Florence and the Machine

 

Florence and the Machine - Everybody Scream

2025, Polydor

 

Li si attendevano al varco i Florence and the Machine per questo loro sesto album, dopo che Dance Fever aveva ricevuto consensi contrastanti (ma per il sottoscritto il disco migliora col tempo). Reduce da un periodo non troppo facile anche per questioni di salute, Florence Welch ha anticipato il disco con indizi sibillini (tipo che il disco sarebbe stato come uno scontro tra gli Swans e Adele), e tante foto che la vedono spesso assumere pose da dark lady, come anche poi la copertina di Everybody Scream, sospesa tra il sexy e il drammatico, ha poi confermato.

Una cosa certa è che la band (7 elementi oltre a lei), dopo un album molto essenziale, stavolta ha voluto allargare il suono facendosi aiutare dal chitarrista degli Idles Mark Bowen (produttore, musicista ma anche soprattutto co-autore di molti dei brani qui presenti), ma anche di molti artigiani dell’elettronica che hanno ammantato di suoni, drum machines e effetti le canzoni dell’ album, e qui non si può non citare il contributo evidente di Danny L Harle, collaboratore stretto di Caroline Polachek (ma tra i produttori e collaboratori, va segnalato anche Aaron Dessner, chitarrista dei National).

Il risultato è che fin dai primissimi giorni della sua uscita il disco sta facendo il botto (per quel che vale oggi, in UK è schizzato al primo posto della UK Chart), e sembra che questa nuova veste, sospesa tra indie d’autore alla PJ Harvey ed elaborato pop radiofonico (per cui la Polacheck potrebbe essere davvero un riferimento possibile), stia piacendo parecchio. Di fatto i toni sono da grande produzione, e la stessa title-track in apertura aggredisce l’ascoltatore coi suoi schiamazzi e la sua energia, il che pare essere anche in qualche modo in contrasto con testi, che invece appaiono ancora più personali, come evidenzia subito il secondo brano One Of The Greats.

Ovunque è un tripudio di archi, fiati, percussioni e tastiere, con chitarre in secondo piano (ma il lavoro di Bowen si sente quando è necessario), in cui vengono calate canzoni convincenti sia come scrittura che appeal radiofonico come Witch Dance o Perfume And Milk, episodi dark-folk come Buckle o Music By Men, o brani che mantengono il tipico marchio di fabbrica della band di partenza lenta con esplosione improvvisa nel chorus come The Old Religion o You Can Have It All. Su tutte spicca l’intensa Drink Deep, forse il brano che più attesta che la Welch ha diritto a stare tra i grandi della musica contemporanea. And Love chiude in maniera riflessiva un disco abile nel gestire tanti spunti senza apparire troppo barocco e sovra-prodotto.

 

VOTO: 8

Nicola Gervasini

Marco Simoncelli

 

Marco Simoncelli

Prima di Morire

Auditoria Records, 2025

File Under: Di Amore e di Politica

I segnali di cambio di rotta erano già evidenti nell’album Breejo del 2022, ma la trasformazione di un armonicista blues come Marco Simoncelli in un cantautore di stampo classico è in questo nuovo Prima di Morire ancora più evidente. Non che la passione per l’armonica e la musica del diavolo sia passata, ma è evidente che Simoncelli abbia voluto portare la sua scrittura su territori lontani dalle 12 battute. Anche perché nel frattempo ha affinato una vis polemica su temi sociali che cercavano uno sfogo più adatto, come ben descrive la jazzata Di Amore e Di Politica, che funge un po’ da sintesi del tema portante dell’album (“Canzoni per la storia di un amore, Di quelli che non durano in eterno, Canzoni per parlare male del Governo, Oppure scrivere del mondo che vorrei”). Ma l’iniziale Il Circo, impietosa descrizione del mondo moderno senza troppi peli sulla lingua (“Ci tengono distratti col circo e con la fica”), fa capire subito che ci sarà rabbia e amaro sarcasmo da sfogare in tutte le canzoni. E anche musicalmente le tastiere di Joseph Nowell, principale collaboratore dell’album, fanno capire che si spazierà spesso e volentieri in altri mondi musicali, come pare chiaro dal quasi reggae Ma Non Mi Dire, “anti-war song” intrisa di disperazione.

