Spear Of Destiny

 

Spear Of Destiny

Kings Of Kings

Secret Records

***1/2

 

Nove anni non sono discograficamente molti per esserci già necessità di una ristampa di un album che di certo non ha venduto tantissimo, eppure riteniamo doveroso segnalare che torna sul mercato in nuova edizione il live Kings Of Kings degli Spear Of Destiny, uscito nel 2017. Innanzitutto perché è un doppio live che, sebbene abbia una registrazione che potrebbe non soddisfare gli audiofili (ma il garage-rock, si sa, non richiede perfezione, ma attitudine), potrebbe benissimo fare da introduzione ad una delle band storiche dei bassifondi rock britannici, un nome che negli anni Ottanta fece pure capolino nelle classifiche del Regno Unito, ma che oggi forse ha bisogno di dare una rinfrescata alla propria notorietà. Questo nonostante il fondatore Kirk Brandon tenga ancora in vita la sigla con concerti e ogni tanto qualche uscita discografica, unico superstite di una formazione che in quarantaquattro anni ha visto avvicendarsi intorno a lui più di una trentina di musicisti.

Partire da Kings Of Kings non vuol dire avere una piena conoscenza della loro importanza forse (comunque andrebbero perlomeno recuperati i classici in studio come Wold Service o Outland, per citare giusto i due album più venduti della loro epopea), significa però partire dall’essenziale filosofia di live-band della sigla, qui colta in una serata del 2002 al Limelight Club di Londra, in un mix di classici della loro prima ora e pezzi ai tempi più recenti, e sebbene il livello della loro produzione successiva sia sempre stato più che dignitoso, possiamo comunque dire che qui ritrovate il meglio del loro songbook. Ai tempi la formazione incorporava il sax di John Lennard, recuperato addirittura dai Theatre Of Hate, che furono la prima formazione dei fondatori Brandon e Stan Stammers, la sezione ritmica di Danny Farrant (batterista degli attuali Buzzcocks) e James Yardley, e già le tastiere di Steve Allan Jones, unico dei quattro collaboratori di Brandon ad essere ancora oggi in formazione.

Ventiquattro brani suonati con veemenza e fervore (Propaganda sa proprio di proclama degno degli MC5), con il sax di Lennard che rievoca gli Stooges di Fun House (ascoltate la lunga e acida Brave New Soldiers) o i primi Psychedelic Furs (Legion), e le chitarre che sanno anche trovare variazioni allo spirito da cantina dei brani, come ad esempio il riff da hard rock di The Wake o l’andamento da glam-rock alla T.Rex di Rainmaker. Nel 2002 era forse già diventato un rock di altri tempi, ma oggi questo suono pare ancora modernissimo, in un’ epoca in cui non è più facile trovare una simile rabbia. Nonostante abbiano nel tempo vantato tour come spalla di nomi con Ramones, U2 e R.E.M. restano una band che necessita sempre di essere riscoperta.

Nicola Gervasini

 

Lucinda Williams

 

Lucinda Williams

World’s Gone Wrong

(2026, Highway 20)

File Under: Still Alive and Well

L’anno cruciale per Lucinda Williams è stato il 2020: da una parte un pesante problema di salute che l’ha lasciata quasi inferma per un certo periodo, dall’altra un non del tutto casuale cambio di rotta nella sua musica con l’uscita di Good Souls, Better Angels. Il drastico passaggio dal lungo, strascicato, e quasi Steinbeckiano The Ghost Of Highway 20 di quattro anni prima, a quel disco roccioso e molto più sintetico e asciutto, è stato evidente, e ora che gli hanno fatto seguito Stories From a Rock and Roll Heart nel 2023 e questo World’s Gone Wrong, che ne seguono comunque la linea stilistica, abbiamo conferma che ci troviamo in una nuova fase della sua carriera a sé stante rispetto al passato.

Nel corso dei suoi anni migliori Lucinda Williams ci aveva già provato a controllare la propria fluviale scrittura e incasellarla in schemi di brani più convenzionali e diretti con l’album Little Honey del 2027, ma guarda caso quello resta uno dei suoi titoli meno amati e celebrati. Il nuovo corso invece piace molto a tutti, sia ai fans che sguazzavano nei lunghi e sofferti racconti di Blessed del 2011, sia chi comunque la desidera rauca e spigolosa come negli episodi migliori della sua carriera (cito Car Wheels on a Gravel Road perché prima o poi è sempre doveroso ricordarlo, ma ci sarebbero almeno altri quattro titoli da affiancargli).

World’s Gone Wrong è poi ancora più estremo dei suoi due predecessori nel tenere conto del tempo e della pazienza dell’ascoltatore, perché il ritmo di questo dieci brani è serrato, non ci sono mai due brani simili di seguito, e stilisticamente fa di varietà, virtù. Vi troverete la ballad country-rock con ritmo alla Neil Young (Low Life, con i Big Thief nei credits), ma anche southern rock (Something's Gotta Give) e gospel (How Much Did You Get For Your Soul?), fino allo speranzoso country finale We’ve Come Too Far To Turn Around, con Norah Jones a supporto.  E nella coppia di brani iniziale viene ospitata la giovane stellina del country Brittney Spencer, che ringrazia della sponsorizzazione e contribuisce benissimo con la sua voce anche a pezzi alquanto rock come l’iniziale title-track (per testo e struttura praticamente la blue-collar song perfetta che ti aspetteresti da un Joe Gruschecky), ma poi è a sua volta Lucinda ad omaggiare i mostri sacri chiamando l’instancabile Mavis Staples a duettare nel reggae a firma Bob Marley di So Much Trouble in The World. Testi crudi, spesso volti al sociale (il blues di Black Tears torna a parlare di razzismo, Freedom Speaks è una fotografia impietosa dei nostri tempi, Punchline si candida a brano più polemico e arrabbiato della sua discografia), o pieni di riferimenti letterari (Sing Unburied Sing prende il titolo da un acclamato romanzo del 2017 di Jesmyn Ward, scelta che ancora una volta denota la sua sensibilità verso le questioni degli afro-americani).

Ma su tutto poi va notato l’apporto di una band stratosferica, con la perfetta produzione del solito Ray Kennedy e le chitarre di Marc Ford e Doug Pettibone (anche coautore dei brani con l’altro produttore Tom Overby) che bucheranno le casse del vostro stereo, vero valore aggiunto di un disco che forse non ricorderemo tra i suoi massimi capolavori per la mancanza di brani in grado di fare la storia come i suoi classici, ma che rappresenta un incredibile prova di vitalità sia artistica che vocale.

Nicola Gervasini

HANDSOME JACK

 

Handsome Jack

Barnburners!

Alive Naturalsound Records.

***!/2

Una delle discussioni più comuni degli ultimi 15 anni  tra appassionati musicali è quella sulla ipotetica morte delle rock-band di stampo classico. Se è vero che il rock guitar-based non se l’è passata benissimo negli ultimi anni in termini di popolarità e diffusione tra le giovani generazioni, è anche vero che da un lato il rock resta un linguaggio che, se usato con un po’ di furbizia, può ancora portare considerevoli risultati (vedi il fenomeno Greta Van Fleet), dall’altra la ragione della sua ridotta diffusione è anche puramente economica, perché oggi portare in tour una band costa troppo, se non hai un seguito più che corposo e in grado di pagare caro i biglietti. Questo per dire che in qualche modo dobbiamo tenerci strette band come gli Handsome Jack, che dal 2007 ad oggi, nell’arco di una discografia arrivata al settimo album con questo Barnbuners!, non ha mai mollato il colpo nel proporre il suo mix di garage-rock e southern-blues, una sorta di punto di incontro nel tempo tra i Blue Cheer e i Gov’t Mule, o, in sintesi, tutto quello che una band composta da una chitarra sferragliante (Jamison Passuite) e una sezione ritmica (Joey Verdonselli e Bennie Hayes) può proporre sfruttando le proprie radici statunitensi.

