche costosissime versioni in vinile e gli ascolti degli streaming sono un indicatore del tutto inattendibile dell’attenzione e dell’amore che un’opera suscita, per cui alla domanda che ogni musicista oggi si pone su che senso abbia sbattersi troppo per pubblicare nuovi album fatti come si comanda, Kevin Morby risponde con questo splendido Little Wide Open, un album complesso che richiede attenzione e approfondimento, merce forse ancora non del tutto rara tra i suoi fans fortunatamente.

Prima di questo disco Morby aveva seminato già benissimo con sette album quasi sempre in crescendo, in cui si era fatto cantore urbano degno di poter, se non sostituire, almeno occupare lo spazio lasciato vuoto da Lou Reed come voce narrante della New York dei bassifondi. Nasce dallo stesso approccio letterario questa lunga e meravigliosa opera, tanto che a seguito del disco Morby ha pubblicato anche uno scritto che potete anche trovare sul sito della sua etichetta, intitolato Field Guide to the North American Troubadour. E già il titolo fa capire che qui ci spostiamo dalla città alla provincia, in una sorta di diario di viaggio che non teme le lungaggini oggi poco di moda nel mondo dello streaming, e soprattutto la verbosità da una parte, e anche la tendenza a ridurre al minimo gli arrangiamenti finendo quasi ad essere un album folk di vecchia concezione, obbligano ad un ascolto che definirei “dedicato e consapevole”.

La buona notizia è che però queste premesse non portano ad un disco di difficile fruizione, se non proprio tedioso, ma, anzi, qui tutto fila liscio anche sul piano dell’intrattenimento, perché tutto sembra essere al posto giusto, il suo racconto, gli interventi della azzeccatissima produzione di Adam Dressner dei National. le tantissime ospitate di altri artisti (Bon Iver su tutti), che non invadono mai troppo il campo e non si prendono la scena. Difficile scegliere i momenti migliori, ma scuramente va citato lo straordinario dialogo con Lucinda Williams in Natural Disaster o la più immediata Javelin’, con la voce di Amelia Meath, uscita come singolo non a caso.

Ne esce il suo disco più radicale, forse davvero parente stretto dell’album The Ghosts of Highway 20 della già citata Lucinda Williams, che si muoveva su terreni molto simili, ma qui in più c’è che Morby non ha perso comunque la ruvidezza del suono di New York, ma semplicemente lo ha immerso in un ambito rurale, anche musicalmente, per cui spazio anche banjo, violini, e tutto l’armamentario d’ordinanza delle migliori opere di Americana. Qualcuno non troppo avvezzo a certi suoni potrebbe lamentarsi per lo spostamento, ma secondo me con Little Wide Open Morby firma il punto più alto della sua storia di autore.

VOTO: 9

Nicola Gervasini

ROSTAM

 DA TOMTOMROCK https://www.tomtomrock.it/review/recensione-rostam-american-stories/

Rostam – American Stories

2026, Matsor Projects

Sono passati ben diciotto anni da quel disco di esordio omonimo dei Vampire Weekend del 2008 che scosse non poco il mondo della musica indie (ai tempi la si chiamava ancora così), un album che, assieme anche al successore Contra del 2010, raggiunse anche vendite importanti in relazione ai tempi. Da allora la loro storia continua (il quinto album, Only God Was Above Us, è uscito solo due anni fa), ma il fondatore Rostam Batmanglij ha abbandonato la nave nel 2016, all’indomani del tour promozionale per il terzo album, varando a tutti gli effetti una doppia carriera da solista (utilizzando solo il nome Rostam) e da produttore. Se con la seconda il suo apporto è stato spesso richiesto e determinante, anche in ambiti decisamente più pop e mainstream, con la prima il nostro già dopo due album come Half-Light (2017) e Changephobia (2021) pareva aver surclassato i vecchi compagni in termini di evoluzione artistica e positiva accoglienza da parte della critica.

