TERENCE TRENT D'ARBY

 

Se vi state chiedendo chi diavolo sia Sananda Maitreya, fatto del tutto comprensibile visto che dal suo unico successo internazionale pubblicato con questo nome (il brano era O Divina) sono passati 25 anni, sappiate che stiamo parlando del fu Terence Trent D’Arby. La storia del suo cambio di nome parla di sogni ricorrenti di morte e rinascita e non di vere e proprie svolte religiose in stile Cat Stevens/Yusuf Islam, ma l’effetto sulla sua carriera è stato quello di uan sorta di auto-isolamento nella nostra Milano (sua moglie è italiana) da dove pubblica album in maniera indipendente dal suo sito. Una produzione che solo chi ha avuto la costanza di seguirlo al di fuori dei canali distributivi più convenzionali ha avuto modo di ascoltare e apprezzare, e che spesso si discosta molto dal soul moderno per cui lo ricordiamo. E questo spiega anche perché questo box che invece racchiude i quattro album pubblicati per la Columbia tra il 1987 e il 1995, esca col nuovo nome nonostante i dischi siano famosi in tutto il mondo con il suo antico nickname artistico (lui infatti è comunque nato Terence Trent Howard). Edizione che esce solo in sei vinili colorati (gli ultimi due album erano doppi), e che quindi si rivolge a collezionisti amanti anche dell’”oggetto”, ma che ridanno comunque occasione di parlare di un caso artistico davvero particolare.

 

La storia di Terence Trent D’Arby inizia infatti col botto nel 1987,quando l’album d’esordio (anche se nel 1984 aveva pubblicato un album con la band dei Touch) Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby vende otto  milioni di copie, e se accendente la radio a distanza di 38 anni e fate un po’ di zapping tra le stazioni, state pur certi che prima o poi risentirete uno dei fortunati singoli dell’album. If You Let Me Stay, Wishing Well, Dance Little Sister e Sign Your Name sono rimaste scolpite nella storia della black music degli anni Ottanta, e furono importanti anche dal punto di vista del suono, perché dopo anni di monopolio del duo Michael Jackson/Prince e conil vecchio soul caduto in disgrazia o ormai definitivamente votato alla pop music in stile Kool & The Gang, primo fra tutti D’Arby recuperò le sonorità e lo spirito da vecchio soulman, e non a caso chiudeva simbolicamente il disco con una splendida cover di Who's Loving You di Smokey Robinson, un chiaro richiamo a tornare alle origini. Certo, già in un album così commercialmente potente si intravedevano alcune stranezze (Let’s Go Forward pareva un brano di un altro artista), ma nulla poteva far prevedere che i suoi atteggiamenti da rockstar messianica (una foto che lo ritraeva crocefisso in perfetta “Jesus Christ Pose” fece anche un certo scandalo) lo avrebbero portato ad una totale autodistruzione di una carriera così splendidamente avviata. Il disco resta in ogni caso una pietra miliare con anche altri brani trascinanti come Rain o Seven More Days ad avvalorare la tesi che non fosse solo un abile hit-maker.

 

 

Il passo successivo, Neither Fis Nor Flesh, si rivelò però un flop al confronto, eppure era un disco più coraggioso che pretenzioso, sebbene non si possa definire del tutto riuscito. Era evidente l’intenzione di D’Arby di far vedere che poteva anche andare oltre la ricostruzione delle antiche regole della Soul Music , cercando di elaborare uan nuova forma che univa i classici a Hendrix, Beatles,Rolling Stones, con un suono ancora una volta all’avanguardia che anticipava molto il menu offerto dal più scaltro e furbo Lenny Kravitz, che esordiva in quel periodo con l’ottimo Let Love Rule che tanto gli doveva. La sequenza centrale I'll Be Alright, Billy Don't Fall, This Side of Love e Attracted to You vale ancora oggi il viaggio, ma in apertura, come anche in chiusura, D’Arby appesantì l’album con non pochi esercizi vocali tediosi, passaggi narrativi a vuoto, e anche un pezzo davvero malriuscito come Roly Poly. Ma, soprattutto, mancavano del tutto i singoli, e personalmente ricordo l’imbarazzo evidente con cui certi deejay nelle radio presentavano un brano per me meraviglioso, ma del tutto inadatto ad un airplay per il grande pubblico, come il primo singolo This Side Of Love. Luci ed ombre di un talento ingestibile, che lo gettarono nello sconforto, e già allora dichiarò che l’insuccesso dell’album poneva fine alla carriera di Terence Trent D’Arby, e che si sarebbe ritirato.