E ce li teniamo stretti pur riconoscendo tutti i loro limiti, primo fra tutti quello che i loro album non si distinguono poi troppo l’uno dall’altro, e che all’interno è abbastanza difficile trovare la canzone che vi cambierà la vita. Ma loro contraccambiano la benevolenza con un suono che resta fedele ad un tradizione che ovviamente su queste pagine amiamo, e con una carica e una energia che è quella necessaria perché, ascoltandoli, venga voglia di bersi l’ennesima birra e non il tè delle cinque.

Per il resto anche questo album rispetta tutta l’iconografia della loro proposta, semmai il disco si caratterizza per un suono ancora più sporco e da cantina rispetto, ad esempio, al più ambizioso Get Humble del 2021, che resta forse il loro titolo migliore. E persino la cover di Polk Salad Annie di Tony Joe White (ma resa celebre da Elvis Presley) si mimetizza nel contesto, quasi a sembrare un brano dei Black Keys dei tempi d’oro. l’m Hooked, Blue Falls Motel, o la stessa Barnburner piaceranno sicuramente ai  fans della band di Dan Auerbach, sebbene magari loro non abbiano la sua stessa perizia tecnica in sede di produzione, o la capacità di trovare il brano per tutti i gusti. E’ un disco “veloce” Barnburner!, per ritmo (si rallenta raramente), e per durata, sia globale che dei singoli brani (nessuno arriva a toccare i 4 minuti), e se magari è giusto notare che qui non c’è riff o giro armonico che non abbiamo già sentito in qualche disco degli anni Settanta, una Poly Molly o una Ghost Woman da sparare ad alto volume in macchina (ma occhio agli autovelox, mi raccomando) sono un lusso che ci possiamo permettere ancora solo grazie a questi irriducibili nostalgici.

Nicola Gervasini

Cut Worms

 

Cut Worms – Transmitter

2026, Jagjaguwar

Sta diventando una sorta di marchio di garanzia la dicitura “Produced By Jeff Tweedy”, ma è indubbio che il leader dei Wilco abbia una sorta di tocco magico non solo quando lavora sul proprio materiale, ma anche quando affronta quello di altri artisti. Con una certa abilità anche nell’uscire dalla propria comfort zone, come hanno dimostrato le produzioni offerte al gospel-soul di Mavis Staples, ma anche nel caso del nuovo album di Cut Worms, il nickname usato dal newyorkese Max Clarke. Sigla da vero indie-folker che arriva con questo Transmitter al quarto album dal 2018 ad oggi, tutti proposti dalla Jagjaguwar, ma soprattutto dopo il terzo album omonimo del 2023, che davvero aveva ricevuto lodi e entusiasmi un po’ ovunque, con paragoni altisonanti che, da Brian Wilson, arrivavano a toccare i Beatles.

E la presenza in quel disco dei Lemon Twigs testimoniava più o meno quella direzione artistica, mentre qui l’avvento di Tweedy a gestire la sala di registrazione e a offrire anche le sue riconoscibili chitarre, porta un tocco indie-folk più marcato, ma di fatto non cambia la natura della sua arte. Lo testimonia subito la briosa Worlds Unknown, sorta di ventata di insolito ottimismo per i tempi moderni, quasi a dire che il sixties-pop, a cui Cut Worms fa senza misteri riferimento, era nato come espressione di una fiducia nel futuro che non ha senso perdere neppure in questo nuovo Medioevo.

Perché comunque le ombre si annidano ovunque nei suoi testi, vedi le successive Evil Twin e Windows on The World, ma presentando il disco Clarke ha voluto sottolineare quanto canzoni come Don’t Look Down siano nate come un volutamente forzato antidoto all’ansia e la tristezza che prova in questi anni, e il fatto che nel brano utilizzi un canto tremolato alla Donovan di altri tempi, fa capire lo spirito della canzone e del disco tutto.

Tweedy si tiene in secondo piano, ma si sente che ci sguazza con gran divertimento in queste trame old-style, rendendo brani come Long Weekend, Shut In o Out Of Touch quasi radiofoniche se solo vivessimo in un'altra era. Nel finale però Cut Worms si riserva un momento intimo con Dream, solo voce e piano in cui quasi si fa vincere dai dubbi e dallo sconforto quando canta “E se non riuscissi a ritrovare la strada di casa da te? Cosa mi aspettavo? Credo di averlo sempre saputo. Era qualcosa che nascondevo a me stesso”. Come a dire che il pop di questi anni non può proprio permetterselo di essere leggero.

Nicola Gervasini

VOTO 7,5

 

Lovvbömbing

 

Lovvbömbing - PISS! PEAS! PEACE!

2026 Vina Records

Un album di esordio di una band di ispirazione garage-punk nel 2026 è pur sempre una notizia in un ambito musicale generale che ormai viaggia verso altri lidi, ma tutto sommato l’idea di una canzone tutta rabbia e volume non è mai tramontata tra i giovani che hanno ancora il coraggio di imbracciare una chitarra o pestare una vera batteria, e in qualche modo ormai il genere è una nicchia al di fuori delle mode duratura e dal pubblico costante al pari dell’Heavy Metal. I Lovvbömbing! da Cesena, ad esempio, rispettano tutti i parametri dello stile: nome da combattimento, e primo album con titolo urlato fin dai giochi di parole alquanto attuali (“PISS! PEAS! PEACE!”).

Loro sono un quartetto classico formato da Francesco Brandolini, Federico Canducci, Francesco Lucchi e Lorenzo Ricci, che si sono lasciati coinvolgere da parecchie influenze che rendono l’album vario e più che interessante fin dall’iniziale Esquisito River, che parte come una classica punk-song alla Bad Religion, ma che ha nel mezzo un momento più etereo da stoner-rock anni Novanta. E, bene o male, tutti i brani giocano sull’alternanza tra momenti furiosi e altri più rallentati, come Whyte Rabbyt, che fin dal titolo gioca coi classici del flower power per un brano tutto accelerate, frenate e ripartenze, e ascoltate anche Doodly Doo, uno dei brani migliori della raccolta, che arriva ad un insolito minutaggio oltre i cinque minuti proprio in virtù dei tanti cambi di registro. L’ironia di alcuni titoli fa capire anche il tono sarcastico e canzonatorio delle loro canzoni, a partire dai nomi storpiati di titoli come James Pond o Sydney Weenie, che potrebbe appartenere al repertorio di Henry Rollins anche per l’attitudine allo stile declamatorio del cantante Brandolini, sia che si tratti di temi politici (President Alien, brano quasi space-rock in stile Hawkwind, e altro gioco di parole, stavolta relativo al noto fumetto e serie TV), sia di temi più legati all’amore universale (Fury, anche questa un muro di chitarre sferraglianti intramezzato da un momento quasi riflessivo).

Chiudono il disco lo sproloquio psichedelico di Majestic Silver Seas, e l’ultima devastante invettiva di Telejunkies. Il disco è stato anticipato da tre video musicali curati dallo stesso Brandolini, tutti con lo stesso protagonista mascherato da alieno che viene prima inseguito dalla polizia in Fajitas (Poliz Navidad), poi diventa lui stesso un predicatore per le masse (Whyte Rabbyt), fino a ritrovarlo Presidente di un mondo ormai completamente svuotato (President Alien). Registrato in presa diretta, PISS! PEAS! PEACE! è una conferma dal basso su quanto un certo tipo di rock possa ancora avere la forza di raccontare il presente con ironia e giusta rabbia.

Nicola Gervasini

VOTO: 7

Danny George Wilson

 

Danny George Wilson 

Arcade

Loose Music

***1/2

 

Partiamo subito dai consigli retroattivi: se non avete mai incrociato la musica dei Danny & The Champions of the World, siete ancora in tempo a recuperare alcuni brillanti titoli come Stay True (2013), What kind Of Love (2015) e Brilliant Light (2017). Erano dischi intrisi di filosofia blue-collar, con fiati soul sospesi tra Van Morrison e il Jersey-sound alla Southside Johnny, tanto rock da “Friday Night” post-lavorativo al pub insomma. Nulla di nuovo e strano, se non fosse che la band non veniva dagli USA, ma da Londra, anche se il suo leader Danny George Wilson vanta origini australiane.