Per il terzo capitolo, intitolato American Stories, si è preso più tempo, e il risultato pare essere un po’ un riassunto delle tante collaborazioni e frequentazioni collezionate in vent’anni di carriera. Intanto il titolo fa capire subito che il disco propone uno spostamento verso un indie-folk di matrice quasi roots, e di radici di fatto si parla nel disco. I testi infatti riflettono il disagio di Rostam di vivere in un paese multietnico ma profondamente diviso, e potete immaginare quanto le sue origini iraniane possano essere scomode in questo periodo. Ne esce un album che unisce folk di vecchia matrice con influenze iraniane, e forse solo nel più maestoso quanto malinconico finale di The Weight ritroverete qualche traccia dei Vampire Weekend tra i tanti suoni orientali (qui Rostam suona il saz, la caratteristica chitarra saracena usata soprattutto nel mondo musicale turco).

Quindi da una parte brani puramente “americani” come Back of a Truck o una Different Light che addirittura guarda in zona country, dall’altra spazio ad una serie variopinta di suoni derivanti da mellotron e minimoog, e persino una  celesta con il suo tipico suono simile a tanti campanellini L’album ha un crescendo sonoro che passa attraverso brani oscuri come la pessimista The Road to Death, la voglia di fuga di Forgive Is to Know o la sensazione di solitudine che filtra dal racconto di  To Feel No Way. Solo Come Apart fa eccezione con il suo tono dolce e quasi ottimista. American Stories è forse un album non omogeneo e imperfetto nel calibrare i tanti sapori usati nel cucinarlo, ma è forse il suo lavoro più personale e allo stesso tempo portatore di un messaggio universale, che è forse l’unico modo per far sentire il proprio dolore da cittadino ancora prima che di uomo e artista.

 VOTO: 7,5

Nicola Gervasini

Brother Wallace

 

Brother Wallace

Electric Love

(2026, ATO records)

File Under: Sweet Soul Music

È innegabile che la cosiddetta scena “New Soul” degli anni Duemila abbia riconnesso la musica afroamericana con le proprie radici dopo che per almeno un ventennio pareva aver preso altre strade. Se la macchina evolutiva di quel mondo musicale non si è fermata grazie a personaggi come D’Angelo, Curtis Harding o Kanye West tra i tanti, nomi come Sharon Jones & The Dap-Kings, Nathaniel Rateliff, Lee Fields, Charles Bradley, e tanti altri, hanno riportato l’idea che il “vecchio soul” potesse ancora brillare in questo futuro ormai presente. Come tutte le ondate musicali, c’è un punto di inizio, uno zenith, e una velocità di crociera mista ad una lenta decadenza, e probabilmente nel genere ci troviamo in questa terza fase perché difficilmente resta ancora qualcosa di importante da dire.

Potrebbe essere il terreno meno adatto quindi per esordire con un album come questo Electric Love, perché Brother Wallace, giovane con una buona gavetta da corista nel curriculum, ma alla prima esperienza discografica da titolare, pare essere artista che non ha nessuna intenzione di rimescolare il mazzo o scompigliare le carte. Come arrivare a festa finita e mettersi a bere il fondo dei bicchieri, insomma, e qui arriva il bivio critico su cui ragionare, e cioè se accogliere questo album come uno sforzo tardivo, seppur encomiabile, o se essere contenti su quanto la rivoluzione non sia stata passeggera, ma abbia creato un consolidato e rinnovabile sottobosco di artisti che mai abbandoneranno una via fatta di devozione per la musica di Otis Redding, Sam Cooke o James Brown, per dirne solo alcuni.