Nel booklet ce lo presentano i giornalisti musicali Aldo Pedron e Fabio Villa, ma si segnala anche l’accorato apprezzamento scritto da Iva Zanicchi, che in particolare apprezza Fra Martino (anche questa invettiva contro i social, con punta di nostalgia verso il modo di comunicare più umano del passato) e l’omaggio a Lucio Dalla di ll Cantautore Lucio (bella piano song con gioco di archi e un testo che gioca a citare i versi di Disperato, Erotico Stomp). Una influenza evidente quella di Dalla, quanto magari quella di artisti meno inquadrabili come Alberto Fortis (la divertente Pollo al Berbecue sarebbe nelle sue corde) o Sergio Caputo (Carolina, canzone sull’”estetica del social” infarcita di fiati e sapori soul, gli piacerebbe parecchio).

Altrove Simoncelli offre numeri da scafato chansonnier come Natale Triste (preghiera laica ai “Masters of War” odierni), e chiude il tutto una Come Sarebbe Bello, in cui torna con anche una certa feroce disillusione (ma anche una ironia quasi da stand-up comedian) nel parlare della propria vita privata. Prima di Morire è una sorta di concept album sui cinquantenni di oggi e le loro difficoltà ad accettare i cambiamenti epocali della storia e i ritmi e le modalità della comunicazione dei giorni nostri (“Dimmi, che cosa te ne fai di tutta quella poesia? Quando alla radio si trasmette solo porcheria!”), un disco che si schiera apertamente pur restando una ben prodotta fotografia del presente ad uso di tutti.

 

Nicola Gervasini

 

SMASH PALACE

 

 

Smash Palace

87

Dualtone

***1/2

Era il 1985, tempi in cui un contratto con una major (la Epic in questo caso) poteva svoltare la vita anche ad una band come gli Smash Palace, quartetto del New Jersey che fin dal 1981 aveva infiammato non pochi locali col nome Quincy (ci pensò Quincy Jones a fargli cambiare nome minacciando cause legali). Il loro esordio omonimo fu anche promosso con doveroso video in heavy rotation su MTV (Living on the Borderline), la label li mandò in tour come spalla dei Mr. Mister (ai tempi dei big, grazie alla hit Broken Wings), ma le vendite furono considerate scarse. Per il secondo album quindi il loro manager li convinse a passare alla Polygram, ma lasciarono la Epic senza ancora il contratto in tasca, e il manager si volatilizzò assieme al promesso contratto con la nuova major mentre già stavano registrando le nuove canzoni. I due leader, i fratelli Stephen e Brian Butler, hanno poi tenuto viva la sigla tra stop e riprese e inevitabili alti e bassi di una carriera da outsider, in alcuni casi anche recuperando già alcune di queste canzoni in dischi successivi.

Ci pensa oggi la Dualtone a stampare 87, il mai uscito secondo album, ed è una bella riscoperta, non perché tra questi brani ci potesse essere una potenziale hit che li avrebbe lanciati (anzi, la mancanza di un singolo accattivante fa capire come mai nessuno si sia poi fatto avanti per comprare i diritti dell’album), ma perché qui si parla di un’era in cui i dischi si registravano in studio con produttori e tecnici di primo ordine e con la dovuta attenzione ai particolari. E il confronto qui si può fare perfettamente, perché dei dieci brani, 5 sono gli originali del 1987, 5 sono invece demo di quelle session ritoccate dalla band di oggi (riunita nella formazione originale per l’occasione). Insomma, gli Smash Palace hanno finito un lavoro lasciato a metà nel migliore dei modi, fornendo una serie di intriganti canzoni che, fin dall’iniziale Bitter Blue, richiamano i Psychedelic Furs (con il loro leader Richard Butler, Brian Butler condivide cognome e timbro di voce), ma la label per presentarli cita Tom Petty, Cheap Trick, Marshall Crenshaw e gli Smitheerens, e vi assicuro che nessuno di questi nomi pare del tutto fuori luogo. Era un rock and roll che in qualche caso flirtava parecchio con il power-pop e la new wave, con brani che stanno tra i Godfathers (Poor Man’s Paradise) o gli Stranglers (Top Of The World), che trasudano rock da bassifondi (I’ll Be There, questa sì “pettyana”) o che più che del New Jersey, li fa sembrare una band australiana sospesa tra Hoodoo Gurus (Everything Under The Sun) e Died Pretty (Imaginary Lines). Erano gli anni Ottanta in ogni caso, e il pegno al pop radiofonico dell’epoca è pagato con brani come Along For The Ride o Centipede, che ricordano quasi gli ABC (che nel genere suona come un complimento), e in First Time Of Everything affiora anche una drum machine d’altri tempi. Un recupero doveroso.