Parlo di dischi ormai leggermente datati perché dopo il maturo capitolo del 2017, Danny George Wilson si era preso una pausa, utile a pubblicare nel 2021 un primo disco da solista intitolato Another Place, che vantava collaborazioni di nomi importanti come Jeff Tweedy, Emma Swift e Gerard Love dei Teenage Funclub, album che già evidenziava una svolta più cantautorale. Pareva quindi solo una parentesiz, visto che lo scorso anno i Danny & The Champions of the World erano tornati dopo sette anni di silenzio con un album, You Are Not A Stranger Here, che faceva però capire che qualcosa era ormai cambiato nelle mire artistiche di Wilson. Melodie più costruite e più eteree, più apertura mentale negli arrangiamenti, insomma, era evidente Wilson aveva cominciato a credere anche nelle sue doti di autore e non solo di ottimo performer. Non sorprende quindi che il secondo capitolo da solista intitolato Arcade segua un sentiero ormai totalmente lontano dallo spirito iniziale.

Wilson infatti offre un disco che affonda i piedi in certo cantautorato degli anni Sessanta o Settanta che amava orchestrazioni e spleen autunnali, e in più di un caso sul disco aleggia lo spirito di Bill Fay (sentite la piano-song Before September ad esempio). Per cui non più musica da venerdì sera al bar, ma da grigia domenica pomeriggio nel salotto di casa, immersi nella malinconia dei propri pensieri (il disco ha comunque un mood decisamente triste), e nella grandiosità di arrangiamenti orchestrali di Strange Weather o quelli più sperimentali di Golden Decay e Lost. A volte forse nella frenesia di diversificare le soluzioni esagera un po’ con le tastiere (Distant Seasons) o non riesce a non far scivolare la title-track un po’ nel ripetitivo, ma la bellissima Grain Of Sand, con il suo Wurlitzer in primo piano, o il duello tra acustiche ed elettriche di Masquerade, colpiscono nel segno. Prodotto da Hamish Benjamin, il disco conferma la collaborazione con Gerard Love e aggiunge le preziosi voci di Annie Dressner e Emma Tricca.

 

Nicola Gervasini

TIM EASTON

 

Tim Easton

fIREHORSE

Campfire Propaganda

***1/2

Tim Easton è uno di quei classici artisti che si segue per la sua musica, ma anche per il gusto romantico di amare uno degli ultimi veri troubadour itineranti del mondo roots americano. È uno di quei nomi che difficilmente appare nelle classifiche dei dischi epocali, anche in ambito roots-rock (Ammunition del 2006 e Porcupine del 2009 sono i suoi titoli più apprezzati in ogni caso), nonostante porti avanti ormai da più di trent’anni una carriera discografica di tutto rispetto. Forse la grande occasione l’ha persa in gioventù, quando nel 1996 esordì con la band alt-country degli Haynes Boys in un’epoca in cui il genere aveva ancora un certo appeal per il mercato discografico, ma da allora porta avanti la sua storia artistica in posizione defilata. È però un artista che garantisce da sempre ottimo songwriting e una buona cura nel confezionare gli album, e non fa eccezione neppure questo fIREHORSE.

Il concept del disco parte dal dipinto in copertina realizzato dalla sorella Susan Easton Burns, un cavallo in fiamme, ma le canzoni sono comunque slegate da un filo conduttore preciso, se non le storie raccolte nella sua vita raminga. Il piatto offre giri blues gestiti con grande esperienza (River, 615 Heartbreaker), pigre ballate country (Cottonfields), ballate d’autore (Heaven & Hell) e momenti elettrici da southern rock come Son Of A Tyrant. Sono storie personali nate nel suo girovagare il mondo come musicista quelle di Never Punch the Clock Again e HWY 62 Love Song, piccole visioni del mondo, a volte purtroppo realistiche e attuali (Another Good Man Down parla di violenze da strada), a volte semplici appunti motivazionali (Don’t Let Your Mind Grow Dark). Bizzarro il testo di Hallelujah, dove Easton racconta i suoi giorni durante la caduta dell’impero di Nicolae Ceaușescu in Romania (era il 1989).

Produce il tutto Kevin Nolan, facendosi aiutare da quotati session-men solitamente al servizio della stellina Country Lainey Wilson, ai quali Easton racconta di aver ha consegnato una copia di Time Out Of Mind di Bob Dylan e di Bring the Family di John Hiatt non per copiarli, ma a titolo di ispirazione di suoni e attitudine. Il disco è stato finanziato con successo tramite Kickstarter, e conferma limiti e pregi di una visione artistica volutamente senza clamori e da retrovie dello star-system.

 

Nicola Gervasini

 

Jake Kohn

 

Jake Kohn

Where Do We Go from Here? (Live From The Barn)

Lockeland Springs/Atlantic Records

***1/2

A guadarlo in faccia lo si potrebbe immaginare come il pronipote di Duane Allman, ma il diciottenne Jake Kohn non è figlio o nipote d’arte, anche se il suo album d’esordio Where do We Go from Here?, uscito solo pochi mesi fa, poteva tranquillamente farlo pensare. E’ solo un incoraggiante segnale che qualcosa ancora bolle nel pentolone di certo cantautorato americano, sospeso tra evidenti influenze southern rock (la voce è perfetta per il genere), e velleità da grande songwriter tradizionale.

Where Do We Go from Here? (Live From The Barn) è tra l’altro una strana operazione, decisamente non in linea con la modernità, primo perché i live-records stanno diventando sempre più rari e meno apprezzati nell’era dello streaming, secondo perché poi il disco non fa altro che riproporre l’esordio in versione da palco. Vezzo inutile o prodotto “only for fans” si potrebbe pensare, ma a noi dà la possibilità di tornare innanzitutto su un album che davvero rappresenta uno dei migliori esordi degli ultimi anni (e non ce ne sono poi molti su questo terreno, purtroppo), e, inoltre, siccome è normale che quando un ragazzino a 17 anni registra un disco così maturo si tenda ad essere sospettosi sugli abili aiuti tecnici da parte della produzione, il disco attesta che, nella loro versione live, queste canzoni suonano ancora più rauche e arrabbiate degli originali, rendendole più credibili.

Insomma, scopritelo pure anche partendo da qui Jake Kohn, perché Live From The Barn fa di brani già notevoli come The Last One, Frostbite o Dreams dei nuovi piccoli classici, nonostante la band resti comunque in secondo piano senza farsi troppo notare, e lui si prenda tutta la scena con la sua energia e il suo vocione. Basta anche sentire la stessa Where do We Go from Here?, che nella versione studio ha un mood melanconico sottolineato da un violino in primo piano, mentre nella versione live diventa quasi un rock da combattimento alla Jesse Malin, o lo stesso trattamento di “inselvaticamento” riservato al country di Lorraine. La versione live – splendida - di Nutshell degli Alice in Chains perde la collaborazione di Marcus King di quella in studio, ma mantiene quella di Zac Townsend, guadagnando se possibile ancor più senso tragico, esattamente come la dylaniana Before I Do, perdendo la voce di Wyatt Flores dell’originale, si trasforma in urlo di battaglia in una versione che chiude alla grande lo show.

Sta qui il senso di una operazione particolare, quella di mostrare fin da subito la propria “dark side of the moon”, forse conscio che le versioni in studio, per quanto riuscitissime, mancavano di quell’elemento fatto di sudore e energia che Live From The Barn ben evidenzia, e cioè di quella cosa che poi chiamiamo banalmente “spirito rock and roll”.

Nicola Gervasini

Florence and the Machine

 

Florence and the Machine - Everybody Scream

2025, Polydor

 

Li si attendevano al varco i Florence and the Machine per questo loro sesto album, dopo che Dance Fever aveva ricevuto consensi contrastanti (ma per il sottoscritto il disco migliora col tempo). Reduce da un periodo non troppo facile anche per questioni di salute, Florence Welch ha anticipato il disco con indizi sibillini (tipo che il disco sarebbe stato come uno scontro tra gli Swans e Adele), e tante foto che la vedono spesso assumere pose da dark lady, come anche poi la copertina di Everybody Scream, sospesa tra il sexy e il drammatico, ha poi confermato.