Se amate il genere, comunque, il ragazzo ci sa fare, anche se pesa molto l’aiuto in produzione e scrittura di Dan Taylor dei The Heavy, e a dimostrarlo basta anche solo l’iniziale Who’s That, dove mostra grande voce, senso del ritmo e un bel wall of sound di fiati, cori e batteria martellante che rende il pezzo più che accattivante. I brani sono 15 però, e i minuti 46 (oggigiorno considerabili come tanti), ed è ovvio che visto che le soluzioni dipendono dalla performance e manca quel pizzico di inventiva e modernità di un Michael Kiwanuka, per dirne uno (Any Day Now ci prova a battere le sue strade, ma la differenza è ancora evidente), non sempre tutto fila così liscio. In ogni caso la sensazione è che Brother Wallace dia il meglio sugli up-tempo come la title-track o le travolgenti Who do You Love o Let’s Get Together, mentre quando passa alle soul-ballads come Gone With The Wind, appare più ordinario e fin troppo ligio alla tradizione. Nel finale Brother Wallace ci aggiunge un blues acustico in stile Keb’Mo’ (Me and My Running Shoes), ed è la ciliegina su una torta fatta con ricetta antica, che è pur sempre buona se non ve ne siete nel frattempo già stancati.

 

Nicola Gervasini

 

 

KURT VILE

 DA TOMTOMROCK https://www.tomtomrock.it/tomtomrock/recensione-kurt-vile-philadelphias-been-good-to-me/

Kurt Vile - Philadelphia's Been Good to Me

2026, Verve Forecast

 

Dopo quasi vent’anni e dieci album (considerando anche quello in coabitazione con Courtney Barnett, ed escludendo l’esordio con i War on Drugs), possiamo tranquillamente immaginare in anticipo cosa aspettarci da un nuovo album di Kurt Vile. il cantautore statunitense ha saputo creare un universo musicale, e direi anche letterario, tutto suo, finendo sicuramente ad essere uno egli autori più personali e riconoscibili degli ultimi anni, ma questa forte caratterizzazione personalistica gli ha anche portato non poche critiche.

Di fatto i suoi album sono prolissi e verbosi, prevedono sempre brani molto lunghi affiancati a momenti più accessibili, finendo sempre a richiedere all’ascoltatore una attenzione fuori moda, sia per tempi che per modalità di comunicazione. Il nuovo Philadelphia's Been Good to Me non fa eccezione, con i suoi dodici brani in quasi 65 minuti di musica, e con le sue abituali “talking-song” in cui sembra un uomo sotto ipnosi in pieno flusso di coscienza (come in 99th Song o in Rock o’ Stone) a fare da marchio di fabbrica. E, al solito, nessuna preoccupazione di esagerare coi tempi, neppure quando inserisce ben due strumentali nel menu, l’interlocutoria ed ipnotica Red Room Dub, e la romantica Piano for Sarah.

Magari rispetto al solito il nuovo lavoro sembra cercare più episodi in up-tempo come il frizzante inizio di Zoom 97 o la veemente (per i suoi standard) Chance to Bleed, mentre Philly's Been Good to Me costituisce il centro dell’album con il suo largo uso di synth in evidenza. Nel finale c’è spazio anche per quella che è, a conti fatti, una pura pop-song alla sua maniera come Every Time I Look At You, mentre le sonorità leggermente meno indie-folk derivano dai due produttori (e anche session-men principali) Matthew Jugenheimer e Adam Langellotti dei Sore Eros. Il complesso finale di Avalanche Of Snow, dove lui stesso si prodiga pure come trombettista, lascia la sensazione che, se fosse meno istintivo e più ragionato nel produrre i suoi dischi, potrebbe anche davvero costruire album più strabilianti, ma forse si perderebbe quella sua genuina urgenza di dipingere il proprio mondo isolato attraverso le sue tipiche lunghe carrellate, in cui c’è sempre da godere, quanto da sbadigliare.

Philadelphia’s Been Good To Me fortunatamente ha più episodi che portano alla prima ipotesi, dopo che Bottle It In del 2018 e Watch My Moves del 2022 gli avevano attirato qualche critica per l’eccessiva autoindulgenza. Conferma però che con Kurt Vile ci deve essere una propensione a prendere o lasciare a priori da parte vostra, perché se il viaggio nella sua storia continua a interessarvi, qui ne troverete un capitolo importante, se invece avete già deciso di mollare qualche pagina fa, difficilmente queste canzoni vi convinceranno a riprendere il percorso.