Nicola Gervasini

Langhorne Slim

 

Langhorne Slim

The Dreamin’ Kind

Dualtone

***

Ci sono dischi di autori sconosciuti che ad un certo punto diventano importanti grazie al continuo passaparola tra appassionati, probabilmente il genere di distribuzione “low cost” più auspicata da un autore esordiente o quasi. Accadde ad esempio al disco When the Sun's Gone Down di Langhorne Slim alla fine del 2005, disco che la piccola label newyorkese Narnack Records era riuscita a distribuire un po’ ovunque nel globo, grazie ad una costante promozione degli ascoltatori. Probabilmente ci mise troppo tempo a dargli un seguito (uscito poi nel 2008), tra l’altro con un album senza titolo, quasi a voler intendere una nuova ripartenza dopo gli anni di gavetta indipendente, ma quel disco e il successivo Be Set Free del 2009 non vennero accolti con lo stesso calore. Da allora Langhorne Slim ha pubblicato solo 3 album prima di questo nuovo The Dreamin’ Kind, rimanendo sempre in quella sfera di artisti con un fedele seguito di appassionati, ma mai abbastanza capaci di quel passo in più per diventare personaggi di primo piano, anche nel panorama indie-folk odierno. E questo nuovo album ne conferma pregi e difetti, così come la sua unicità e i suoi limiti.

L’impianto da una parte è sempre quello classico dell’indie-folk di vent’anni fa: da una parte brani malinconici, spesso basati su chitarra acustica o mandolini (Stealin’ Time insegue addirittura la lezione melodica di Cat Stevens), tante orchestrazioni (Dance On Thru), atteggiamento dimesso e nessuna ostentazione di tecnica, ma dall’altra anche un nuovo registro più rock grazie alla produzione di Sam Kiszka dei Greta Van Fleet, che si traduce in brani come l’iniziale Rock N Roll, con i suoi riffoni da hard-rock band anni Settanta, il giro più electric-blues di Loyalty, il southern rock di Haunted Man, o il quasi punk-rock da cantina di Strange Companion. A tratti sembra quasi di risentire gli Eels del periodo Souljacker per come anche Langhorne Slim abbia voluto provare a stravolgere la grammatica rigida, e poco avvezza a stranezze, del rock da radio FM, e in parte ci riesce, anche se resta la sensazione che sia un pesce fuor d’acqua nel genere. Altrove prova a darsi al tex-mex (la morriconiana Rickety Ol' Bridge), al gospel (Lord, un numero in zona Dylan epoca Shot of Love), ma poi è più incisivo quando fa cose più semplici come la bella ballad in up-tempo di Possessive o l’orchestrata Dream Come True. Il tentativo di fare un disco al di fuori della sua routine è palese, e il risultato sicuramente è godibile, per quanto l’appuntamento con il disco che svolta una carriera mi pare mancato.

 

Nicola Gervasini

 

AMY SPEACE

 

Amy Speace

The Blue Rock Session

(2025, Amy Speace)

File Under:  Home Sessions

Seguo da anni la carriera di Amy Speace, autrice sospesa tra folk, country e semplice cantautorato, che vanta ormai una cospicua discografia arrivata al dodicesimo capitolo con questo The Blue Rock Session. Che, diciamolo subito, non è esattamente l’episodio più indicato per fare la conoscenza con la sua penna e la sua sensibilità (per quello magari recuperate Songs For Bright Street del 2006 e The Killer In Me del 2009), in quanto trattasi di un home-record per voce e chitarra acustica con una scaletta stilata più col cuore che con la ragione.