 

Ma visto che il contratto pretendeva ancora due titoli, prima dell’avvento di Sananda Maitreya, nel 1993 uscì Symphony Or Damn. Accolto con sospetto, se non proprio disinteresse, da un mondo musicale che ne frattempo aveva avuto non poche rivoluzioni, il disco suonava infatti ormai vecchio e ancora troppo anni Ottanta per riportarlo agli antichi fasti, ma fu considerato comunque discretamente per la presenza di non pochi brani in cui D’Arby abbandonava velleità da nuovo genio della Black Music, e faceva con semplicità quello che meglio sapeva fare. Sebbene troppo lungo e infarcito di brani minori, Symphony Or Damn suona oggi più che piacevole, con il suo piglio decisamente più radiofonico e rock (She Kissed Me, Wet You Lips), e il singolo Delicate, un duetto con la stellina del nuovo ’R&b dei Novanta Des'ree, quasi bissò il successo di Sign Your Name in tema di ballatone dolci. Tension Inside The Sweetness/Frankie & Johnny o Let Her Down Easy sono comunque brani da riscoprire, ma non evitarono  che la Columbia perdesse interesse a tornare ad investire su di lui.

E così l’ultimo atto di questo primo capitolo della sua storia, Vibrator, uscì nel 1995 nel più totale disinteresse e mancanza di promozione. L’album era stato inoltre registrato dal solo D’Arby senza la consueta schiera di session men, anticipando così l’autarchia produttiva del sarà Sananda Maitreya, eppure nonostante nascesse sulla carta come svogliato impegno contrattuale, Vibrator è un disco che nasconde momenti davvero notevoli che ancor più amplificano il rimpianto per una carriera gettata alle ortiche così in fetta. Ricordato anche per la simbolica copertina che lo vede biondo e senza più le celeberrime treccine che tanto contribuirono al suo fascino, corredato da due belle ali da angelo, Vibrator è’ un disco molto personale, i cui anticipa la propria rinascita sotto altre vesti (TTD's Recurring Dream, Resurrection), e in cui ancora una volta macina sapientemente un variopinto mix di stili. Singolare comunque il fatto che mentre in Usa il disco venne praticamente ignorato, raggiunse l’undicesima posizione in una Gran Bretagna in piena esplosione della scena brit-pop anni Novanta, un exploit breve che comunque non convinse la Columbia a rinnovare il contratto, e che lo gettò in un silenzio che durerà fino al 2001, quando il discretamente venduto album Wildcard uscito a nome Sananda Maitreya parve davvero potesse segnare una rinascita commerciale.

Anne Richmond Boston

 

Anne Richmond Boston

I Should Be Happy

DB records

***1/2

 

Spirava un’aria particolarmente frizzante in Georgia verso la fine degli anni Settanta, viste e considerate le band che arrivarono da quelle zone. I B-52’s ovviamente, una delle band più intelligentemente divertenti di sempre, e successivamente dalla stesa città (Athens) i R.E.M., band che diventerà di prima importanza, ma il cui jingle-jangle sound di chiara derivazione byrdsiana aveva sì Roger McGuinn come primo padre tutelare, ma gli Swimming Pool Q's dalla vicina Atlanta come più probabili precursori e diretti ispiratori. Un nome. Questo, che oggi pare quasi dimenticato, eppure questa band pubblicò negli anni Ottanta quattro album molto apprezzati in patria, che diventeranno cinque poi in occasione di una reunion nel 2003.

La vocalist della formazione era, anzi, è Anne Richmond Boston, visto che ancora girano per gli States per concerti sebbene non abbiano più pubblicato nulla. Il suono del gruppo era caratterizzato dalla sua voce squillante, sicuramente in linea con il sixties-style di un gruppo che univa suoni degli anni Sessanta, nevrosi da pop fin anni Settanta alla Police, e un pizzico di ironica follia alla Devo. Storie passate, come anche il tentativo fallito della Boston di imbarcarsi in una carriera solista dopo la prima separazione della band nel 1989. Il suo primo ed unico album solista The Big House of Time uscì nel 1990, e già virava il suono verso un roots-rock più convenzionale, e rimase comunque un prodotto da underground dell’allora fiorente, quanto crudele, industria discografica. Talmente feroce da non pubblicare mai un secondo album fatto e finito per il 1992 chiamato I Should Be Happy, che oggi finalmente vede la luce grazie alla DB Records. La stessa Boston nelle note spiega che non sa ben spiegare le ragioni di una pubblicazione mancata e così tardiva, ma che resta fiera del lavoro fatto. Del progetto originale sono state recuperate otto canzoni su dodici, e ben sette sono state scelte tra le outtakes del periodo, ovviamente con un lavoro di rimasterizzazione e qualche nuova sovra-incisione, soprattutto riguardanti le parti di batteria di Bill Conway (proprio quello dei Morphine), coinvolto ai tempi come session man, e oggi compagno della Boston.