VOTO: 7

Nicola Gervasini

GLEN HANSARD

 DA ROOTSHIGHWAY https://www.rootshighway.it/pneumonia/hansard02.htm

Glen Hansard

Don't Settle Vol 2 - Transmissions West

(2026, ATC)

File Under: Encore

Già preannunciato pochi mesi fa con l’uscita di Don't Settle - Transmissions East, ecco arrivare Don't Settle Vol 2 - Transmissions West, secondo capitolo di un teorico doppio live album a celebrazione di una carriera, quella di Glen Hansard, che tra lavori solisti o con i Frames o con il progetto degli Swell Season, ha raggiunto ormai i 35 anni abbondanti. Il secondo episodio è stato registrato alla Funkhaus di Berlino, studio di registrazione prima ancora che sala concerti, in due session consecutive con un pubblico di circa 600 persone in sala, il che pare evidente nella qualità quasi da disco in studio del disco. Ancora una volta Hansard percorre il proprio songbook alternando i toni, dalla partenza veemente di Revelate dei Frames epoca Fitzcarraldo (era il 1995), alla più romantica What Happens When the Heart Just Stops, altro ripescaggio dei Frames (questa volta da For the Birds del 2001) caratterizzato da un bel finale in crescendo con fiati decisamente “vanmorrisoniani”.

Molto bella anche la resa di just Be The One, che come anche la successiva soul-ballad Her Mercy, arriva dal suo album Didn’t He Ramble del 2015, mentre dal suo esordio solista Rhythm and Repose del 2012 arriva una acustica This Gift, che ricorda quasi il folk da combattimento del primissimo David Gray nei modi, brano che prepara la grande tensione emotiva di When Your Mind's Made Up, memorabile colonna sonora del film Once girato con Marketa Inglova nel 2007, che dimostra come col passare degli anni Hansard non abbia perso in potenza drammatica. Va detto che l’utilizzo massiccio di fiati, cori e il tesissimo violino di Gareth Quinn Redmond aiuta molto a rendere i nuovi arrangiamenti più che incisivi, anche quando si lavora in sottrazione con la funerea Sure as the Rain, un brano alla Leonard Cohen ultima maniera, recuperato dall’ultimo album in studio All That Was East Is West of Me Now.

Nel finale arrivano McCormack’s Wall, per la quale Hansard si siede al piano al posto di Ruth O'Mahony Brady a dirigere il coro finale del pubblico, e una Leave a Light (era su This Wild Willing del 2019), che dimostra quanto la lezione indie-folk di artisti come Bonnie Prince Billy sia comunque entrata nelle sue corde strada facendo. Si chiude con High Hope, ormai un suo piccolo classico del 2012. un secondo capitolo decisamente meno rabbioso nei ritmi, ma con una atmosfera intima e sofferta perfettamente catturata nella registrazione. Sarebbe bello che uscisse una versione unica dei due capitoli, ma intanto consigliamo caldamente anche questo lato B.

 

Nicola Gervasini

RAY MANZAREK

 

Ray Manzarek

The Whole Thing Started with Rock & Roll Now It's Out of Control

Music On CD

**1/2

La storia dei Doors diamo per scontato la conosciate tutti, magari anche per quella poco apprezzata coda discografica in cui il tastierista Ray Manzarek rispettò il contratto con l’Elektra pubblicando due album (Other Voices e Full Circle) senza Jim Morrison, sobbarcandosi le parti vocali. Meno nota, se non proprio dimenticata dai più, è stata la sua carriera solista, di fatto durata ai tempi un solo anno nel 1974 per lo spazio di due album, se si escludono le successive esperienze con la band dei Nite City, e la pubblicazione di una propria versione dei Carmina Burana negli anni Ottanta. In quell’anno, dopo il tutto sommato atteso The Golden Scarab, arrivò il praticamente ignorato da tutti The Whole Thing Started with Rock & Roll Now It's Out of Control, oggi ristampato dalla Music On CD (senza bonus track), un disco che all’epoca servì quasi solo a chiudere in fretta anche il contratto con la Mercury, che si rese subito conto che Manzarek era un buon nome da spendere, ma che non aveva, diciamo così, il “physique du rôle” della star. A rendere il disco un pezzo per collezionisti si aggiunge anche il fatto che bisognerà aspettare il 2005 per avere quella che, ad oggi, era l’unica ristampa in cd completa da parte della Lemon Records.