Tra questi 11 brani, infatti, troverete nuove composizioni e remake di brani già editi, per cui non è forse esatto parlare di nuovo album, anche se le note di copertina evidenziano quanto lei senta che ci sia una sorta di filo conduttore tra questi brani, nati in un periodo doloroso della sua vita per via di una separazione sentimentale. La buona notizia è che comunque i nuovi brani la vedono coinvolta e ispirata, e sebbene il “mood” non sia dei più allegri, trova anche il modo di iniziare in modo ironico con On A Monday in London, canzone dedicata ai tanti concerti semideserti che artiste come lei devono accettare girando per il mondo (il titolo nasce da un messaggio dell’organizzatrice di una serata che le diceva “non so se stasera verrà gente, tieni conto che piove ed è un lunedì a Londra”). Altrove c’è una ricerca di salvezza attraverso una propria personale via di vivere la spiritualità in God Came To Me (lei è presbiteriana), ma anche l’esorcizzazione del dolore della separazione di In This Home, incentrata sul concetto dia accettare che quella che era “la nostra casa” diventi “la mia casa”, o di Out of the Blue, unica piano-ballad della raccolta insieme alla nuova versione di Both Feet On The Ground . The Mother invece è la canzone più recente, scritta nella residenza di Blue Rock dove ha registrato il disco, e dove dopo dolo una settimana di permanenza la zona ha subito una pesantissima inondazione, mentre Dream of the Hawk ha la curiosa genesi di essere stata scritta in 30 minuti prima di un festival folk a tema sul Sogno.

Tra i recuperi invece si segnalano una Kindness dai sapori celtici, scritta da Ben Glover, ma già pubblicata in versione al piano per Me and the Ghost of Charlemagne, così come The Sea and the Shore nasceva da una collaborazione con Robby Hecht per l’album How To Sleep In A Stormy Boat, continuata anche per scrivere l’invettiva politica anti-trumpiana di I Found A Halo, che era rimasta inedita, ma che mai come oggi era il caso di riesumare, mentre Weight of the World era una hidden track di The Killer in Me che ha voluto rifare ispirata da una versione offerta da Judy Collins nell’album Paradise nel 2009. Il tutto viene eseguito con il dovuto trasporto, ma anche una certa piattezza dell’insieme che già rende a volte i suoi dischi poco dinamici. E’ un disco nato principalmente per essere venduto ai concerti, con tanta carne al fuoco, ma magari non a tutti piacciono le grigliate così poco condite.

Nicola Gervasini

 

Brandi Carlile

 

Brandi Carlile

Returning to Myself

Lost Highway 2025

File Under: Personal Wars

Il titolo Returning to Myself è più che chiaro su quale sia l’impostazione dell’ottavo disco in studio di Brandi Carlile, una sorta di dichiarazione di bisogno di intimità e di meno luci della ribalta. Cantautrice a noi cara fin dai suoi primi passi (The Story del 2007 resta uno dei dischi fondamentali del cantautorato femminile degli anni 2000), la Carlile è nel tempo diventata un personaggio importante nel mondo culturale americano per le sue lotte e la sua Looking Out Foundation, organizzazione da lei fondata nel 2008 (con a capo sua moglie Catherine Shepherd, per dieci anni dirigente delle iniziative benefiche di Paul McCartney), e che ha lanciato tante battaglie umanitarie non particolarmente care alla politica americana odierna. E da qui parte anche il nuovo album, perché in un disco che si dichiara intimista diventa per lei naturale piazzare un brano come Church & State, veemente (anche musicalmente, unico brano “rock” del disco non a caso) invettiva anti-trumpiana scritta col cuore.