Il disco ha un suono da prodotto di Austin di altri tempi, tra mid-tempo alla John Hiatt come la title-track, intense ballate come Carry Me, sofisticati numeri alla Laura Nyro come Bottle Of Sleep o episodi più rock alla Carla Olson come Dark Room o You Planned It. La Boston canta tutto con voce dolce ed esile, e certi momenti ricordano i contemporanei album solisti di Exene Cervenka, anche negli episodi più vicino al country e al folk (Gone, Torn Apart, First light), mentre altrove Amazing vira più su un facile e gustoso pop radiofonico alla Go-Go‘s. C’è tempo per le buone cover di The Wind Cries Mary di Jimi Hendrix, quasi alla Pretenders come resa, e In My Life dei Beatles, per un disco che davvero non meritava l’oblio.

Nicola Gervasini

 

To Die On Ice

 

To Die On Ice – Panoramica degli Abissi

2026, Subsound Records/Gymnocal Industries

 

Ci sono progetti discografici davvero difficili da spiegare in una breve recensione, vuoi perché musicalmente sono poco inquadrabili, vuoi perché poi quello che conta è anche il concetto che sta alla base di tutto il lavoro. Partiamo intanto dal presentare i To Die On Ice, nome particolare nato nel 2021 quasi come un supergruppo trasversale ad almeno quattro band dell’underground italiano (Action Dead Mouse, Oracle, Ominoacidi e What Contemporary Means) per creare quello che loro hanno definito un “Lynch Sound”, il che già suona indicativo di come le loro musiche abbiano molto della colonna sonora cinematografica. Di fatto questo loro secondo album intitolato Panoramica degli Abissi (il primo, Una Specie di Ferita, uscì nel 2022) è un disco che va usufruito in maniera multimediale, magari leggendo e sfogliano il libro omonimo del chitarrista e cantante Filippo Dionisi, da cui sono tratti i testi (libro piacevole da sfogliare anche grazie ai disegni di Vitt Moretta), o sapendo che del disco esiste anche una versione video diretta da Lulù Withheld (e curiosamente distribuita solo su VHS).

 

D’altronde queste tredici tracce sono spesso solo strumentali, e anche quando Dionisi interviene a cantare, o a volte solo declamare o urlare, i versi del suo libro, resta quasi in secondo piano rispetto alle musiche, caratterizzate soprattutto dal sax di Andrea Pedone, usato spesso come tappeto base di molte composizioni più che come elemento solista, quasi a sostituire la mancanza di tastiere e sintetizzatori che ben si sarebbero adattati al genere proposto. La band è completata dalla sezione ritmica di Marco Senin (basso) e Alessandro Vitali (batteria), anche loro spesso in primo piano, protagonisti dei singoli pezzi con un piglio da quartetto jazz. Al disco poi hanno partecipato anche Francesca Bono degli Ofeliadorme, che mette la voce in Tempeste di Sabbia, e di Vespertina in L’insonnia.

 

Album da ascoltare seguendo il libro (i brani, anche quelli completamente strumentali,  hanno tutti un sottotitolo che descrive a che punto siamo del racconto), o semplicemente ad occhi chiusi lasciandosi trasportare dalle atmosfere che uniscono vari generi (prog, jazz, gospel, ma anche qui le definizioni lasciano il tempo che trovano), Panoramica degli Abissi è uno dei tanti esempi del coraggio sperimentale che anima la nostra scena indipendente, e testimonia la vivacità creativa di artisti come Filippo Donisi, votati ad una multidisciplinarità che non è affatto facile governare con così buon equilibrio.

 

Nicola Gervasini

VOTO.7

 

 

 

Spear Of Destiny

 

Spear Of Destiny

Kings Of Kings

Secret Records

***1/2

 

Nove anni non sono discograficamente molti per esserci già necessità di una ristampa di un album che di certo non ha venduto tantissimo, eppure riteniamo doveroso segnalare che torna sul mercato in nuova edizione il live Kings Of Kings degli Spear Of Destiny, uscito nel 2017. Innanzitutto perché è un doppio live che, sebbene abbia una registrazione che potrebbe non soddisfare gli audiofili (ma il garage-rock, si sa, non richiede perfezione, ma attitudine), potrebbe benissimo fare da introduzione ad una delle band storiche dei bassifondi rock britannici, un nome che negli anni Ottanta fece pure capolino nelle classifiche del Regno Unito, ma che oggi forse ha bisogno di dare una rinfrescata alla propria notorietà. Questo nonostante il fondatore Kirk Brandon tenga ancora in vita la sigla con concerti e ogni tanto qualche uscita discografica, unico superstite di una formazione che in quarantaquattro anni ha visto avvicendarsi intorno a lui più di una trentina di musicisti.