Quando uscì, né la Mercury, né tantomeno lo stesso Manzarek, avevano intenzione di investire troppo sull’album, che fu stroncato come quasi una presa in giro del proprio status di rockstar fin dalla divertente title-track, un boogie-rock con tanto di fiati riadattato da un originario riff di Dick Wagner (Alice Cooper, Lou Reed), ma con un testo del vecchio manager dei Doors Danny Sugerman. Il tema della canzone è poi il tema del disco, una analisi dello stato di salute del rock, con uno sguardo al passato che raggiunge l’apice quando, nella lunga Bicentennial Blues. Manzarek fa il verso al suo stesso assolo di Light My Fire, riprendendolo poi chiaramente nel finale di canzone. Come a dire che non ci si poteva liberare facilmente da uno spettro che aleggia nell’album anche quando in I Wake Up Screaming chiamò l’allora poco conosciuta poetessa (e non ancora rockstar) Patti Smith a declamare dei versi di Jim Morrison.

Per il resto, ascoltato oggi l’album non è così tremendo se lo si considera una sorta di palestra in cui Manzarek si prodigò in terreni per lui nuovi, come la ballata quasi-southern rock The Gambler, lo strumentale jazz-prog Whirling Dervish, o una scanzonata Art Deco Fandango che sembra un po’ il sequel di Alabama Song di Kurt Veill e Bertholt Brecht. Il brano forse migliore è la lunga epopea glam-rcok di Begin the World Again con la chitarra di Joe Walsh in evidenza, mentre il brutto finale tutto pruderie sessuali di Perfumed Garden mette imbarazzo anche per i gemiti da film porno che condiscono la canzone. In definitiva un recupero storico doveroso e tutto sommato anche piacevole, ma anche una testimonianza di quanto pensare a Manzarek come artista solista non è mai stata una buona idea.

Nicola Gervasini

JOE JACKSON

 

Joe Jackson

Hope and Fury

(2026, earMUSIC)

File Under: Pop Maestro

Joe Jackson è uno di quegli artisti che potremmo ormai definire con un Maestro di stile e eleganza, sia nel songwriting che nella produzione dei suoi album, per cui non c’è molto da dubitare sulla qualità di qualsiasi nuovo lavoro. È stato anche un autore di largo successo, anche se a ben vedere solo l’esordio Look Sharp! del 1979 il celebrato Night & Day del 1982 hanno avuto vendite davvero importanti, perché poi dal 1986 in poi la sua produzione è comunque rientrata nella nicchia di appassionati e fedeli fans, che non lo hanno abbandonato neppure nei suoi controversi anni Novanta, quando l’idea di sposare una formula musicale più alta e adulta, al limite della musica classica, lo portò fuori dal seminato pop in cui sguazzava da tempo con grandi risultati. I suoi album degli anni Duemila sono tutti rientrati invece nella sua comfort zone stilistica, e, anzi, gli si potrebbe anche imputare una certa insolita pigrizia nel cercare nuove strade dalla metà della sua carriera in poi.

Ne è conferma anche questo Hope and Fury, che forse ancor più dei precedenti Fool (2019) o Look Forward (2015), si rifà nei suoni al passato, e in particolare proprio a Night And Day, di cui in alcuni brani riprende in toto il caratteristico sound con le melodie sottolineate dal suo piano e una tastiera che definirei prosaicamente “a campanellini”. Ne esce un disco vecchio nel concetto, ma ancora una volta fresco nei contenuti, perché se brani come Fabulous People o After All This Time sembrano davvero outtakes nobili dei suoi primi anni Ottanta, altrove la sua penna continua graffiare con quel suo tipico cinismo un po’ altezzoso e sprezzante e con il solito uso dell’arma dell’ironia, come testimoniano ad esempio I’m Not Sorry o Made God Laugh, Fa storia a sé un po’ la corale Welcome to Burning By Sea, ma anche questa rientra un po’ nello stile di alcuni brani quasi da musical contenuti in Night And Day.