A questo si aggiunge anche un certo successo di pubblico, con operazioni anche da vero star-system nashvilliano come il supergruppo country delle Highwomen creato nel 2019, e ovviamente il recente disco a due mani con Sir Elton John, suo mito personale (nella Reissue del suo primo album una delle bonus track è una sua versione di Sixty Years On ad esempio, ma qui basta anche sentire A Woman Overseas per sentirne la forte influenza, o scoprire che You Without Me è un rework di un brano a firma John/Taupin).

Returning to Myself conferma in regia lo stesso produttore di Who Believes in Angels? Andrew Watt, probabilmente il nome più richiesto al momento per come sa far suonare moderne anche canzoni di vecchio stampo, anche se personalmente trovo il suo suono un po’ troppo “streaming-friendly”, in questa come in altre occasioni (passa con disinvoltura dai Rolling Stones, Iggy Pop o Pearl Jam a Lady Gaga o Justin Bieber non a caso). Qui però alla produzione e in session ci sono anche Justin Vernon alias Bon Iver e Aaron Dessner dei National, e questo team spettacolare, e più che mai diversificato, pesa molto sul risultato finale nel bene e nel male.

Ma quello che fa di Returning to Myself un disco importante sono le canzoni, che dimostrano come la Carlile abbia mantenuto nel tempo una qualità compositiva di gran livello, anche quando magari la produzione non è delle più adatte. La critica che le si può muovere è magari una certa indecisione tra i toni di folk intimo di alcune canzoni (la title-track, Anniversary, o una Joni che dice tutto fin dal titolo), e un suono più pop e barocco che la fa quasi somigliare ai Florence & The Machine in certi casi (Human, A War With Time, No One Knows Us), non sciogliendo quindi il dubbio su dove voglia andare a parare musicalmente. Paradossalmente proprio l’ultimo brano A Long Goodbye, col suo pigro incedere springsteeniano, è l’unico episodio spoglio degli orpelli produttivi che un po’ appesantiscono un disco comunque bello e importante, e fa capire che comunque il successo non le ha mai fatto perdere la strada maestra.  

 

Nicola Gervasini

Joseph Martone

 

Joseph Martone

Endeavours

(2026, Rivertale Productions)

File Under: Dark Cowboys

 

La copertina tutta a tinte di nero e chiaroscuri di Endeavours è più che mai rappresentativa del suo contenuto, e d’altra parte l’americano Joseph Martone aveva già evidenziato nel nell’album Honey Birds del 2020 quanto fosse anche lui un nuovo spirito della notte. Voce bassa e cavernosa, atmosfere dark create da molti strumenti, ma con una resa scarna ed evocativa, Martone è l’ultimo nato di una stirpe di cantori dell’anima notturna alla Nick Cave o Hugo Race, anche se il tocco vagamente “rootsy” di molte composizioni quasi lo portano più verso il sofferto e oscuro blues di Malcom Holcombe.

Scritto in gran parte con il collaboratore e amico di lunga data Ned Crowther, come il precedente album vede coinvolti un mix di musicisti americani e italiani, con la conferma come principale sparring partner di Taylor Kirk alle chitarre e altro come mellotron, Farfisa, percussioni, e il grande peso delle tastiere (principalmente piano e synths) di Michael Dubue (entrambi, anche produttori del disco, provengono dai Timber Timbre) bravissimi nel creare atmosfere da notte buia e tempestosa. Completano la band la sezione ritmica italiana di Francesco Giampaoli (Sacri Cuori) e Fabio Rondanini dei Calibro 35, e le voci di Rebecca Noellei e Marianna D’Ama a completare il tutto.

Nove brani da ascoltare al buio, a partire dal singolo Lying Low corredato dal bel video girato da Antonio Zannone (specializzato in videoclip della scena underground italiana), Martone affonda le liriche di brani come Saint Marie o del mid-tempo On The Mend nei suoi ricordi, che comprendono anche quelli delle sue origini campane (viene dal paesino di Vitulazio, a nord di Caserta). I brani più lenti e cavernosi come Overboard o la tile-track non possono non ricordare il Leonard Cohen degli ultimi album in vita, ma al di là di un mix stilistico non nuovissimo, Martone ha un suo personalissimo modo di graffiare con la voce le tele bluesy della sua  band, offrendo brani di pregio come True Times e Wounded Love, o se volete prendere un brano che possa davvero appresentare al meglio il tutto per suono, spirito e testo, scegliete di ascoltare Bright Morning Doubt appena svegli. Disco breve, molto ben registrato, Endeavours è un piccolo gioiellino per anime che danno il meglio quando cala il sole.