Partire da Kings Of Kings non vuol dire avere una piena conoscenza della loro importanza forse (comunque andrebbero perlomeno recuperati i classici in studio come Wold Service o Outland, per citare giusto i due album più venduti della loro epopea), significa però partire dall’essenziale filosofia di live-band della sigla, qui colta in una serata del 2002 al Limelight Club di Londra, in un mix di classici della loro prima ora e pezzi ai tempi più recenti, e sebbene il livello della loro produzione successiva sia sempre stato più che dignitoso, possiamo comunque dire che qui ritrovate il meglio del loro songbook. Ai tempi la formazione incorporava il sax di John Lennard, recuperato addirittura dai Theatre Of Hate, che furono la prima formazione dei fondatori Brandon e Stan Stammers, la sezione ritmica di Danny Farrant (batterista degli attuali Buzzcocks) e James Yardley, e già le tastiere di Steve Allan Jones, unico dei quattro collaboratori di Brandon ad essere ancora oggi in formazione.

Ventiquattro brani suonati con veemenza e fervore (Propaganda sa proprio di proclama degno degli MC5), con il sax di Lennard che rievoca gli Stooges di Fun House (ascoltate la lunga e acida Brave New Soldiers) o i primi Psychedelic Furs (Legion), e le chitarre che sanno anche trovare variazioni allo spirito da cantina dei brani, come ad esempio il riff da hard rock di The Wake o l’andamento da glam-rock alla T.Rex di Rainmaker. Nel 2002 era forse già diventato un rock di altri tempi, ma oggi questo suono pare ancora modernissimo, in un’ epoca in cui non è più facile trovare una simile rabbia. Nonostante abbiano nel tempo vantato tour come spalla di nomi con Ramones, U2 e R.E.M. restano una band che necessita sempre di essere riscoperta.

Nicola Gervasini

 

Lucinda Williams

 

Lucinda Williams

World’s Gone Wrong

(2026, Highway 20)

File Under: Still Alive and Well

L’anno cruciale per Lucinda Williams è stato il 2020: da una parte un pesante problema di salute che l’ha lasciata quasi inferma per un certo periodo, dall’altra un non del tutto casuale cambio di rotta nella sua musica con l’uscita di Good Souls, Better Angels. Il drastico passaggio dal lungo, strascicato, e quasi Steinbeckiano The Ghost Of Highway 20 di quattro anni prima, a quel disco roccioso e molto più sintetico e asciutto, è stato evidente, e ora che gli hanno fatto seguito Stories From a Rock and Roll Heart nel 2023 e questo World’s Gone Wrong, che ne seguono comunque la linea stilistica, abbiamo conferma che ci troviamo in una nuova fase della sua carriera a sé stante rispetto al passato.

Nel corso dei suoi anni migliori Lucinda Williams ci aveva già provato a controllare la propria fluviale scrittura e incasellarla in schemi di brani più convenzionali e diretti con l’album Little Honey del 2027, ma guarda caso quello resta uno dei suoi titoli meno amati e celebrati. Il nuovo corso invece piace molto a tutti, sia ai fans che sguazzavano nei lunghi e sofferti racconti di Blessed del 2011, sia chi comunque la desidera rauca e spigolosa come negli episodi migliori della sua carriera (cito Car Wheels on a Gravel Road perché prima o poi è sempre doveroso ricordarlo, ma ci sarebbero almeno altri quattro titoli da affiancargli).

World’s Gone Wrong è poi ancora più estremo dei suoi due predecessori nel tenere conto del tempo e della pazienza dell’ascoltatore, perché il ritmo di questo dieci brani è serrato, non ci sono mai due brani simili di seguito, e stilisticamente fa di varietà, virtù. Vi troverete la ballad country-rock con ritmo alla Neil Young (Low Life, con i Big Thief nei credits), ma anche southern rock (Something's Gotta Give) e gospel (How Much Did You Get For Your Soul?), fino allo speranzoso country finale We’ve Come Too Far To Turn Around, con Norah Jones a supporto.  E nella coppia di brani iniziale viene ospitata la giovane stellina del country Brittney Spencer, che ringrazia della sponsorizzazione e contribuisce benissimo con la sua voce anche a pezzi alquanto rock come l’iniziale title-track (per testo e struttura praticamente la blue-collar song perfetta che ti aspetteresti da un Joe Gruschecky), ma poi è a sua volta Lucinda ad omaggiare i mostri sacri chiamando l’instancabile Mavis Staples a duettare nel reggae a firma Bob Marley di So Much Trouble in The World. Testi crudi, spesso volti al sociale (il blues di Black Tears torna a parlare di razzismo, Freedom Speaks è una fotografia impietosa dei nostri tempi, Punchline si candida a brano più polemico e arrabbiato della sua discografia), o pieni di riferimenti letterari (Sing Unburied Sing prende il titolo da un acclamato romanzo del 2017 di Jesmyn Ward, scelta che ancora una volta denota la sua sensibilità verso le questioni degli afro-americani).