Una cosa certa è che la band (7 elementi oltre a lei), dopo un album molto essenziale, stavolta ha voluto allargare il suono facendosi aiutare dal chitarrista degli Idles Mark Bowen (produttore, musicista ma anche soprattutto co-autore di molti dei brani qui presenti), ma anche di molti artigiani dell’elettronica che hanno ammantato di suoni, drum machines e effetti le canzoni dell’ album, e qui non si può non citare il contributo evidente di Danny L Harle, collaboratore stretto di Caroline Polachek (ma tra i produttori e collaboratori, va segnalato anche Aaron Dessner, chitarrista dei National).

Il risultato è che fin dai primissimi giorni della sua uscita il disco sta facendo il botto (per quel che vale oggi, in UK è schizzato al primo posto della UK Chart), e sembra che questa nuova veste, sospesa tra indie d’autore alla PJ Harvey ed elaborato pop radiofonico (per cui la Polacheck potrebbe essere davvero un riferimento possibile), stia piacendo parecchio. Di fatto i toni sono da grande produzione, e la stessa title-track in apertura aggredisce l’ascoltatore coi suoi schiamazzi e la sua energia, il che pare essere anche in qualche modo in contrasto con testi, che invece appaiono ancora più personali, come evidenzia subito il secondo brano One Of The Greats.

Ovunque è un tripudio di archi, fiati, percussioni e tastiere, con chitarre in secondo piano (ma il lavoro di Bowen si sente quando è necessario), in cui vengono calate canzoni convincenti sia come scrittura che appeal radiofonico come Witch Dance o Perfume And Milk, episodi dark-folk come Buckle o Music By Men, o brani che mantengono il tipico marchio di fabbrica della band di partenza lenta con esplosione improvvisa nel chorus come The Old Religion o You Can Have It All. Su tutte spicca l’intensa Drink Deep, forse il brano che più attesta che la Welch ha diritto a stare tra i grandi della musica contemporanea. And Love chiude in maniera riflessiva un disco abile nel gestire tanti spunti senza apparire troppo barocco e sovra-prodotto.

 

VOTO: 8

Nicola Gervasini

Marco Simoncelli

 

Marco Simoncelli

Prima di Morire

Auditoria Records, 2025

File Under: Di Amore e di Politica

I segnali di cambio di rotta erano già evidenti nell’album Breejo del 2022, ma la trasformazione di un armonicista blues come Marco Simoncelli in un cantautore di stampo classico è in questo nuovo Prima di Morire ancora più evidente. Non che la passione per l’armonica e la musica del diavolo sia passata, ma è evidente che Simoncelli abbia voluto portare la sua scrittura su territori lontani dalle 12 battute. Anche perché nel frattempo ha affinato una vis polemica su temi sociali che cercavano uno sfogo più adatto, come ben descrive la jazzata Di Amore e Di Politica, che funge un po’ da sintesi del tema portante dell’album (“Canzoni per la storia di un amore, Di quelli che non durano in eterno, Canzoni per parlare male del Governo, Oppure scrivere del mondo che vorrei”). Ma l’iniziale Il Circo, impietosa descrizione del mondo moderno senza troppi peli sulla lingua (“Ci tengono distratti col circo e con la fica”), fa capire subito che ci sarà rabbia e amaro sarcasmo da sfogare in tutte le canzoni. E anche musicalmente le tastiere di Joseph Nowell, principale collaboratore dell’album, fanno capire che si spazierà spesso e volentieri in altri mondi musicali, come pare chiaro dal quasi reggae Ma Non Mi Dire, “anti-war song” intrisa di disperazione.

Nel booklet ce lo presentano i giornalisti musicali Aldo Pedron e Fabio Villa, ma si segnala anche l’accorato apprezzamento scritto da Iva Zanicchi, che in particolare apprezza Fra Martino (anche questa invettiva contro i social, con punta di nostalgia verso il modo di comunicare più umano del passato) e l’omaggio a Lucio Dalla di ll Cantautore Lucio (bella piano song con gioco di archi e un testo che gioca a citare i versi di Disperato, Erotico Stomp). Una influenza evidente quella di Dalla, quanto magari quella di artisti meno inquadrabili come Alberto Fortis (la divertente Pollo al Berbecue sarebbe nelle sue corde) o Sergio Caputo (Carolina, canzone sull’”estetica del social” infarcita di fiati e sapori soul, gli piacerebbe parecchio).

Altrove Simoncelli offre numeri da scafato chansonnier come Natale Triste (preghiera laica ai “Masters of War” odierni), e chiude il tutto una Come Sarebbe Bello, in cui torna con anche una certa feroce disillusione (ma anche una ironia quasi da stand-up comedian) nel parlare della propria vita privata. Prima di Morire è una sorta di concept album sui cinquantenni di oggi e le loro difficoltà ad accettare i cambiamenti epocali della storia e i ritmi e le modalità della comunicazione dei giorni nostri (“Dimmi, che cosa te ne fai di tutta quella poesia? Quando alla radio si trasmette solo porcheria!”), un disco che si schiera apertamente pur restando una ben prodotta fotografia del presente ad uso di tutti.

 

Nicola Gervasini

 

SMASH PALACE

 

 

Smash Palace

87

Dualtone

***1/2

Era il 1985, tempi in cui un contratto con una major (la Epic in questo caso) poteva svoltare la vita anche ad una band come gli Smash Palace, quartetto del New Jersey che fin dal 1981 aveva infiammato non pochi locali col nome Quincy (ci pensò Quincy Jones a fargli cambiare nome minacciando cause legali). Il loro esordio omonimo fu anche promosso con doveroso video in heavy rotation su MTV (Living on the Borderline), la label li mandò in tour come spalla dei Mr. Mister (ai tempi dei big, grazie alla hit Broken Wings), ma le vendite furono considerate scarse. Per il secondo album quindi il loro manager li convinse a passare alla Polygram, ma lasciarono la Epic senza ancora il contratto in tasca, e il manager si volatilizzò assieme al promesso contratto con la nuova major mentre già stavano registrando le nuove canzoni. I due leader, i fratelli Stephen e Brian Butler, hanno poi tenuto viva la sigla tra stop e riprese e inevitabili alti e bassi di una carriera da outsider, in alcuni casi anche recuperando già alcune di queste canzoni in dischi successivi.

Ci pensa oggi la Dualtone a stampare 87, il mai uscito secondo album, ed è una bella riscoperta, non perché tra questi brani ci potesse essere una potenziale hit che li avrebbe lanciati (anzi, la mancanza di un singolo accattivante fa capire come mai nessuno si sia poi fatto avanti per comprare i diritti dell’album), ma perché qui si parla di un’era in cui i dischi si registravano in studio con produttori e tecnici di primo ordine e con la dovuta attenzione ai particolari. E il confronto qui si può fare perfettamente, perché dei dieci brani, 5 sono gli originali del 1987, 5 sono invece demo di quelle session ritoccate dalla band di oggi (riunita nella formazione originale per l’occasione). Insomma, gli Smash Palace hanno finito un lavoro lasciato a metà nel migliore dei modi, fornendo una serie di intriganti canzoni che, fin dall’iniziale Bitter Blue, richiamano i Psychedelic Furs (con il loro leader Richard Butler, Brian Butler condivide cognome e timbro di voce), ma la label per presentarli cita Tom Petty, Cheap Trick, Marshall Crenshaw e gli Smitheerens, e vi assicuro che nessuno di questi nomi pare del tutto fuori luogo. Era un rock and roll che in qualche caso flirtava parecchio con il power-pop e la new wave, con brani che stanno tra i Godfathers (Poor Man’s Paradise) o gli Stranglers (Top Of The World), che trasudano rock da bassifondi (I’ll Be There, questa sì “pettyana”) o che più che del New Jersey, li fa sembrare una band australiana sospesa tra Hoodoo Gurus (Everything Under The Sun) e Died Pretty (Imaginary Lines). Erano gli anni Ottanta in ogni caso, e il pegno al pop radiofonico dell’epoca è pagato con brani come Along For The Ride o Centipede, che ricordano quasi gli ABC (che nel genere suona come un complimento), e in First Time Of Everything affiora anche una drum machine d’altri tempi. Un recupero doveroso.