 

 

Nicola Gervasini

KLIPPA KLOPPA

 Klippa Kloppa – Bijoux

2025, Snowdonia Dischi 

Sono ormai una realtà storica nella scena underground italiana i Klippa Kloppa di Nicola Mazzocca, combo nata nel casertano negli anni 90, un piccolo laboratorio di una nuova idea di pop italiano che ha avuto un lungo e tortuoso percorso discografico, culminato con la pubblicazione dell’album Liberty nel 2019, sicuramente l’approdo più maturo di tutta la loro produzione, e anche il loro titolo più promosso dalla critica nostrana. A distanza di sei anni esce finalmente il suo ideale seguito, Bijoux, un disco che si presenta benissimo fin dalla confezione (ma, da questo punto di vista, la Snowdonia è ormai una garanzia), con copertina e libretto corredati dai disegni di Luca Tieri, italiano, ma giapponese di adozione sia per luogo dove vive che per tratto grafico.

Registrato sempre tra Napoli e Caserta, l’album conferma la formazione con la voce declamatoria di Mariella Capobianco, le chitarre a volte acide (La Piuma che Regge il Mondo), a volte più leggere (il jingle-jangle byrdsiano di Linea D’Aria) di Mariano Calazzo e Marco Di Gennaro, a cui si aggiungono la batteria di Stefano Costanzo e le tastiere di Simone Caputo, con Nicola Mazzocca che spazia su vari strumenti e, con Calazzo, anche alla voce solista. Sono canzoni che affondano le mani nel suono degli anni Settanta, come ad esempio una Righe Rotte che mi aspetterei di trovare anche in un disco dell’epoca di Alberto Radius, ma che partono dal concetto di utilizzare elementi e suoni classici negli arrangiamenti e destrutturali in composizioni che sanno comunque di pop d’avanguardia degli anni Duemila. 

I testi di Mariella Capobianco infatti non sono certo facilmente cantabili e necessitano di una attenzione particolare, eppure anche lo scioglilingua di Le Sette e Sette (dove interviene la chitarra di Luca Fusari degli X-Mary) si appoggia su un giro armonico che sarebbe piaciuto al Lucio Battisti degli anni Settanta, ma che richiama pure quello dell’”epoca Pasquale Panella” nell’uso delle parole. Ma sebbene le parti cantate restino poco radiofoniche, c’è spazio per brani di accattivante struttura classica come Profondo, mentre magari Un Puntino Nero viaggia più nella zona del Franco Battiato di metà anni Novanta. C’è modo anche di divertirsi con l’ironica Iconico/Anonimo e la scanzonata samba da lounge bar della tilte-track. Chiude la bella Notte, con le sue tastiere d’altri tempi, finendo in bellezza un disco che aggiorna una tradizione italiana ormai antica, ma che mai come oggi pare l’unica via moderna di continuare a fare pop d’avanguardia. 

VOTO: 7,5

Nicola Gervasini

JOHN STRADA

 

John Strada

Basta Crederci un Po’

CRINALE LAB

***1/2

 

In John Strada convivono alcune tradizioni musicali a noi ben note: da una parte quella del mondo poetico fatto di impegno sociale e sentimenti del Greenwich Village, dove John ha vissuto qualche tempo per completare la propria maturazione, dopo che in Italia aveva già pubblicato due album, e dall’altra quella della nostrana tradizione di “neo-springsteeniani”, che fin dagli anni Ottanta ha avuto tanti rappresentanti concentrati soprattutto tra l’Emilia e il Veneto. Professore di letteratura anglo-americana nella vita, Strada ha portato avanti una carriera di passione e amore per una tradizione culturale di cui si è sempre fieramente dichiarato figlio. Radice che non muta anche per questo Basta Crederci un Po', ma stavolta John ha voluto dare più attenzione all’aspetto formale, chiamando alla produzione l’esperto Don Antonio, figura di produttore “old-style” (come pure negli Stati Uniti si usa sempre meno purtroppo), di quelli che non solo cura la realizzazione delle canzoni, ma si presenta con un suono personale, un’idea, e una band di fidati session-men (Diego Sapignoli, Nicola Peruch, Denis Valentini, e i cori di Daniela Peroni e Laura Zoli). Una scelta importante quindi, perché l’artista è consapevole del fatto che il risultato sarà diverso da quello che si era immaginato scrivendo i brani, e qui sta lo stimolante gioco di ruoli che abbiamo già visto con successo in altre produzioni di Don Antonio, da Massimiliano Larocca ad Alejandro Escovedo.