Ma su tutto poi va notato l’apporto di una band stratosferica, con la perfetta produzione del solito Ray Kennedy e le chitarre di Marc Ford e Doug Pettibone (anche coautore dei brani con l’altro produttore Tom Overby) che bucheranno le casse del vostro stereo, vero valore aggiunto di un disco che forse non ricorderemo tra i suoi massimi capolavori per la mancanza di brani in grado di fare la storia come i suoi classici, ma che rappresenta un incredibile prova di vitalità sia artistica che vocale.

Nicola Gervasini

HANDSOME JACK

 

Handsome Jack

Barnburners!

Alive Naturalsound Records.

***!/2

Una delle discussioni più comuni degli ultimi 15 anni  tra appassionati musicali è quella sulla ipotetica morte delle rock-band di stampo classico. Se è vero che il rock guitar-based non se l’è passata benissimo negli ultimi anni in termini di popolarità e diffusione tra le giovani generazioni, è anche vero che da un lato il rock resta un linguaggio che, se usato con un po’ di furbizia, può ancora portare considerevoli risultati (vedi il fenomeno Greta Van Fleet), dall’altra la ragione della sua ridotta diffusione è anche puramente economica, perché oggi portare in tour una band costa troppo, se non hai un seguito più che corposo e in grado di pagare caro i biglietti. Questo per dire che in qualche modo dobbiamo tenerci strette band come gli Handsome Jack, che dal 2007 ad oggi, nell’arco di una discografia arrivata al settimo album con questo Barnbuners!, non ha mai mollato il colpo nel proporre il suo mix di garage-rock e southern-blues, una sorta di punto di incontro nel tempo tra i Blue Cheer e i Gov’t Mule, o, in sintesi, tutto quello che una band composta da una chitarra sferragliante (Jamison Passuite) e una sezione ritmica (Joey Verdonselli e Bennie Hayes) può proporre sfruttando le proprie radici statunitensi.

E ce li teniamo stretti pur riconoscendo tutti i loro limiti, primo fra tutti quello che i loro album non si distinguono poi troppo l’uno dall’altro, e che all’interno è abbastanza difficile trovare la canzone che vi cambierà la vita. Ma loro contraccambiano la benevolenza con un suono che resta fedele ad un tradizione che ovviamente su queste pagine amiamo, e con una carica e una energia che è quella necessaria perché, ascoltandoli, venga voglia di bersi l’ennesima birra e non il tè delle cinque.

Per il resto anche questo album rispetta tutta l’iconografia della loro proposta, semmai il disco si caratterizza per un suono ancora più sporco e da cantina rispetto, ad esempio, al più ambizioso Get Humble del 2021, che resta forse il loro titolo migliore. E persino la cover di Polk Salad Annie di Tony Joe White (ma resa celebre da Elvis Presley) si mimetizza nel contesto, quasi a sembrare un brano dei Black Keys dei tempi d’oro. l’m Hooked, Blue Falls Motel, o la stessa Barnburner piaceranno sicuramente ai  fans della band di Dan Auerbach, sebbene magari loro non abbiano la sua stessa perizia tecnica in sede di produzione, o la capacità di trovare il brano per tutti i gusti. E’ un disco “veloce” Barnburner!, per ritmo (si rallenta raramente), e per durata, sia globale che dei singoli brani (nessuno arriva a toccare i 4 minuti), e se magari è giusto notare che qui non c’è riff o giro armonico che non abbiamo già sentito in qualche disco degli anni Settanta, una Poly Molly o una Ghost Woman da sparare ad alto volume in macchina (ma occhio agli autovelox, mi raccomando) sono un lusso che ci possiamo permettere ancora solo grazie a questi irriducibili nostalgici.