Nicola Gervasini

Langhorne Slim

 

Langhorne Slim

The Dreamin’ Kind

Dualtone

***

Ci sono dischi di autori sconosciuti che ad un certo punto diventano importanti grazie al continuo passaparola tra appassionati, probabilmente il genere di distribuzione “low cost” più auspicata da un autore esordiente o quasi. Accadde ad esempio al disco When the Sun's Gone Down di Langhorne Slim alla fine del 2005, disco che la piccola label newyorkese Narnack Records era riuscita a distribuire un po’ ovunque nel globo, grazie ad una costante promozione degli ascoltatori. Probabilmente ci mise troppo tempo a dargli un seguito (uscito poi nel 2008), tra l’altro con un album senza titolo, quasi a voler intendere una nuova ripartenza dopo gli anni di gavetta indipendente, ma quel disco e il successivo Be Set Free del 2009 non vennero accolti con lo stesso calore. Da allora Langhorne Slim ha pubblicato solo 3 album prima di questo nuovo The Dreamin’ Kind, rimanendo sempre in quella sfera di artisti con un fedele seguito di appassionati, ma mai abbastanza capaci di quel passo in più per diventare personaggi di primo piano, anche nel panorama indie-folk odierno. E questo nuovo album ne conferma pregi e difetti, così come la sua unicità e i suoi limiti.

L’impianto da una parte è sempre quello classico dell’indie-folk di vent’anni fa: da una parte brani malinconici, spesso basati su chitarra acustica o mandolini (Stealin’ Time insegue addirittura la lezione melodica di Cat Stevens), tante orchestrazioni (Dance On Thru), atteggiamento dimesso e nessuna ostentazione di tecnica, ma dall’altra anche un nuovo registro più rock grazie alla produzione di Sam Kiszka dei Greta Van Fleet, che si traduce in brani come l’iniziale Rock N Roll, con i suoi riffoni da hard-rock band anni Settanta, il giro più electric-blues di Loyalty, il southern rock di Haunted Man, o il quasi punk-rock da cantina di Strange Companion. A tratti sembra quasi di risentire gli Eels del periodo Souljacker per come anche Langhorne Slim abbia voluto provare a stravolgere la grammatica rigida, e poco avvezza a stranezze, del rock da radio FM, e in parte ci riesce, anche se resta la sensazione che sia un pesce fuor d’acqua nel genere. Altrove prova a darsi al tex-mex (la morriconiana Rickety Ol' Bridge), al gospel (Lord, un numero in zona Dylan epoca Shot of Love), ma poi è più incisivo quando fa cose più semplici come la bella ballad in up-tempo di Possessive o l’orchestrata Dream Come True. Il tentativo di fare un disco al di fuori della sua routine è palese, e il risultato sicuramente è godibile, per quanto l’appuntamento con il disco che svolta una carriera mi pare mancato.

 

Nicola Gervasini

 

AMY SPEACE

 

Amy Speace

The Blue Rock Session

(2025, Amy Speace)

File Under:  Home Sessions

Seguo da anni la carriera di Amy Speace, autrice sospesa tra folk, country e semplice cantautorato, che vanta ormai una cospicua discografia arrivata al dodicesimo capitolo con questo The Blue Rock Session. Che, diciamolo subito, non è esattamente l’episodio più indicato per fare la conoscenza con la sua penna e la sua sensibilità (per quello magari recuperate Songs For Bright Street del 2006 e The Killer In Me del 2009), in quanto trattasi di un home-record per voce e chitarra acustica con una scaletta stilata più col cuore che con la ragione.

Tra questi 11 brani, infatti, troverete nuove composizioni e remake di brani già editi, per cui non è forse esatto parlare di nuovo album, anche se le note di copertina evidenziano quanto lei senta che ci sia una sorta di filo conduttore tra questi brani, nati in un periodo doloroso della sua vita per via di una separazione sentimentale. La buona notizia è che comunque i nuovi brani la vedono coinvolta e ispirata, e sebbene il “mood” non sia dei più allegri, trova anche il modo di iniziare in modo ironico con On A Monday in London, canzone dedicata ai tanti concerti semideserti che artiste come lei devono accettare girando per il mondo (il titolo nasce da un messaggio dell’organizzatrice di una serata che le diceva “non so se stasera verrà gente, tieni conto che piove ed è un lunedì a Londra”). Altrove c’è una ricerca di salvezza attraverso una propria personale via di vivere la spiritualità in God Came To Me (lei è presbiteriana), ma anche l’esorcizzazione del dolore della separazione di In This Home, incentrata sul concetto dia accettare che quella che era “la nostra casa” diventi “la mia casa”, o di Out of the Blue, unica piano-ballad della raccolta insieme alla nuova versione di Both Feet On The Ground . The Mother invece è la canzone più recente, scritta nella residenza di Blue Rock dove ha registrato il disco, e dove dopo dolo una settimana di permanenza la zona ha subito una pesantissima inondazione, mentre Dream of the Hawk ha la curiosa genesi di essere stata scritta in 30 minuti prima di un festival folk a tema sul Sogno.

Tra i recuperi invece si segnalano una Kindness dai sapori celtici, scritta da Ben Glover, ma già pubblicata in versione al piano per Me and the Ghost of Charlemagne, così come The Sea and the Shore nasceva da una collaborazione con Robby Hecht per l’album How To Sleep In A Stormy Boat, continuata anche per scrivere l’invettiva politica anti-trumpiana di I Found A Halo, che era rimasta inedita, ma che mai come oggi era il caso di riesumare, mentre Weight of the World era una hidden track di The Killer in Me che ha voluto rifare ispirata da una versione offerta da Judy Collins nell’album Paradise nel 2009. Il tutto viene eseguito con il dovuto trasporto, ma anche una certa piattezza dell’insieme che già rende a volte i suoi dischi poco dinamici. E’ un disco nato principalmente per essere venduto ai concerti, con tanta carne al fuoco, ma magari non a tutti piacciono le grigliate così poco condite.

Nicola Gervasini

 

Brandi Carlile

 

Brandi Carlile

Returning to Myself

Lost Highway 2025

File Under: Personal Wars

Il titolo Returning to Myself è più che chiaro su quale sia l’impostazione dell’ottavo disco in studio di Brandi Carlile, una sorta di dichiarazione di bisogno di intimità e di meno luci della ribalta. Cantautrice a noi cara fin dai suoi primi passi (The Story del 2007 resta uno dei dischi fondamentali del cantautorato femminile degli anni 2000), la Carlile è nel tempo diventata un personaggio importante nel mondo culturale americano per le sue lotte e la sua Looking Out Foundation, organizzazione da lei fondata nel 2008 (con a capo sua moglie Catherine Shepherd, per dieci anni dirigente delle iniziative benefiche di Paul McCartney), e che ha lanciato tante battaglie umanitarie non particolarmente care alla politica americana odierna. E da qui parte anche il nuovo album, perché in un disco che si dichiara intimista diventa per lei naturale piazzare un brano come Church & State, veemente (anche musicalmente, unico brano “rock” del disco non a caso) invettiva anti-trumpiana scritta col cuore.

A questo si aggiunge anche un certo successo di pubblico, con operazioni anche da vero star-system nashvilliano come il supergruppo country delle Highwomen creato nel 2019, e ovviamente il recente disco a due mani con Sir Elton John, suo mito personale (nella Reissue del suo primo album una delle bonus track è una sua versione di Sixty Years On ad esempio, ma qui basta anche sentire A Woman Overseas per sentirne la forte influenza, o scoprire che You Without Me è un rework di un brano a firma John/Taupin).

Returning to Myself conferma in regia lo stesso produttore di Who Believes in Angels? Andrew Watt, probabilmente il nome più richiesto al momento per come sa far suonare moderne anche canzoni di vecchio stampo, anche se personalmente trovo il suo suono un po’ troppo “streaming-friendly”, in questa come in altre occasioni (passa con disinvoltura dai Rolling Stones, Iggy Pop o Pearl Jam a Lady Gaga o Justin Bieber non a caso). Qui però alla produzione e in session ci sono anche Justin Vernon alias Bon Iver e Aaron Dessner dei National, e questo team spettacolare, e più che mai diversificato, pesa molto sul risultato finale nel bene e nel male.