Il trucco funziona benissimo anche qui, Don Antonio sa come calarsi nelle canzoni dell’autore di turno, in questo caso un artista sanguigono e viscerale come vuole la tradizione, ma che per questi brani ha cercato di trovare toni meno gridati per dare al disco un sentimento diverso. Basta Crederci un Po’ è una sorta di piccola fotografia della vita di provincia e di quella intrinseca malinconia che la pervade, e che fa sembrare l’allegria forzata ostentata nei social più che grottesca (ne parla nella iniziale title-track, in Amore Social, ma anche in Manca il Respiro in qualche modo). Una provincia dai ritmi blandi, ottimi per sognare (Ballando In Città) e per pensare (Giocattoli Rotti o l’ottima Parlavo da Solo: Stream of Consciousness, canzone che sarebbe piaciuta molto a Pierangelo Bertoli), per ricordare amori finiti male (Non ti Dirò Ti Amo) o commentare fatti di cronaca (Girasoli, dedicata al caso di Federico Aldrovandi), o anche prodigarsi in riferimenti letterari (La Tygre e l’Agnello ispirata da poemi di William Blake). Gli arrangiamenti di Don Antonio, più che mai vari e fantasiosi, sospesi tra folk, canzone popolare, funky, samba, soul, elettronica, tanti cori e un po’ di Tom Waits qui e là (e molto poco blue-collar rock a questo giro), donano a un pugno di canzoni ispirate il tocco in più.

Nicola Gervasini

 

Sterbus

 

Sterbus

Black and Gold

(2025, Zillion Watt)

File Under: Virginia Wolfe

 

La storia degli Sterbus, duo formato da Emanuele Sterbini e Dominique D'Avanzo, è ancora oggi più raccontata e seguita all’estero che in Italia, grazie ad album che vi avevamo presentato anche sulle nostre pagine come il doppio Real Estate/ Fake Inverno e il più diretto e power-pop Let Your Garden Sleep In, che nel piccolo di una produzione comunque indipendente, hanno ottenuto consensi anche fuori dal nostro paese. Il nuovo album Black and Gold è un progetto ancora più ambizioso: nato durante gli ormai abbastanza lontani tempi del “lockdown” per diventare un EP, il disco si è sviluppato poi in un progetto più ampio che coinvolge musicisti italiani e inglesi, come, tra gli altri, Alessandro Palermo, Edoardo Taddei o gli archi di Layer Bows.

E anche musicalmente l’album si propone come un caleidoscopio di vari generi, fondamentalmente comunque riassumibili in un mix di alternative folk e “prog” di vecchio stampo, con sempre in mente i Cardiacs come modello (Sterbini ne è acceso seguace), ma che in qualche modo ci riporta anche a simili esperimenti portati avanti dai Decemberists dell’epoca di Crane’s wife o The Hazards of Love. La voce di Sterbini ben si adatta al genere (in qualche momento ricorda Steven Wilson, ad esempio in Two Elms), il resto lo fanno le composizioni scritte con le liriche di Dominique D’Avanzo, unite in una sorta di concept album ispirato dalla figura di Virginia Wolfe (è suo il ritratto in copertina firmato da Dario Faggella), e sul suo simboleggiare la triste e disillusa modalità di sopravvivere e reagire alle tragedie e alle brutture (War Waltz) di un mondo che dagli anni del Covid sembra essere esploso in una spirale di violenza e disumanità che stiamo vivendo ancora in pieno.