Nicola Gervasini

Cut Worms

 

Cut Worms – Transmitter

2026, Jagjaguwar

Sta diventando una sorta di marchio di garanzia la dicitura “Produced By Jeff Tweedy”, ma è indubbio che il leader dei Wilco abbia una sorta di tocco magico non solo quando lavora sul proprio materiale, ma anche quando affronta quello di altri artisti. Con una certa abilità anche nell’uscire dalla propria comfort zone, come hanno dimostrato le produzioni offerte al gospel-soul di Mavis Staples, ma anche nel caso del nuovo album di Cut Worms, il nickname usato dal newyorkese Max Clarke. Sigla da vero indie-folker che arriva con questo Transmitter al quarto album dal 2018 ad oggi, tutti proposti dalla Jagjaguwar, ma soprattutto dopo il terzo album omonimo del 2023, che davvero aveva ricevuto lodi e entusiasmi un po’ ovunque, con paragoni altisonanti che, da Brian Wilson, arrivavano a toccare i Beatles.

E la presenza in quel disco dei Lemon Twigs testimoniava più o meno quella direzione artistica, mentre qui l’avvento di Tweedy a gestire la sala di registrazione e a offrire anche le sue riconoscibili chitarre, porta un tocco indie-folk più marcato, ma di fatto non cambia la natura della sua arte. Lo testimonia subito la briosa Worlds Unknown, sorta di ventata di insolito ottimismo per i tempi moderni, quasi a dire che il sixties-pop, a cui Cut Worms fa senza misteri riferimento, era nato come espressione di una fiducia nel futuro che non ha senso perdere neppure in questo nuovo Medioevo.

Perché comunque le ombre si annidano ovunque nei suoi testi, vedi le successive Evil Twin e Windows on The World, ma presentando il disco Clarke ha voluto sottolineare quanto canzoni come Don’t Look Down siano nate come un volutamente forzato antidoto all’ansia e la tristezza che prova in questi anni, e il fatto che nel brano utilizzi un canto tremolato alla Donovan di altri tempi, fa capire lo spirito della canzone e del disco tutto.

Tweedy si tiene in secondo piano, ma si sente che ci sguazza con gran divertimento in queste trame old-style, rendendo brani come Long Weekend, Shut In o Out Of Touch quasi radiofoniche se solo vivessimo in un'altra era. Nel finale però Cut Worms si riserva un momento intimo con Dream, solo voce e piano in cui quasi si fa vincere dai dubbi e dallo sconforto quando canta “E se non riuscissi a ritrovare la strada di casa da te? Cosa mi aspettavo? Credo di averlo sempre saputo. Era qualcosa che nascondevo a me stesso”. Come a dire che il pop di questi anni non può proprio permetterselo di essere leggero.

Nicola Gervasini

VOTO 7,5

 

Lovvbömbing

 

Lovvbömbing - PISS! PEAS! PEACE!

2026 Vina Records

Un album di esordio di una band di ispirazione garage-punk nel 2026 è pur sempre una notizia in un ambito musicale generale che ormai viaggia verso altri lidi, ma tutto sommato l’idea di una canzone tutta rabbia e volume non è mai tramontata tra i giovani che hanno ancora il coraggio di imbracciare una chitarra o pestare una vera batteria, e in qualche modo ormai il genere è una nicchia al di fuori delle mode duratura e dal pubblico costante al pari dell’Heavy Metal. I Lovvbömbing! da Cesena, ad esempio, rispettano tutti i parametri dello stile: nome da combattimento, e primo album con titolo urlato fin dai giochi di parole alquanto attuali (“PISS! PEAS! PEACE!”).

Loro sono un quartetto classico formato da Francesco Brandolini, Federico Canducci, Francesco Lucchi e Lorenzo Ricci, che si sono lasciati coinvolgere da parecchie influenze che rendono l’album vario e più che interessante fin dall’iniziale Esquisito River, che parte come una classica punk-song alla Bad Religion, ma che ha nel mezzo un momento più etereo da stoner-rock anni Novanta. E, bene o male, tutti i brani giocano sull’alternanza tra momenti furiosi e altri più rallentati, come Whyte Rabbyt, che fin dal titolo gioca coi classici del flower power per un brano tutto accelerate, frenate e ripartenze, e ascoltate anche Doodly Doo, uno dei brani migliori della raccolta, che arriva ad un insolito minutaggio oltre i cinque minuti proprio in virtù dei tanti cambi di registro. L’ironia di alcuni titoli fa capire anche il tono sarcastico e canzonatorio delle loro canzoni, a partire dai nomi storpiati di titoli come James Pond o Sydney Weenie, che potrebbe appartenere al repertorio di Henry Rollins anche per l’attitudine allo stile declamatorio del cantante Brandolini, sia che si tratti di temi politici (President Alien, brano quasi space-rock in stile Hawkwind, e altro gioco di parole, stavolta relativo al noto fumetto e serie TV), sia di temi più legati all’amore universale (Fury, anche questa un muro di chitarre sferraglianti intramezzato da un momento quasi riflessivo).