Ma quello che fa di Returning to Myself un disco importante sono le canzoni, che dimostrano come la Carlile abbia mantenuto nel tempo una qualità compositiva di gran livello, anche quando magari la produzione non è delle più adatte. La critica che le si può muovere è magari una certa indecisione tra i toni di folk intimo di alcune canzoni (la title-track, Anniversary, o una Joni che dice tutto fin dal titolo), e un suono più pop e barocco che la fa quasi somigliare ai Florence & The Machine in certi casi (Human, A War With Time, No One Knows Us), non sciogliendo quindi il dubbio su dove voglia andare a parare musicalmente. Paradossalmente proprio l’ultimo brano A Long Goodbye, col suo pigro incedere springsteeniano, è l’unico episodio spoglio degli orpelli produttivi che un po’ appesantiscono un disco comunque bello e importante, e fa capire che comunque il successo non le ha mai fatto perdere la strada maestra.  

 

Nicola Gervasini

Joseph Martone

 

Joseph Martone

Endeavours

(2026, Rivertale Productions)

File Under: Dark Cowboys

 

La copertina tutta a tinte di nero e chiaroscuri di Endeavours è più che mai rappresentativa del suo contenuto, e d’altra parte l’americano Joseph Martone aveva già evidenziato nel nell’album Honey Birds del 2020 quanto fosse anche lui un nuovo spirito della notte. Voce bassa e cavernosa, atmosfere dark create da molti strumenti, ma con una resa scarna ed evocativa, Martone è l’ultimo nato di una stirpe di cantori dell’anima notturna alla Nick Cave o Hugo Race, anche se il tocco vagamente “rootsy” di molte composizioni quasi lo portano più verso il sofferto e oscuro blues di Malcom Holcombe.

Scritto in gran parte con il collaboratore e amico di lunga data Ned Crowther, come il precedente album vede coinvolti un mix di musicisti americani e italiani, con la conferma come principale sparring partner di Taylor Kirk alle chitarre e altro come mellotron, Farfisa, percussioni, e il grande peso delle tastiere (principalmente piano e synths) di Michael Dubue (entrambi, anche produttori del disco, provengono dai Timber Timbre) bravissimi nel creare atmosfere da notte buia e tempestosa. Completano la band la sezione ritmica italiana di Francesco Giampaoli (Sacri Cuori) e Fabio Rondanini dei Calibro 35, e le voci di Rebecca Noellei e Marianna D’Ama a completare il tutto.

Nove brani da ascoltare al buio, a partire dal singolo Lying Low corredato dal bel video girato da Antonio Zannone (specializzato in videoclip della scena underground italiana), Martone affonda le liriche di brani come Saint Marie o del mid-tempo On The Mend nei suoi ricordi, che comprendono anche quelli delle sue origini campane (viene dal paesino di Vitulazio, a nord di Caserta). I brani più lenti e cavernosi come Overboard o la tile-track non possono non ricordare il Leonard Cohen degli ultimi album in vita, ma al di là di un mix stilistico non nuovissimo, Martone ha un suo personalissimo modo di graffiare con la voce le tele bluesy della sua  band, offrendo brani di pregio come True Times e Wounded Love, o se volete prendere un brano che possa davvero appresentare al meglio il tutto per suono, spirito e testo, scegliete di ascoltare Bright Morning Doubt appena svegli. Disco breve, molto ben registrato, Endeavours è un piccolo gioiellino per anime che danno il meglio quando cala il sole.

 

 

Nicola Gervasini

KLIPPA KLOPPA

 Klippa Kloppa – Bijoux

2025, Snowdonia Dischi 

Sono ormai una realtà storica nella scena underground italiana i Klippa Kloppa di Nicola Mazzocca, combo nata nel casertano negli anni 90, un piccolo laboratorio di una nuova idea di pop italiano che ha avuto un lungo e tortuoso percorso discografico, culminato con la pubblicazione dell’album Liberty nel 2019, sicuramente l’approdo più maturo di tutta la loro produzione, e anche il loro titolo più promosso dalla critica nostrana. A distanza di sei anni esce finalmente il suo ideale seguito, Bijoux, un disco che si presenta benissimo fin dalla confezione (ma, da questo punto di vista, la Snowdonia è ormai una garanzia), con copertina e libretto corredati dai disegni di Luca Tieri, italiano, ma giapponese di adozione sia per luogo dove vive che per tratto grafico.

Registrato sempre tra Napoli e Caserta, l’album conferma la formazione con la voce declamatoria di Mariella Capobianco, le chitarre a volte acide (La Piuma che Regge il Mondo), a volte più leggere (il jingle-jangle byrdsiano di Linea D’Aria) di Mariano Calazzo e Marco Di Gennaro, a cui si aggiungono la batteria di Stefano Costanzo e le tastiere di Simone Caputo, con Nicola Mazzocca che spazia su vari strumenti e, con Calazzo, anche alla voce solista. Sono canzoni che affondano le mani nel suono degli anni Settanta, come ad esempio una Righe Rotte che mi aspetterei di trovare anche in un disco dell’epoca di Alberto Radius, ma che partono dal concetto di utilizzare elementi e suoni classici negli arrangiamenti e destrutturali in composizioni che sanno comunque di pop d’avanguardia degli anni Duemila. 

I testi di Mariella Capobianco infatti non sono certo facilmente cantabili e necessitano di una attenzione particolare, eppure anche lo scioglilingua di Le Sette e Sette (dove interviene la chitarra di Luca Fusari degli X-Mary) si appoggia su un giro armonico che sarebbe piaciuto al Lucio Battisti degli anni Settanta, ma che richiama pure quello dell’”epoca Pasquale Panella” nell’uso delle parole. Ma sebbene le parti cantate restino poco radiofoniche, c’è spazio per brani di accattivante struttura classica come Profondo, mentre magari Un Puntino Nero viaggia più nella zona del Franco Battiato di metà anni Novanta. C’è modo anche di divertirsi con l’ironica Iconico/Anonimo e la scanzonata samba da lounge bar della tilte-track. Chiude la bella Notte, con le sue tastiere d’altri tempi, finendo in bellezza un disco che aggiorna una tradizione italiana ormai antica, ma che mai come oggi pare l’unica via moderna di continuare a fare pop d’avanguardia. 

VOTO: 7,5

Nicola Gervasini

JOHN STRADA

 

John Strada

Basta Crederci un Po’

CRINALE LAB

***1/2

 

In John Strada convivono alcune tradizioni musicali a noi ben note: da una parte quella del mondo poetico fatto di impegno sociale e sentimenti del Greenwich Village, dove John ha vissuto qualche tempo per completare la propria maturazione, dopo che in Italia aveva già pubblicato due album, e dall’altra quella della nostrana tradizione di “neo-springsteeniani”, che fin dagli anni Ottanta ha avuto tanti rappresentanti concentrati soprattutto tra l’Emilia e il Veneto. Professore di letteratura anglo-americana nella vita, Strada ha portato avanti una carriera di passione e amore per una tradizione culturale di cui si è sempre fieramente dichiarato figlio. Radice che non muta anche per questo Basta Crederci un Po', ma stavolta John ha voluto dare più attenzione all’aspetto formale, chiamando alla produzione l’esperto Don Antonio, figura di produttore “old-style” (come pure negli Stati Uniti si usa sempre meno purtroppo), di quelli che non solo cura la realizzazione delle canzoni, ma si presenta con un suono personale, un’idea, e una band di fidati session-men (Diego Sapignoli, Nicola Peruch, Denis Valentini, e i cori di Daniela Peroni e Laura Zoli). Una scelta importante quindi, perché l’artista è consapevole del fatto che il risultato sarà diverso da quello che si era immaginato scrivendo i brani, e qui sta lo stimolante gioco di ruoli che abbiamo già visto con successo in altre produzioni di Don Antonio, da Massimiliano Larocca ad Alejandro Escovedo.