La buona notizia è che comunque quando vuole emozionare il suo piano ancora sa arrivare al cuore, come testimoniano la finale See You in September o The Face, esattamente come la sua capacità di costruire melodie pop comunque irresistibili non si è persa, e vive ancora nei passaggi di Do Do Do o Endo of the Pier. La band messa in campo è la stessa di Fool, con il fido Graham Maby al basso, Teddy Kumpel alla chitarra e Doug Yowell alla batteria, gente che ormai le sue canzoni le sanno a memoria ancora prima di impararle, esattamente come noi, che lo seguiamo da sempre, abbiamo la sensazione di conoscere queste nuove buone canzoni già da tempo.

 

Nicola Gervasini

GLEN HANSARD

 

Glen Hansard

Don+Settle: Vol.1 - Transmissions East

(Plateau Records, 2026)

File Under: In Berlin, by the wall

Le logiche del mercato discografico cambiano ogni giorno, per cui registriamo senza troppi commenti questa ultima e ormai usuale moda di pubblicare album doppi in due uscite separate nel corso dell’anno, operazione che ai tempi d’oro, quando i dischi si vendevano veramente, sarebbe stata considerata economicamente suicida, ma che oggi pare l’unico modo per tenere alta l’attenzione su un prodotto. Per cui oggi vi presentiamo un interessante live-record di Glen Hansard intitolato Don+t Settle – Transmissions East & West, per il momento limitandoci al Vol. 1 – Transmission East, già sapendo che poi nel corso del 2026 uscirà una seconda parte (ovviamente si chiamerà Vol. 2 – Transmission West), registrata nella medesima serata alla Funkhaus di Berlino, sede della radio di stato della Germania Est. In attesa di avere poi per le mani magari nel 2027 un seguito in studio all’album All That Was East Is West Of Me Now del 2023, ultima sua uscita discografica solista, se si esclude il sinceramente deludente ritorno del progetto The Swell Season con Marketa Inglova dello scorso anno (l’album era Forward).

Registrato con la sua rodatissima live-band completa di una bellissima sezione fiati, questi primi dieci brani (poco più di cinquanta minuti di musica) lo vedono in forma e anche alquanto grintoso nell’approcciare, anzi direi meglio, nell’attaccare brani come Don’t Settle o la tesissima Down On Your Knees, forse l’highlight del disco, una di quelle performance che ti fa rimpiangere non poter essere presente durante l’esecuzione. Ci pensano poi Back Broke, acustica, lenta e sofferta, e la pianistica My Little Ruin, anche questa dagli elevati toni drammatici, a spegnere le caldane e riportare tutti nella sua dimensione da indie-folker. Ma con Didn’t He Ramble, in versione che esalta il giro di basso incalzante, si torna ad alzare il volume per un brano che sarebbe piaciuto molto ai Watrerboys.

Fitzcarraldo, il classico dei suoi Frames del 1995, è in una versione molto rabbiosa, quasi recitata, con un gran dialogo tra violino e fiati nel finale, e anche Carrickfergus, un classico della tradizione Irish che fu lanciato dai Clancy Brothers nel 1964, resa per piano e voce diventa praticamente una canzone col suo marchio di fabbrica, nonostante le tante versioni con cui confrontarla (Van Morrison in primis). Dopo una sentita Slowly Deserter, dall’ultimo album in studio arriva la potente The Feast Of St. John dove trova spazio una chitarra elettrica che si lancia in distorti assoli. Chiusura con sentimento con una Wreckless Heart (dall’album Between Two Shores del 2018) che ricorda molto le migliori canzoni di David Gray. Prima parte del concerto senza attimi di tregua quindi, e potrebbe anche bastare così, vedremo se la seconda parte riuscirà a mantenere un simile livello di teatrale drammaticità che non sempre Glen Hansard è riuscito a ricreare nelle registrazioni in studio.

Nicola Gervasini