Chiudono il disco lo sproloquio psichedelico di Majestic Silver Seas, e l’ultima devastante invettiva di Telejunkies. Il disco è stato anticipato da tre video musicali curati dallo stesso Brandolini, tutti con lo stesso protagonista mascherato da alieno che viene prima inseguito dalla polizia in Fajitas (Poliz Navidad), poi diventa lui stesso un predicatore per le masse (Whyte Rabbyt), fino a ritrovarlo Presidente di un mondo ormai completamente svuotato (President Alien). Registrato in presa diretta, PISS! PEAS! PEACE! è una conferma dal basso su quanto un certo tipo di rock possa ancora avere la forza di raccontare il presente con ironia e giusta rabbia.

Nicola Gervasini

VOTO: 7

Danny George Wilson

 

Danny George Wilson 

Arcade

Loose Music

***1/2

 

Partiamo subito dai consigli retroattivi: se non avete mai incrociato la musica dei Danny & The Champions of the World, siete ancora in tempo a recuperare alcuni brillanti titoli come Stay True (2013), What kind Of Love (2015) e Brilliant Light (2017). Erano dischi intrisi di filosofia blue-collar, con fiati soul sospesi tra Van Morrison e il Jersey-sound alla Southside Johnny, tanto rock da “Friday Night” post-lavorativo al pub insomma. Nulla di nuovo e strano, se non fosse che la band non veniva dagli USA, ma da Londra, anche se il suo leader Danny George Wilson vanta origini australiane.

Parlo di dischi ormai leggermente datati perché dopo il maturo capitolo del 2017, Danny George Wilson si era preso una pausa, utile a pubblicare nel 2021 un primo disco da solista intitolato Another Place, che vantava collaborazioni di nomi importanti come Jeff Tweedy, Emma Swift e Gerard Love dei Teenage Funclub, album che già evidenziava una svolta più cantautorale. Pareva quindi solo una parentesiz, visto che lo scorso anno i Danny & The Champions of the World erano tornati dopo sette anni di silenzio con un album, You Are Not A Stranger Here, che faceva però capire che qualcosa era ormai cambiato nelle mire artistiche di Wilson. Melodie più costruite e più eteree, più apertura mentale negli arrangiamenti, insomma, era evidente Wilson aveva cominciato a credere anche nelle sue doti di autore e non solo di ottimo performer. Non sorprende quindi che il secondo capitolo da solista intitolato Arcade segua un sentiero ormai totalmente lontano dallo spirito iniziale.

Wilson infatti offre un disco che affonda i piedi in certo cantautorato degli anni Sessanta o Settanta che amava orchestrazioni e spleen autunnali, e in più di un caso sul disco aleggia lo spirito di Bill Fay (sentite la piano-song Before September ad esempio). Per cui non più musica da venerdì sera al bar, ma da grigia domenica pomeriggio nel salotto di casa, immersi nella malinconia dei propri pensieri (il disco ha comunque un mood decisamente triste), e nella grandiosità di arrangiamenti orchestrali di Strange Weather o quelli più sperimentali di Golden Decay e Lost. A volte forse nella frenesia di diversificare le soluzioni esagera un po’ con le tastiere (Distant Seasons) o non riesce a non far scivolare la title-track un po’ nel ripetitivo, ma la bellissima Grain Of Sand, con il suo Wurlitzer in primo piano, o il duello tra acustiche ed elettriche di Masquerade, colpiscono nel segno. Prodotto da Hamish Benjamin, il disco conferma la collaborazione con Gerard Love e aggiunge le preziosi voci di Annie Dressner e Emma Tricca.

 

Nicola Gervasini

TIM EASTON

 

Tim Easton

fIREHORSE

Campfire Propaganda

***1/2

Tim Easton è uno di quei classici artisti che si segue per la sua musica, ma anche per il gusto romantico di amare uno degli ultimi veri troubadour itineranti del mondo roots americano. È uno di quei nomi che difficilmente appare nelle classifiche dei dischi epocali, anche in ambito roots-rock (Ammunition del 2006 e Porcupine del 2009 sono i suoi titoli più apprezzati in ogni caso), nonostante porti avanti ormai da più di trent’anni una carriera discografica di tutto rispetto. Forse la grande occasione l’ha persa in gioventù, quando nel 1996 esordì con la band alt-country degli Haynes Boys in un’epoca in cui il genere aveva ancora un certo appeal per il mercato discografico, ma da allora porta avanti la sua storia artistica in posizione defilata. È però un artista che garantisce da sempre ottimo songwriting e una buona cura nel confezionare gli album, e non fa eccezione neppure questo fIREHORSE.