Il trucco funziona benissimo anche qui, Don Antonio sa come calarsi nelle canzoni dell’autore di turno, in questo caso un artista sanguigono e viscerale come vuole la tradizione, ma che per questi brani ha cercato di trovare toni meno gridati per dare al disco un sentimento diverso. Basta Crederci un Po’ è una sorta di piccola fotografia della vita di provincia e di quella intrinseca malinconia che la pervade, e che fa sembrare l’allegria forzata ostentata nei social più che grottesca (ne parla nella iniziale title-track, in Amore Social, ma anche in Manca il Respiro in qualche modo). Una provincia dai ritmi blandi, ottimi per sognare (Ballando In Città) e per pensare (Giocattoli Rotti o l’ottima Parlavo da Solo: Stream of Consciousness, canzone che sarebbe piaciuta molto a Pierangelo Bertoli), per ricordare amori finiti male (Non ti Dirò Ti Amo) o commentare fatti di cronaca (Girasoli, dedicata al caso di Federico Aldrovandi), o anche prodigarsi in riferimenti letterari (La Tygre e l’Agnello ispirata da poemi di William Blake). Gli arrangiamenti di Don Antonio, più che mai vari e fantasiosi, sospesi tra folk, canzone popolare, funky, samba, soul, elettronica, tanti cori e un po’ di Tom Waits qui e là (e molto poco blue-collar rock a questo giro), donano a un pugno di canzoni ispirate il tocco in più.

Nicola Gervasini

 

Sterbus

 

Sterbus

Black and Gold

(2025, Zillion Watt)

File Under: Virginia Wolfe

 

La storia degli Sterbus, duo formato da Emanuele Sterbini e Dominique D'Avanzo, è ancora oggi più raccontata e seguita all’estero che in Italia, grazie ad album che vi avevamo presentato anche sulle nostre pagine come il doppio Real Estate/ Fake Inverno e il più diretto e power-pop Let Your Garden Sleep In, che nel piccolo di una produzione comunque indipendente, hanno ottenuto consensi anche fuori dal nostro paese. Il nuovo album Black and Gold è un progetto ancora più ambizioso: nato durante gli ormai abbastanza lontani tempi del “lockdown” per diventare un EP, il disco si è sviluppato poi in un progetto più ampio che coinvolge musicisti italiani e inglesi, come, tra gli altri, Alessandro Palermo, Edoardo Taddei o gli archi di Layer Bows.

E anche musicalmente l’album si propone come un caleidoscopio di vari generi, fondamentalmente comunque riassumibili in un mix di alternative folk e “prog” di vecchio stampo, con sempre in mente i Cardiacs come modello (Sterbini ne è acceso seguace), ma che in qualche modo ci riporta anche a simili esperimenti portati avanti dai Decemberists dell’epoca di Crane’s wife o The Hazards of Love. La voce di Sterbini ben si adatta al genere (in qualche momento ricorda Steven Wilson, ad esempio in Two Elms), il resto lo fanno le composizioni scritte con le liriche di Dominique D’Avanzo, unite in una sorta di concept album ispirato dalla figura di Virginia Wolfe (è suo il ritratto in copertina firmato da Dario Faggella), e sul suo simboleggiare la triste e disillusa modalità di sopravvivere e reagire alle tragedie e alle brutture (War Waltz) di un mondo che dagli anni del Covid sembra essere esploso in una spirale di violenza e disumanità che stiamo vivendo ancora in pieno.

Tra i brani più significativi sono da citare sicuramente la lunga e complessa Alfriston Two Four Five, testo scritto in questo caso da Marco Zatterin citando nel titolo il numero telefonico della sorella di Virginia Wolfe che fu composto per darle notizia del suicidio della scrittrice, ma che poi si addentra nel delicato tema della salute mentale. E proprio di Virginia Wolfe è il testo recitato di una Virginia Flows che sa molto dei King Crrimson della prima era, caratterizzato da un gran bel solo della chitarra di Peter Lawson. Altrove in Renaissance si affronta il tema della rinascita dopo la tragedia (“Two people couldn't have been happier until this terrible disease came”), prima che la acustiche Black and Gold e Undone ammantino il tutto di pessimismo. Si termina col dialogo piano-fiati della soffice Careful of Neon Lights e i passaggi strumentali di Down the Reverb e The Greatest Possible Happiness un disco ancora una volta coraggioso e molto interessante.

 

Nicola Gervasini

 

NichelOdeon Ft borda

 

NichelOdeon Ft borda - Flipper (Folk Songs For The Judgement Day)

2025, Trumpf!

 

Il progetto Flipper viene descritto come “Dai Canti delle Crociate e i Lamenti delle Vedove, a David Guetta e Sia”, e credo non ci sia modo migliore per iniziare a presentarvelo. Sui progetti del poliedrico Claudio Milano, qui ufficialmente in veste NichelOdeon, vi abbiamo già tenuti aggiornati in passato, compresi quelli in collaborazione con Teo Ravelli, in arte borda, e stavolta potremmo anche farvi passare questo Flipper come un torrenziale cover-album che spazia ovunque nella storia della musica, ma anche qui sarebbe inesatto, perché immersi in questi visionari “medley” ci sono anche nuovi brani originali scritti da Milano. Singolare anche la scelta di una versione abbreviata a 77 minuti per l’edizione in CD, rispetto ai 100 minuti della versione trovabile online (ad esempio su Banndcamp), simbolo della moderna trasformazione dei formati musicali.

Il concept di fondo è quello di offrire una performance vocale e sonora che unisca brani legati tra sé da nessun vincolo di parentela, per cui ad esempio nel primo brano Distopia #1 - Nobiltà Decaduta, la canzone La Fenice che già Milano aveva interpretato nel disco tributo a Rodolfo Santandrea edito dalla Snowdonia, si intreccia con Cornflake Girl di Tori Amos o la Non, Je ne Regrette Rien di Edith Piaf,o ancora classici italiani come Mi Sono Innamorato di Te. Non pensate a cover tradizionali, ma ad una sorta di patchwork di composizioni rielaborate, utili a crearne una unica, con Milano che ha registrato le parti vocali a cappella, e borda che ha musicato il tutto con le sue basi elettroniche solo successivamente.

La lunghezza dell’album in questo caso non spaventi, i cambi di tono e ritmo sono talmente vorticosi che non c’è tempo per perdere attenzione o annoiarsi, al di là del gioco a indovinare subito la canzone trattata senza leggere pima l’elenco.  Ne esce una sorta di piccola enciclopedia della musica di ogni secolo, e seppur con stile completamente diverso, potemmo quasi considerarla una rilettura italiana dell’album 1000 Years of Popular Music del chitarrista inglese Richard Thompson, che tra l’altro tra riletture di traditional britannici e Prince o Britney Spears, riprendeva anche So Ben Mi C'ha Bon Tempo, brano del 1590 di Orazio Vecchio, qui rimodulata anche da Milano.

Ma più che altro ne esce un quadro disperato delle mille sfaccettature del concetto di Paura, che è quello che ha motivato la scelta dei singoli brani, e giustificato l’idea di chiamare i pezzi con il termine “distopia”, quasi che queste canzoni (che per Milano sono “folk” a prescindere da stile, autore o epoca) raccontino una storia non controllabile dal singolo, e da qui quindi l’ineluttabile paura per la propria sorte e un futuro che ci appare inevitabilmente distopico

 

Nicola Gervasini

VOTO: 7.5

Liam St. John

 

Liam St. John

Man Of The North

Big Loud Rock

***1/2

Liam St. John è una sorta di eccezione alla regola, e cioè quel raro caso in cui il mondo televisivo statunitense ci regala un vero buon talento da scoprire.

Di Nicola Gervasini

“Rock & Soul Singer Songwriter” recita il suo biglietto da visita sul suo sito personale, e già questo dovrebbe rilassarci sul fatto che valga davvero la pena di scoprire Liam St. John, artista che viene da Nashville, ma che accogliamo nei nostri ascolti con la naturale diffidenza che il nostro mondo musicale ha per i personaggi usciti dal mondo televisivo. St. John è stato infatti uno dei protagonisti del programma The Voice nell’edizione del 2020, dove faceva parte della squadra allenata da Gwen Stefani che poi si aggiudicherà l’edizione grazie al quindicenne Carter Rubin, oggi ancora pop-star in altri universi culturali. Liam St John si fece comunque notare parecchio (arrivò quasi a vincere la seconda puntata dello show) con il suo blues riadattato per la TV, e ha poi pubblicato un album ed un EP senza però riscuotere il successo preventivato, e si è così chiuso in sala di registrazione con una valida band di Nashville, deciso a dimostrare qualcosa in più.