Tra i brani più significativi sono da citare sicuramente la lunga e complessa Alfriston Two Four Five, testo scritto in questo caso da Marco Zatterin citando nel titolo il numero telefonico della sorella di Virginia Wolfe che fu composto per darle notizia del suicidio della scrittrice, ma che poi si addentra nel delicato tema della salute mentale. E proprio di Virginia Wolfe è il testo recitato di una Virginia Flows che sa molto dei King Crrimson della prima era, caratterizzato da un gran bel solo della chitarra di Peter Lawson. Altrove in Renaissance si affronta il tema della rinascita dopo la tragedia (“Two people couldn't have been happier until this terrible disease came”), prima che la acustiche Black and Gold e Undone ammantino il tutto di pessimismo. Si termina col dialogo piano-fiati della soffice Careful of Neon Lights e i passaggi strumentali di Down the Reverb e The Greatest Possible Happiness un disco ancora una volta coraggioso e molto interessante.

 

Nicola Gervasini

 

NichelOdeon Ft borda

 

NichelOdeon Ft borda - Flipper (Folk Songs For The Judgement Day)

2025, Trumpf!

 

Il progetto Flipper viene descritto come “Dai Canti delle Crociate e i Lamenti delle Vedove, a David Guetta e Sia”, e credo non ci sia modo migliore per iniziare a presentarvelo. Sui progetti del poliedrico Claudio Milano, qui ufficialmente in veste NichelOdeon, vi abbiamo già tenuti aggiornati in passato, compresi quelli in collaborazione con Teo Ravelli, in arte borda, e stavolta potremmo anche farvi passare questo Flipper come un torrenziale cover-album che spazia ovunque nella storia della musica, ma anche qui sarebbe inesatto, perché immersi in questi visionari “medley” ci sono anche nuovi brani originali scritti da Milano. Singolare anche la scelta di una versione abbreviata a 77 minuti per l’edizione in CD, rispetto ai 100 minuti della versione trovabile online (ad esempio su Banndcamp), simbolo della moderna trasformazione dei formati musicali.

Il concept di fondo è quello di offrire una performance vocale e sonora che unisca brani legati tra sé da nessun vincolo di parentela, per cui ad esempio nel primo brano Distopia #1 - Nobiltà Decaduta, la canzone La Fenice che già Milano aveva interpretato nel disco tributo a Rodolfo Santandrea edito dalla Snowdonia, si intreccia con Cornflake Girl di Tori Amos o la Non, Je ne Regrette Rien di Edith Piaf,o ancora classici italiani come Mi Sono Innamorato di Te. Non pensate a cover tradizionali, ma ad una sorta di patchwork di composizioni rielaborate, utili a crearne una unica, con Milano che ha registrato le parti vocali a cappella, e borda che ha musicato il tutto con le sue basi elettroniche solo successivamente.

La lunghezza dell’album in questo caso non spaventi, i cambi di tono e ritmo sono talmente vorticosi che non c’è tempo per perdere attenzione o annoiarsi, al di là del gioco a indovinare subito la canzone trattata senza leggere pima l’elenco.  Ne esce una sorta di piccola enciclopedia della musica di ogni secolo, e seppur con stile completamente diverso, potemmo quasi considerarla una rilettura italiana dell’album 1000 Years of Popular Music del chitarrista inglese Richard Thompson, che tra l’altro tra riletture di traditional britannici e Prince o Britney Spears, riprendeva anche So Ben Mi C'ha Bon Tempo, brano del 1590 di Orazio Vecchio, qui rimodulata anche da Milano.

Ma più che altro ne esce un quadro disperato delle mille sfaccettature del concetto di Paura, che è quello che ha motivato la scelta dei singoli brani, e giustificato l’idea di chiamare i pezzi con il termine “distopia”, quasi che queste canzoni (che per Milano sono “folk” a prescindere da stile, autore o epoca) raccontino una storia non controllabile dal singolo, e da qui quindi l’ineluttabile paura per la propria sorte e un futuro che ci appare inevitabilmente distopico

 

Nicola Gervasini

VOTO: 7.5