Il concept del disco parte dal dipinto in copertina realizzato dalla sorella Susan Easton Burns, un cavallo in fiamme, ma le canzoni sono comunque slegate da un filo conduttore preciso, se non le storie raccolte nella sua vita raminga. Il piatto offre giri blues gestiti con grande esperienza (River, 615 Heartbreaker), pigre ballate country (Cottonfields), ballate d’autore (Heaven & Hell) e momenti elettrici da southern rock come Son Of A Tyrant. Sono storie personali nate nel suo girovagare il mondo come musicista quelle di Never Punch the Clock Again e HWY 62 Love Song, piccole visioni del mondo, a volte purtroppo realistiche e attuali (Another Good Man Down parla di violenze da strada), a volte semplici appunti motivazionali (Don’t Let Your Mind Grow Dark). Bizzarro il testo di Hallelujah, dove Easton racconta i suoi giorni durante la caduta dell’impero di Nicolae Ceaușescu in Romania (era il 1989).

Produce il tutto Kevin Nolan, facendosi aiutare da quotati session-men solitamente al servizio della stellina Country Lainey Wilson, ai quali Easton racconta di aver ha consegnato una copia di Time Out Of Mind di Bob Dylan e di Bring the Family di John Hiatt non per copiarli, ma a titolo di ispirazione di suoni e attitudine. Il disco è stato finanziato con successo tramite Kickstarter, e conferma limiti e pregi di una visione artistica volutamente senza clamori e da retrovie dello star-system.

 

Nicola Gervasini

 

Jake Kohn

 

Jake Kohn

Where Do We Go from Here? (Live From The Barn)

Lockeland Springs/Atlantic Records

***1/2

A guadarlo in faccia lo si potrebbe immaginare come il pronipote di Duane Allman, ma il diciottenne Jake Kohn non è figlio o nipote d’arte, anche se il suo album d’esordio Where do We Go from Here?, uscito solo pochi mesi fa, poteva tranquillamente farlo pensare. E’ solo un incoraggiante segnale che qualcosa ancora bolle nel pentolone di certo cantautorato americano, sospeso tra evidenti influenze southern rock (la voce è perfetta per il genere), e velleità da grande songwriter tradizionale.

Where Do We Go from Here? (Live From The Barn) è tra l’altro una strana operazione, decisamente non in linea con la modernità, primo perché i live-records stanno diventando sempre più rari e meno apprezzati nell’era dello streaming, secondo perché poi il disco non fa altro che riproporre l’esordio in versione da palco. Vezzo inutile o prodotto “only for fans” si potrebbe pensare, ma a noi dà la possibilità di tornare innanzitutto su un album che davvero rappresenta uno dei migliori esordi degli ultimi anni (e non ce ne sono poi molti su questo terreno, purtroppo), e, inoltre, siccome è normale che quando un ragazzino a 17 anni registra un disco così maturo si tenda ad essere sospettosi sugli abili aiuti tecnici da parte della produzione, il disco attesta che, nella loro versione live, queste canzoni suonano ancora più rauche e arrabbiate degli originali, rendendole più credibili.

Insomma, scopritelo pure anche partendo da qui Jake Kohn, perché Live From The Barn fa di brani già notevoli come The Last One, Frostbite o Dreams dei nuovi piccoli classici, nonostante la band resti comunque in secondo piano senza farsi troppo notare, e lui si prenda tutta la scena con la sua energia e il suo vocione. Basta anche sentire la stessa Where do We Go from Here?, che nella versione studio ha un mood melanconico sottolineato da un violino in primo piano, mentre nella versione live diventa quasi un rock da combattimento alla Jesse Malin, o lo stesso trattamento di “inselvaticamento” riservato al country di Lorraine. La versione live – splendida - di Nutshell degli Alice in Chains perde la collaborazione di Marcus King di quella in studio, ma mantiene quella di Zac Townsend, guadagnando se possibile ancor più senso tragico, esattamente come la dylaniana Before I Do, perdendo la voce di Wyatt Flores dell’originale, si trasforma in urlo di battaglia in una versione che chiude alla grande lo show.

Sta qui il senso di una operazione particolare, quella di mostrare fin da subito la propria “dark side of the moon”, forse conscio che le versioni in studio, per quanto riuscitissime, mancavano di quell’elemento fatto di sudore e energia che Live From The Barn ben evidenzia, e cioè di quella cosa che poi chiamiamo banalmente “spirito rock and roll”.

Nicola Gervasini