Il risultato è questo Man Of The North, tour de force di 16 brani che però cambiano parecchio la sua storia, perché in mezzo a forse troppo materiale per un artista che ancora deve conquistare la fiducia di molti, si trovano canzoni di sicuro pregio. Intanto diciamo che il ragazzo ha una gran bella voce (vagamente mi ricorda Grayson Capps), e soprattutto la usa spesso come si conviene ad un genere rauco e sporco come questo roots-blues, che affronta senza i facili ed inutili virtuosismi che il mondo musicale televisivo spesso pretende. E la produzione dell’album si destreggia bene in un sound moderno (Believer è comunque un pezzo che ha un drammatico appeal radiofonico in linea con i tempi), che tiene conto nel giusto modo di una tradizione di roots musica classica (If I Were My Father). D’altronde proprio nella title-track lui dichiara “La mia spina dorsale è debole, ma le mie radici sono larghe come un pino sempre verde”, come a rivendicare un background musicale di tutto rispetto per poter affrontare un genere che ha padri più che nobili, e tanti figli con cui comunque mettere a confronto brani tra roots-rock e blues come Off The Rails e Forefathers. Tra echi di country di Nashville e molto blues elettrico (Trouble o Dipped in Bleach invadono addirittura il campo dei Black Keys), tra sapori rock alla John Mellencamp quando era Cougar (o quasi mi torna in mente Chris Knight in certi momenti), e ballatone pregne di epica southern rock (Devil To Pay, Stick To Your Guns), vi assicuriamo che il viaggio in questi sedici brani, in cui non sarebbe neppure facile decidere quale eliminare per rispondere ad immotivate esigenze di dono della sintesi, risponde a tutti requisiti che potreste richiedere ad un bel disco di puro e rozzo Heartland Rock nel 2025.

 

Jesse Harris

 

Jesse Harris

If You Believed In Me

Artwork Records

***1/2

Storico collaboratore di Norah Jones, ma anche di Emmylou Harris Willie Nelson, Cat Power, e Black Keys, il chitarrista Jesse Harris prova a riportare in auge la nobile arte dell’orchestrazione.

Di Nicola Gervasini

Il destino, al tempo stesso felice e ingrato, di Jesse Harris, è che qualunque articolo lo riguardi da anni, deve per forza citare la canzone famosa di cui lui fu autore. La celeberrima Don’t Know Why con cui Norah Jones si fece conoscere nel mondo, vincendo anche un Grammy Award nel lontano 2002, era sua infatti, ed era già stata registrata in un suo album di tre anni prima a nome Jesse Harris and the Ferdinandos, ma la portò in dote quando fu poi assunto come chitarrista dalla nota figlia di Ravi Shankar. Da allora va detto che il nostro non ha poi sfruttato troppo la possibile notorietà, se la sua carriera solista è poi proseguita regolare sia nelle uscite, sia nel venire spesso ignorata dalle grandi testate musicali.  If You Believed In Me sembra invece chiedere di dargli nuova fiducia fin dal titolo, perché è una raccolta di dieci brani brevi, ma davvero finemente prodotti e arrangiati, dove chi ama le atmosfere a cavallo tra cantautorato folk e soluzioni jazzy di Norah Jones si troverà a casa, ma in più aggiungerei anche un gusto raffinato, e quasi “alla Randy Newman”, nel gestire le orchestrazioni (meravigliosamente condotte dal brasiliano Maycon Ananias). E questo sia quando sono evidenti protagoniste (There's a Real World), sia quando fanno da sfondo e controcanto a deliziosi bozzetti acustici come I’m Not Sure.

Disco quindi autunnale e gentile, a cui forse manca ancora il guizzo autoriale distintivo che lo ha reso in carriera un bravo outsider e non un protagonista, ma sicuramente pieno di melodie sapientemente costruite, unendo spleen crepuscolare e cantabilità (ascoltate Like a Leaf, qualcosa dalle parti del primissimo Bill Fay), o ballate acustiche semplici, quasi alla Cat Stevens, come Dolores. La scelta di chiamare l’amica Norah Jones a duettare nel singolo Having a Ball, melliflua ballata sul modello di Something Stupid di Frank e Nancy Sinatra, testimonia un rapporto duraturo ma anche ingombrante, ed è un peccato perché in fondo anche brani strumentali come Nobody Else (lo aiuta qui il pianista Jake Sherman) lo confermano chitarrista acustico di sicuro interesse. C’è tempo anche per un momento in francese con Marine Quéméré, che mette la sua suadente voce in Rose du Ciel, prima di chiudere con Where’s Your Shadow un disco da ascoltare rigorosamente guardando le foglie cadere.

THE HIVES

 

The Hives - The Hives Forever Forever The Hives

2025, PIAS Recordings

C’è stato un momento, a fine anni Novanta, in cui l’attenzione che le Major avevano dato all’inizio del decennio al mondo alternative-rock si spostò verso i mondi ancora più estremi di certo garage rock. In quello che molti videro comunque come un revival di un modo antico di intendere il rock and roll (la ricetta era la stessa, chitarre sferraglianti, produzione ridotta al minimo, rabbia e istinto come must creativo e two/three-minute songs senza toppe complicazioni), la Svezia giocò un ruolo a sorpresa determinante con band come gli Hellacopters e soprattutto gli Hives, tutti figli artistici di band come Nomads o Wylde Mammoths che avevano inaugurato la scena un decennio prima.

La parabola degli Hives li ha visti toccare anche il successo internazionale con gli album Veni Vidi Vicious del 2000 (mai titolo fu più chiaro sul contenuto del disco) e Tyrannosaurus Hives del 2004 (e anche qui i riferimenti storici erano palesi), poi il calo, sia creativo che di vendite, ha portato la band a mollare il colpo nel 2012 dopo altri due album. Ma siccome il fuoco del rock brucia sempre anche quando intorno tutto gela, il leader Howlin' Pelle Almqvist ha rimesso assieme quasi tutti i pezzi (solo il bassista Dr. Matt Destruction non è più tornato in attività per mai specificati problemi di salute), e nel 2023 è ripartito con la pubblicazione del sesto album The Death of Randy Fitzsimmons.

The Hives Forever Forever the Hives, con il suo titolo e foto di copertina ironicamente autocelebrativi, è l’immediato seguito, come a dire che i “ragazzi” non hanno più intenzione di fermarsi. Sul contenuto del disco (13 brani in 32 minuti in pura tradizione Ramones) non c’è molto da dire, il genere suonato dalla band è, al pari di certo Heavy Metal, una espressione obbligata che deve assolutamente rispettare certi parametri, e loro di certo non si mettono alla loro età, e in uno scenario musicale globale che ormai ha abbandonato l’idea di un possibile continuo progresso, a stravolgere tutto.  Anzi, paradossalmente proprio la brevità richiesta dalle nuove modalità di ascolto in streaming paiono proprio fatte ad hoc per valorizzare i loro brani, che dopo un minuto circa hanno già detto tutto quello che volevano esprimere.

Bene così, la band gira a mille, e i brani (dal singolo Enough Is Enough all’ottima Legalize Living, fino alla polemica di They Can't Hear the Music) sembrano adatti a quello che suona come una antica conferma che, con due chitarre e una sezione ritmica che non perde un colpo, una buona mezz’oretta di energia la si può garantire. La presenza del Beastie Boys Mike D nel ruolo di produttore a fianco dello svedese Pelle Gunnerfeldt, e di Josh Homme in quella di “consulente”, non paiono poi aver portato grandi rivoluzioni, gli Hives sono vivi, e con loro sopravvive un certo antico spirito rock che non meritiamo di perdere nel caos della rete.

 

VOTO: 7

Nicola Gervasini